Roppongi Crossing 2025
What Passes Is Time. We Are Eternal
Mori Art Museum 2025/12/3 – 2026/3/29

After the New: Institutional Ritual in Roppongi Crossing 2025

I have often felt that Roppongi Crossing, staged approximately every three years—though not always explicitly positioned as a triennial—occupies an awkward middle ground: too expansive for a coherent curatorial thesis to hold, yet too limited to offer any genuinely comprehensive view of contemporary art in Japan. Presented at the Mori Art Museum, the latest edition, Roppongi Crossing 2025: What Passes Is Time. We Are Eternal., follows the series’ familiar survey format. This time curated by Leonhard Bartolomeus, KIM Haeju, TOKUYAMA Hirokazu. YAHAGI Manabu around the expansive theme of the “preciousness and transience of time” and various forms of “temporal experience,” the framework proves so elastic that it risks becoming conceptually diffuse. With works spread across media and scale, the exhibition often feels uneven and episodic; several works read less as independent propositions than as illustrations of the curatorial theme.

More fundamentally, the exhibition still struggles with the question of what constitutes “Japanese contemporary art” today. While the curators broaden the field to include artists working in Japan regardless of nationality, the perspective remains largely institutional and bound by convention. As with previous editions, many of the artists and curatorial positions framed as “new” or “emerging” are already well embedded within museum, residency, and biennial circuits, reinforcing the sense that the exhibition affirms existing structures rather than uncovering genuinely untested positions.

This edition of Roppongi Crossing feels less like a critical intervention than an institutional ritual: a periodic temperature check that reflects the prevailing ecology, aesthetic tendencies, and discursive preoccupations of contemporary art in Japan rather than actively challenging them. In this sense, the exhibition mirrors a broader condition within contemporary art, often described in the wake of Arthur Danto’s “end of art history” thesis. When no singular narrative of stylistic progression remains, exhibitions frequently default to pluralism as a curatorial principle. Yet such pluralism—while inclusive—can also produce a flattening effect, where heterogeneous practices coexist without friction and difference is absorbed into an overarching curatorial neutrality. The result is a form of managed diversity: a display of varied practices that signals openness while leaving the underlying institutional logic largely intact.

If anything, this exhibition functions less as a map of emergent artistic directions than as a mirror of the structures that sustain the tendencies of the Japanese contemporary art system itself.

What passes is time, what remains is ritual.

Keith Whittle 

Keith Whittle is a curator and writer based between London and Tokyo, engaging with contemporary art and cultural projects across diverse contexts.

https://keithwhittle.org

art-culture.world/reviews/whittle-roppongi-crossing-2025

Mitsumasa Kadota: Dissolving Horizons

GOCA by Garde
515W 23rd Street, New York, NY 10011
May 7 — June 18, 2026

私が門田光雅さんのことを知ったのは昨年であります。アートの国内外の情報を日々チェックしている者としては気づくのが遅かったと思います。

きっかけは門田さんは、ソーシャルネットワークで知り合った、某ウォール街日本人初女性金融ブローカーのイチ押しの作家でした。普通金融の人が推すアーティストは既に有名な作家か、知り合いレベルの作家の可能性が高いです。普通はクオリティが高くないこともあるのでちょっとバイアスがかかります。しかしストレートに作品が良いと思ったので名前を検索して調べてみると、私と同じ東京の美大の絵画科出身の作家とわかりました。すぐに連絡先を見つけ、コンタクトをとりました。私の知っている絵画科の先生の教え子で、絵からもそれが伝わった等、メッセンジャーで大学ネタ交換ピンポンをしました。

昨年12月に私は日本行きを予定していました。偶然門田さんが武蔵野市にあるFLYMEeという、家具をインターネットで販売している会社のショールームで作品を展示しておりました。京都、伊勢と後半に西日本行きを予定していた私のスケジュールでは東京は一週間ぐらいの滞在でした。会いたい人に昼・夜とスケジュールを埋めていく中で、門田さんの作品を観に行くのが今回の日本滞在での唯一の美術鑑賞となりました。(京都・東寺の国宝の仏像群や奈良の大仏は観ました。日本の国宝レベルのクオリティは凄かったです)

武蔵野市のFLYMEeのショールームに門田さんの作品が百点は展示してあったと思います。圧倒的熱量。一企業が気前よくこれだけ作家を支援してくれていることに驚きました。

ブラッシュストロークのきいた抽象絵画であります。タイトルが作品を観るためのヒントになりました。使用している色味(絵の具の配色具合)から、ゲルハルト・リヒターの抽象絵画を思い出しました。リヒターは色々な色をキャンバスに置いた後、キャンバスの画面全体を一度に動かせる巨大ヘラで表面を平らにすることによって画面構成をし、完成後の作品が、得ても言えない戦慄感(旋律感？)があります。リヒターはドイツ出身の絵画の王道をいっている作家ですが、写実的な作品のシリーズもあり、その実力から高額で取引される巨匠の殿堂入りを果たしております。門田さんの作品からも同じぐらいの勢いの絵画の熱量を感じますが、門田さんの作品はヘラでスキージー(画面表面を数ミリの厚さでぬぐい取る)していないのでリヒターと絵画の制作方法が異なります。

既にニューヨークの某有名コレクターにも認められ、リンカーン・センター内のスタンリー・H・カプラン・ペントハウスの会場で過去に展覧会をしたこともあると伺いました。身の回りにそれほど成功している作家を知らなかったので素直に驚きました。

そして今回、ニューヨーク、チェルシー、ハイライン高架下23丁目にあるGOCA ギャラリーにて展覧会オープニングがあったので伺いました。

私はこのギャラリーに伺うのは実は初めてでした。午後6時過ぎに伺いましたが既に活気に溢れておりました。作品を熱心に観ているアフロアメリカンのかっこいい人達がいたので彼らと作品を一緒に撮ってもいいかと聞きポーズを取ってくれて、門田さんにも紹介しました。

アジア系女性グループの方ともお話しました。門田さんの英語は完璧でないというので即時、私は通訳役になりました。彼女の聞いていたことは、作品は筆で描いているようにみえないがどうやって描いているのかという質問でした。門田さんは彼女に対し、公表していないと答えました。私もあらためて、目の前の作品がどのように描かれているか知らなかったことに気づかされました。

アーティストは制作過程を秘密にした方がいいことがあります。全部明かしてはいけない。

私はコロナの時からZoomで東京の大学の先生とアートトークのオンライン授業をしております。お陰様ではじめてから6年が経ち、膨大な知識量とリサーチ能力が身につきました。

各週一つのテーマに従ってリサーチしていきます。ニューヨークの美術館や展覧会がテーマの日もあれば、未来派やダダ等の歴史的アートについてや、アーティスト一人に焦点をあてることもあります。作家の制作過程やコメントを聞いていくと、作品を観ただけではわからなかったことがわかり、作品の見え方が変わっていくことも多いです。

つい最近立て続けに、アーティストが作品を作る際のヒント、種明かしをしているのを聞いてしまいました。80年代からニューヨークアートシーンで一世を風靡したジュリアン・シュナーベルはニューヨークのギャラリートークでそれを明かし、グッゲンハイム美術館でも個展を開催された李禹煥は日本の美術館でのトークイベントのビデオでの告白でした。ついでに書くと、フランシス・ベーコンの絵画の秘密もついこないだ某書籍編集者の投稿で知ってしまいました。シュナーベルも李禹煥も成功してから30年以上経ってからの告白で、これは長年秘密にしてきたことなのではないかと思いました。30年後に種明かしをしてもその作家の築き上げてきた評価、価値は変わりません。フランシス・ベーコンは作家没後にフランシス・ベーコンのアトリエに行った際に制作過程のモチーフや彼の所有物をみて書籍編集者が気づいたことでありました。その内容は衝撃的でした。

よく、観る人の想像にお任せしますといいますが、それがいいのであります。

話を門田さんの作品に戻しますと、私は門田さんの使う白い色が光に見えます。絵画は空間なのです。ブラッシュストローク(筆勢・筆は使っていないかもしれないけれど)の先に空間が広がってみえます。

例えばキャンバスを床に平らに置き、絵の具をドリッピングしたジャクソン・ポロックの絵画と比較してみることが出来ます。絵の具の滴る線と線の間に空間がうまれます。たしかに門田さんの絵画にもそれがあります。

私は抽象表現主義の作家より、それを飛び越して、フランス印象派の画家、クロード・モネの、ジヴェルニーの庭や木々、風景を描写した空間の筆跡を感じます。

私は東京の美大を卒業して、大学の先生の紹介を経て就いた仕事が、某大型商社の一部門で、バブルの際にコーポレートコレクションになった高額美術作品を、90年代バブル崩壊経済後退の後の企業の資産を現金化して世界のマーケットに戻す仕事でした。初日にはモネの該当作品に近い年代やサイズから過去のオークション落札価格データベースにアクセスし、作品価格の妥当性やエスティメート(査定)をするものです。その職場に8年在籍しておりましたので、普通の方や他の美術業界の方より作品の実際と価値について観続けております。

それと1960年代に絵画が死んだといわれてコンセプチュアルアートやインスタレーションが流行り、80年代に絵画が復活して90年代にビデオアートが流行り、その当時は絵なんて描いている場合ではないという風潮や空気があって、2000年代前半はアーティストである私のパートナー(スペイン人)もせっせとビデオアートを作っておりましたが、2026年現在のニューヨークの画廊はほとんど絵画ばかりです！

その、絵画に見慣れた現在のニューヨークのアートシーンにおいても門田さんの作品はオリジナリティがあって力強いものでした。

是非会期中にタイミングが合いましたら是非会場に足をお運びくださいませ。

6月18日まで

文・写真 中井里美

https://www.instagram.com/kadota_art/

Mitsumasa Kadota: Dissolving Horizons

GOCA by Garde
515W 23rd Street, New York, NY 10011
May 7 — June 18, 2026

Where Light Becomes Paint: The Spatial Abstraction of Mitsumasa Kadota

My encounter with the work of Mitsumasa Kadota came only last year—an admission that feels almost negligent for someone who monitors the ebb and flow of the global art world daily. Yet the delay proved productive: it allowed me to meet his work without preconception, and with a clarity sharpened by distance.

The introduction arrived through an unlikely conduit: a Japanese woman who became the first female broker on Wall Street. When people in finance champion an artist, the recommendation often falls into two predictable categories—already‑canonized names or acquaintances whose work does not necessarily withstand critical scrutiny. But Kadota’s paintings resisted such expectations. Their force was immediate, unmediated. When I searched his name, I discovered that he had graduated from the same Tokyo art university as I had – though from a different major. That shared institutional background nevertheless created a sense of proximity, and it became the basis for an unexpectedly rich exchange.

When I traveled to Japan last December, Kadota happened to be exhibiting at FLYMEe’s showroom in Musashino City, Tokyo. My Tokyo stay was brief, wedged between trips to Kyoto and Ise, and my schedule was dense with personal commitments. Yet visiting his exhibition became the sole contemporary art viewing of my trip—aside from encounters with Japan’s National Treasures at Tō‑ji and Nara, whose overwhelming presence belongs to a different order of experience.

At FLYMEe, nearly a hundred works filled the space. The sheer volume generated a palpable heat. It is rare for a single company to support an artist with such generosity; rarer still for the work to justify that scale of commitment.

Kadota’s paintings operate within the broad field of abstraction, but their logic is not reducible to gesture alone. The titles function as conceptual apertures. The chromatic density—how color is placed, layered, withheld—evoked, for me, the abstract works of Gerhard Richter. Yet the comparison is instructive precisely because the methods diverge. Richter’s squeegee, which drags chromatic strata into a single surface event, produces a tension between accident and control. Kadota, by contrast, refuses the squeegee’s erasure. His surfaces retain their own internal temporality; the paint is allowed to remain paint.

I later learned that a prominent New York collector had already recognized his work, and that Kadota had previously exhibited at the Stanley H. Kaplan Penthouse at Lincoln Center. Such achievements are not common among artists in my immediate orbit, and the information recalibrated my understanding of his trajectory.

When I heard he would open a new exhibition at GOCA by Garde beneath the High Line on 23rd Street, I attended. It was my first visit to the gallery. By shortly after six, the space was already animated—an encouraging sign in a city where openings can feel performative rather than engaged. A group of sharply dressed African American visitors were studying the works with unusual attentiveness; I photographed them with the paintings and introduced them to the artist.

I also interpreted for a group of Asian women who asked how the works were made, noting that they did not appear to be painted with a brush. Kadota replied simply that he does not disclose his process. The refusal was elegant, and correct. Artists are entitled to opacity. Not everything should be revealed.

For the past six years, I have participated in weekly online art‑talk sessions with a professor in Tokyo. The sustained research has sharpened my ability to read artworks structurally. Recently, I encountered a series of revelations about artistic process: Julian Schnabel disclosed aspects of his method during a New York gallery talk; Lee Ufan revealed his own in a museum lecture in Japan; and a book editor’s post exposed a startling detail about Francis Bacon’s studio practice. Schnabel and Lee Ufan waited more than thirty years to reveal their secrets—long after their reputations were secure. Bacon’s case emerged posthumously. These disclosures underscore a simple truth: the work’s value does not lie in the mechanics of its making. The viewer’s imagination is not a deficit but a condition of meaning.

Painting itself has been declared dead more than once—first in the 1840s with the advent of photography, again in the 1960s and ’70s during the rise of Minimalism and Conceptual Art, and once more in the 1990s with the dominance of video and installation art.
These recurring proclamations form the backdrop against which contemporary painting must assert its relevance.

Returning to Kadota: the white in his paintings reads not as pigment but as light. Painting, after all, is a spatial proposition. At the terminus of each stroke—whether or not a brush was used—space opens. One could compare this to Jackson Pollock, whose dripped lines generate spatial intervals between gestures. Kadota’s works share this spatiality, but their lineage feels closer to Claude Monet: the atmospheric brushwork of Giverny, the dissolution of form into light, the articulation of space through chromatic vibration.

My own professional history inevitably shapes my reading. After graduating from art university in Tokyo, I spent eight years in the art division of a major trading company, tasked with researching and liquidating high‑value artworks acquired during Japan’s bubble economy. My first assignment involved analyzing auction data for Monet—comparing period, size, and provenance to determine fair estimates. That experience taught me to see artworks not only as images but as objects with histories, markets, and trajectories.

The art world has cycled through declarations of painting’s death and rebirth: conceptualism in the 1960s, the resurgence of painting in the 1980s, the rise of video art in the 1990s. My partner, a Spanish artist, produced video art diligently in the early 2000s, when painting seemed passé. Yet in New York today, in 2026, galleries are once again dominated by painting.

Even within this saturated field, Kadota’s work asserts itself with clarity and originality. It does not rely on nostalgia, nor does it mimic established formulas. It insists on its own logic.

If your schedule allows, I encourage you to experience the exhibition in person.

On view through June 18

Text & Photos by Satomi Nakai

https://www.instagram.com/kadota_art/

art-culture.world/reviews/nakai-mitsumasa-kadota-goca-by-garde

https://www.goethe-und-musik.de

Goethes Verhältnis zur Musik

Johann Wolfgang von Goethe (1749 – 1832) schrieb nicht nur Gedichte, Theaterstücke, die „Wilhelm Meister“-Romane oder den „Faust“, der mit seiner visionären Kraft nie zu veralten scheint. Der Dichter war ein Multitalent, er wurde Profi auch auf ganz anderen Gebieten, wie Medizin, Optik oder Wetterkunde. Er malte, entwarf Gebäude und gestaltete Gartenlandschaften.

Dass er sich umfassende Kenntnisse in der Musik erarbeitete, ist wenig bekannt, und es ist auch erstaunlich. Goethe fiel zwar vieles leicht, aber mit der Musik hatte er durchaus Probleme. Denn die Welt erlebte er vor allem über das Sehen – er war durch und durch ein „Augenmensch“. Der 70-Jährige behauptete sogar, er sei „gehörlos“. Als Jugendlicher lernte er in Frankfurt zwei Jahre Klavierspielen, auch auf dem Cello und auf der Flöte probierte er sich aus. Das geschah aber eher nebenbei, denn weitaus mehr interessierten den jungen Goethe das Malen und alle Art der Naturforschung, und natürlich das Dichten. Er hatte aber viel Umgang mit Musikkennern, und die fragte er – wie alle Fachleute – gerne aus. Und so wusste er mit der Zeit immer umfassender Bescheid über diese Kunst, die die Augen gar nicht braucht. Der alte Goethe kannte sich in musikalischen Fragen besser aus als viele Musiker.

Nach seinem Studium in Leipzig und Straßburg zog er mit 26 Jahren nach Weimar, der Ort, wo er bis zu seinem Tod mit 82 Jahren leben und arbeiten sollte. Auch in Weimar konnte er der Musik nicht entkommen: Am Hof, an dem er jetzt sozusagen mitregierte, spielten viele ein Instrument, sangen oder komponierten sogar, wie Anna Amalia, die Mutter des jungen Regenten. Aber auch Theater wurde gespielt: Goethe lieferte jetzt die Texte und schrieb sogar Libretti für Singspiele, die dann von Anna Amalia oder vom Kammerherrn von Seckendorff vertont wurden.

Sehr erfolgreich war Goethe als Schauspieler, aber er sang nie auf der Bühne, obwohl das damals eigentlich dazugehörte. Als Verfasser mehrerer Theaterstücke und Singspiel-Libretti aber war er auf den Geschmack gekommen: Nicht nur einfache Singspiele, eine große Oper mit Rezitativen sollte es jetzt sein. Aus Goethes Briefen an seinen alten Frankfurter Freund, den Komponisten Philipp Christoph Kayser, geht hervor, dass Librettist Goethe hier etwas ganz gründlich missverstanden hatte: Seine Oper sollte es sein, sein Text stand im Mittelpunkt, im Komponisten sah er nur eine Art Handlanger. Das funktionierte natürlich nicht, denn in der Oper geht es vor allem um die Musik, ein Komponist braucht den Dichter als Handlanger, um seine musikalischen Ideen entfalten zu können. Auch der alte Goethe verstand immer noch nicht, warum es eine echte „Goethe-Oper“ nie geben konnte. Und doch – Goethes Verse klingen mit ihrem geschmeidigen Schwingen der Sprache fast, als seien sie bereits vertont. Und vor allem seine Gedichte waren bei Komponistinnen und Komponisten sehr beliebt. Alleine Franz Schubert hat über 60 Goethe-Gedichte in Musik gesetzt. Dass die Musiker aber auch hier machten, was sie wollten – genauso wie bei seinen Operntexten – ärgerte Goethe: Er wollte einfache Melodien, die sich eng am Text orientieren – die Musiker aber scherten sich nicht um diesen Wunsch und ließen ihrer künstlerischen Fantasie freien Lauf.

Goethe und die Musik: Ein spannendes Kapitel, oft stieß Goethe hier an seine Grenzen. Und doch: Gelegentlich bewies er großen Weitblick und auch ein Gespür für gute Musik, manchmal sogar gegen seinen Willen. Die überragende Strahlkraft der Musik Mozarts war ihm früher klar als anderen, er sah voraus, dass wir diese Musik heute noch hören. Das ganz Besondere der Kunst Johann Sebastian Bachs umschrieb er – nach äußerster Konzentration beim Zuhören mit geschlossenen Augen – so: „Als wenn die ewige Harmonie sich mit sich selbst unterhielte, wie sich’s etwa in Gottes Busen, kurz vor der Weltschöpfung, möchte zugetragen haben.“ (17.7.1827) Die kosmischen Wahrheiten in Bachs Musik – Goethe bringt es auf den Punkt.

Die Musik der Jüngeren mochte Goethe nicht, ihr ausgiebiges Schwelgen in Gefühlen war ihm nicht geheuer, er hörte lieber klar Strukturiertes, Heiteres. Trotz seiner Vorurteile blieb Goethe aber neugierig, mit dem 60 Jahre jüngeren Felix Mendelssohn Bartholdy war er sogar befreundet. Der junge Feuerkopf kam einmal mit besonderen Noten unter dem Arm zu Besuch: Er könne ihm nicht helfen, sagte er dem alten Freund, das aber müsse er jetzt hören, legte Beethovens 5. Sinfonie aufs Pult und spielte los. Das waren damals ganz unerhörte Klänge: Eine Musik ohne Kompromisse, pessimistisch und düster – so ungefähr das Gegenteil von dem, was Goethe gerne hörte. Der Dichter war überwältigt, rang um Fassung und fand – mal wieder – einen treffenden Ausdruck für das, was er da hörte: „Das ist sehr groß, ganz toll! Man möchte sich fürchten, das Haus fiele ein.“

Goethe fahndete nach Wissen, auf welchem Gebiet, war eigentlich egal. Und so machte der „gehörlose“ Dichter sogar als Musikforscher keine schlechte Figur. In der sogenannten „Moll-Debatte“ vertrat er eine Meinung, die kaum jemand ernst nahm – die aber in unserer Zeit bewiesen wurde.

Damals waren viele Musiker überzeugt, dass die Molltonleiter eine künstliche Konstruktion sei und vom Dur abgeleitet: Man habe die große Terz – die zum Durdreiklang gehört – einfach in eine kleine verwandelt, und so das Tongeschlecht Moll kreiert. Das hatte der berühmte Komponist Jean-Philippe Rameau 1722 in einer musiktheoretischen Schrift behauptet – obwohl er es besser hätte wissen müssen: Schließlich gab es die kleine Terz schon lange in den Kirchentonarten, den Vorläufern des Dur-Moll-Systems.

Rameaus Kollegen beteten diese Idee noch hundert Jahre später nach, und Goethe ärgerte sich: Für ihn war diese Vorstellung an den Haaren herbeigezogen. Er behauptete, dass die innere Ordnung der Töne sich dem Menschen einst intuitiv erschlossen habe, dass Tonsysteme beim Singen von selbst auf natürliche Weise entstanden sein müssen, indem sie inneren Gesetzmäßigkeiten folgen. So heißt es in Goethes „Tonlehre“, eine Skizze, die als Vorbereitung für einen längeren wissenschaftlichen Text dienen sollte – eine Arbeit, die Goethe dann doch nicht ausgeführt hatte. Diese gut ausgearbeitete Skizze hängt auch heute noch in Goethes Sterbezimmer in seinem Wohnhaus in Weimar.

Goethe behielt mit seiner Hypothese recht – und nicht seine musikalischen Zeitgenossen. Dass traditionelle Tonleitern weltweit eng mit den Bedingungen der Tonerzeugung im Kehlkopf zusammenhängen, konnte vor wenigen Jahren nachgewiesen werden. 2009 und 2010 erschienen in der Reihe „PLOS ONE“ der Duke University in den USA die Ergebnisse von umfassenden Forschungen, die Goethes Vorstellung bestätigen – ohne dass die Wissenschaftler überhaupt an Goethe dachten.

Diese Forschungsergebnisse sind umfassend und sehr komplex, man kann sie aber auf mehrere einfache Nenner bringen:
Computerprogramme, die mit unendlich vielen gesammelten Daten gefüttert wurden, zeigten enge Zusammenhänge zwischen den Bedingungen zur Töne-Erzeugung im Kehlkopf und der klanglichen Gestalt von den verschiedensten Sprachen auf der Welt. Und nicht nur das: Auch die Tonsysteme von unterschiedlichen Kulturen auf der ganzen Erde haben eine enge Verbindung zu dem Spektrum der Töne, das vom Kehlkopf vorgegeben wird: Tonsysteme entstehen also – genau wie das Goethe behauptet hatte – aus intuitiver Vertrautheit mit klanglichen Gesetzmäßigkeiten, die schon beim Sprechen zu Tage treten: „Indem sich aus und an dem Menschen selbst die Tonwelt offenbart“, heißt es in seiner „Tonlehre“-Skizze – und genau das hat das Forscherteam der Duke University nachgewiesen.

(Purves, Dale and Gill, Kamraan Z.: A Biological Rationale for Musical Scales in: „PLOS ONE“, Duke University, Durham, USA 2009 + Purves, Dale: Major and minor music compared to excited and subdued speech, in „Journal of the Acoustical Society of America”, Bd 127, 491-503, 2010)

Die Forscherinnen und Forscher aus den USA konnten auch belegen, dass Menschen in der ganzen Welt, wenn sie positiv gestimmt sind, im Kehlkopf mehr dur-ähnliche Klänge erzeugen, und dass bei gedämpftem, traurigem Sprechen moll-typische Frequenzen häufiger entstehen.

Goethe wies die Idee, dass die Molltonart künstlich hergestellt worden war, kategorisch zurück. Er war überzeugt, dass Tonsysteme intuitiv aus einem Gefühl für Stimmigkeit entstanden waren – und nicht aufgrund bewusst durchgeführter Anordnung. Natürlich kennen wir heute auch Tonsysteme, die „künstlich hergestellt“ wurden – wie etwa das von Arnold Schönberg um 1900 kreierte Zwölftonsystem. Aber diese Systeme sind als Konstruktion allgemein bekannt.

Goethes Verhältnis zur Musik ist deshalb besonders spannend, da es von Widersprüchen gekennzeichnet ist. Goethe fremdelte mit der Materie, und manches hat er gründlich missverstanden. Und doch überrascht er uns auch auf diesem Gebiet mit einer Weit- und Klarsicht, die weit in die Zukunft weist und uns Heutige noch staunen lässt.

Dietlinde Küpper

Dietlinde Küpper: Goethes Verhältnis zur Musik
Nichts kapiert und alles verstanden
Verlag: tredition, 2019
ISBN 978-3-7497-3163-3 (Hardcover)
978-3-7497-3164-0 (e-Book)

LINK:
https://www.goethe-und-musik.de

ゲーテと音楽との関係

ヨハン・ヴォルフガング・フォン・ゲーテ（1749年～1832年）は、詩、戯曲、「ヴィルヘルム・マイスター」シリーズ、そして時代を超越した先見性を持つ「ファウスト」を著しただけでなく、医学、光学、気象学といった全く異なる分野でも才能を発揮した多才な人物でした。彼は絵画を描き、建築を設計し、庭園を造園した。

彼が音楽にも深い知識を持っていたことはあまり知られておらず、実に驚くべきことである。ゲーテは多くのことを容易にこなしたが、音楽に関しては確かに苦労していた。というのも、彼は主に視覚を通じて世界を体験していたからだ――彼は生粋の「視覚人間」だった。70歳になった彼は、自分は「耳が聞こえない」とさえ主張した。青年時代、フランクフルトで2年間ピアノを習い、チェロやフルートにも挑戦した。しかし、それはあくまで副次的なものでした。若いゲーテがはるかに興味を持っていたのは、絵画やあらゆる種類の自然研究、そしてもちろん詩作だったからである。とはいえ、彼は音楽通たちとよく交流しており、他の専門家たちと同様に、彼らに熱心に質問を浴びせていた。そして時を経るにつれ、視覚さえ必要としないこの芸術について、ますます包括的な知識を身につけていった。老境に入ったゲーテは、多くの音楽家よりも音楽に関する知識が豊富だったのだ。

ライプツィヒとストラスブールでの学業を終えた後、彼は26歳でワイマールに移り住み、82歳で亡くなるまでその地で暮らし、創作活動を続けた。ワイマールでも、彼は音楽から逃れることはできなかった。彼がいわば共同統治者となった宮廷では、若き統治者の母であるアンナ・アマリアをはじめ、多くの人が楽器を演奏したり、歌ったり、さらには作曲さえしていた。演劇も上演されていた：ゲーテは台本を提供し、歌劇（ジングシュピール）の台本さえ執筆し、それらはアンナ・アマリアやフォン・ゼッケンドルフ侍従長によって作曲された。

ゲーテは俳優として大成功を収めたが、当時はそれが当然とされていたにもかかわらず、舞台で歌うことは一度もなかった。しかし、数多くの戯曲やジングシュピールの台本を手がけるうちに、その魅力に目覚めてしまった。もはや単なるジングシュピールにとどまらず、レチタティーヴォを盛り込んだ本格的なオペラを作ろうと考えたのである。フランクフルト時代の旧友である作曲家フィリップ・クリストフ・カイザーへのゲーテの手紙からは、台本作家としてのゲーテがここで根本的な誤解をしていたことがうかがえる。彼は、オペラは自分のものであり、自分の台本が中心であると考えており、作曲家を単なる手先のような存在としか見ていなかったのだ。もちろん、これはうまくいかなかった。オペラは主に音楽が中心であり、作曲家は音楽的なアイデアを発展させるための道具として詩人を必要とするからである。晩年のゲーテでさえ、なぜ真の「ゲーテ・オペラ」が決して生まれ得なかったのか、依然として理解していなかった。 それにもかかわらず―― ゲーテの詩は、その滑らかな言葉の響きによって、まるで既に音楽化されているかのように聞こえる。とりわけ彼の詩は、作曲家たちに非常に人気があった。フランツ・シューベルトだけでも、60編以上のゲーテの詩を曲にしている。しかし、ゲーテは、作曲家たちが自分のオペラ台本と同じように好き勝手に曲を作ったことに腹を立てていた。彼は歌詞に忠実なシンプルな旋律を望んでいたが、作曲家たちは彼の願いを無視し、芸術的な想像力を自由に発揮したのである。

ゲーテと音楽：実に興味深い章であり、ゲーテがしばしば限界に達した章でもある。しかし、時折、彼は並外れた先見の明と優れた音楽への感性を示し、時には自らの意思に反してさえもそうであった。モーツァルトの音楽が放つ圧倒的な輝きを、彼は他の人々よりも早く見抜いており、今日でも私たちがこの音楽を聴き続けていることを予見していた。ヨハン・セバスティアン・バッハの芸術の真に特別な点について、彼は ―― 目を閉じて極度の集中力をもって聴き入った後 ―― 次のように表現した：「まるで永遠の調和が、それ自身と対話しているかのようだ。それは、世界の創造の直前、神の懐の中で起こったことかもしれない。」（1827年7月17日）バッハの音楽に込められた宇宙の真理 ―― ゲーテはまさにその核心を突いている。

ゲーテは若い作曲家の音楽を好まなかった。彼らの過剰な感情表現に居心地の悪さを感じていたのだ。彼は明確な構成を持つ、明るい曲を好んだ。しかし、こうした偏見にもかかわらず、ゲーテは好奇心を失わず、60歳年下のフェリックス・メンデルスゾーン・バルトルディとも親交があった。ある日、若く情熱的な作曲家が珍しい楽譜を抱えて訪ねてきた。ゲーテは旧友に、自分には助けられないが、どうしても聴いてみたいと言った。そして、ベートーヴェンの交響曲第5番を譜面台に置き、演奏を始めた。それは当時としては全く異質な音楽だった。妥協のない、悲観的で陰鬱な音楽――ゲーテが好んで聴く音楽とは正反対と言っていいほどだった。詩人は圧倒され、平静を取り戻そうと苦闘し、そしてまたしても、耳にした音楽にふさわしい表現を見出した。「これは実に壮大で、まさに気が狂った！家が崩れ落ちそうなくらいだ。」

ゲーテは、本質的には無関係な分野であっても、知識を求めた。そのため、この「耳の聞こえない」詩人は、音楽学者としても優れた才能を発揮した。いわゆる「短音階論争」（Moll-Debatte / ‘minor key debate’）において、彼はほとんど誰も真剣に受け止めなかった意見を唱えたが、後にそれが正しかったことが証明された。

当時、多くの音楽家は、短音階は長音階から派生した人工的な概念であり、長三和音に含まれる長三度が単に短三度に変化しただけで短音階が生まれたと確信していた。著名な作曲家ジャン＝フィリップ・ラモーは、1722年の音楽理論書の中でこの主張を展開したが、彼はもっとよく知っていたはずだ。なぜなら、短三度は長短音階体系の先駆けである教会旋法の中に古くから存在していたからである。

ラモーの同僚たちは100年後もなおこの考えを繰り返していたが、ゲーテはこれに大いに苛立ちを覚えた。彼にとって、この考えはあまりにも突飛なものだったからだ。ゲーテは、音の内的秩序はかつて人類に直感的に啓示されていたものであり、音体系は固有の法則に従って歌唱の中で自然に生じたに違いないと主張した。ゲーテは、より長い科学的著作の準備として書かれたスケッチである『音の理論』（Tonlehre）の中で、このように述べている。この精緻に練られたスケッチは、今もなお、ゲーテのワイマールの住居にある臨終の部屋に飾られている。

ゲーテの仮説は、同時代の音楽家たちとは異なり、正しかったことが証明された。世界中の伝統的な音階が喉頭での発声条件と密接に関連しているという事実は、数年前に実証された。2009年と2010年には、ゲーテの考えを裏付ける包括的な研究結果が、アメリカのデューク大学によって「PLOS ONE」シリーズで発表された。研究者たちはゲーテのことなど全く考えていなかったにもかかわらずである。

これらの研究結果は包括的かつ非常に複雑だが、いくつかの簡単な言葉で要約できる：収集された膨大な量のデータを入力したコンピュータプログラムによって、喉頭での発声条件と世界の多様な言語の音響特性との間に密接な相関関係があることが明らかになった。さらに、世界中のさまざまな文化の音調体系は、喉頭によって生成される音のスペクトルと密接に関連している：つまり、音調体系は、ゲーテが主張したように、すでに音声に表れている音の法則に対する直感的な理解から生じるのである：「音の世界は、人間自身から、そして人間を通して明らかになる」と彼は著書『音の理論』の中で述べているが、デューク大学の研究チームはまさにそれを証明したのだ。

(Purves, Dale and Gill, Kamraan Z.: A Biological Rationale for Musical Scales in: „PLOS ONE“, Duke University, Durham, USA 2009 + Purves, Dale: Major and minor music compared to excited and subdued speech, in „Journal of the Acoustical Society of America”, Bd 127, 491-503, 2010)

アメリカの研究者たちは、世界中の人々がポジティブな気分のときには喉頭で長調に近い音をより多く発し、また、落ち着いた悲しい口調で話すときには短調の周波数がより頻繁に現れることを実証した。

ゲーテは、短調が人為的に作られたという考えを断固として否定した。彼は、音階体系は意識的な配置からではなく、調和の感覚から直感的に生じるものだと確信していた。もちろん、今日では「人為的に作られた」音階体系も存在する。例えば、1900年頃にアルノルト・シェーンベルクによって作られた十二音体系などが挙げられる。しかし、これらの体系は一般的に構築物として知られている。

ゲーテの音楽との関係は、矛盾に満ちているため、特に興味深いものである。ゲーテは音楽という主題から疎外感を感じ、多くのことを完全に誤解していた。しかし、この分野においても、彼は未来を見据えた幅広い視野と明晰さで私たちを驚かせ、今なお畏敬の念を抱かせる。

ディートリンデ・キュッパー

Dietlinde Küpper: Goethes Verhältnis zur Musik
Nichts kapiert und alles verstanden
Verlag: tredition, 2019
ISBN 978-3-7497-3163-3 (Hardcover)
978-3-7497-3164-0 (e-Book)

LINK:
https://www.goethe-und-musik.de

Goethe’s Relationship To Music

Johann Wolfgang von Goethe (1749–1832) not only wrote poems, plays, the “Wilhelm Meister” novels, and “Faust,” a work whose visionary power seems never to grow old. The poet was a multi-talented individual, also excelling in entirely different fields such as medicine, optics, and meteorology. He painted, designed buildings, and created landscape gardens.

It is little known, and indeed surprising, that he acquired such extensive knowledge of music. Whilst many things came easily to Goethe, he certainly struggled with music. This was because he experienced the world primarily through sight – he was, through and through, a ‘visual person’. The 70-year-old even claimed to be “deaf.” When he was young, he learnt to play the piano for two years in Frankfurt, and he also tried his hand at the cello and the flute. Nevertheless, this was more of a side interest, as the young Goethe was far more interested in painting, all kinds of natural science, and, of course, poetry. He did, however, associate extensively with music connoisseurs, whom he – like all experts – enjoyed questioning. And so, over time, he acquired an ever-greater understanding of this art, which doesn’t actually require sight. The elderly Goethe was more knowledgeable about musical matters than many musicians.

After completing his studies in Leipzig and Strasbourg, he moved to Weimar at the age of 26, the place where he would live and work until his death at the age of 82. Even in Weimar, he couldn’t escape music: at the court, where he now essentially co-ruled, many played an instrument, sang, or even composed, like Anna Amalia, the young regent’s mother. Theater was also performed: Goethe now provided the texts and even wrote libretti for ‘Singspiele’, which were then set to music by Anna Amalia or by Chamberlain von Seckendorff.

Goethe was highly successful as an actor, but he never sang on stage, even though that was considered essential at the time. However, as the author of several plays and Singspiel libretti, he had developed a taste for it: not just simple Singspiels, but a grand opera with recitatives was what he wanted. Goethe’s letters to his old Frankfurt friend, the composer Philipp Christoph Kayser, reveal that Goethe, as librettist, had fundamentally misunderstood something: it was supposed to be his opera, his text was to be the focus, and he saw the composer merely as a kind of assistant. Of course, that didn’t work, because opera is primarily about the music; a composer needs the poet as a handmaiden in order to be able to develop his musical ideas. Even the elderly Goethe still couldn’t understand why a genuine “Goethe opera” could never exist. And yet – with their supple cadence – Goethe’s verses almost sound as if they had already been set to music. His poems, in particular, were very popular with composers. Franz Schubert alone set over 60 of Goethe’s poems to music. But the fact that the musicians did as they pleased – just as they did with his opera librettos – annoyed Goethe: he wanted simple melodies that closely followed the text – but the musicians paid no heed to this wish and gave free rein to their artistic imagination.

Goethe and music: a fascinating chapter, in which Goethe often found himself reaching his limits. And yet: on occasion, he demonstrated great foresight and a keen sense of good music, sometimes even against his will. He recognised the extraordinary appeal of Mozart’s music earlier than others; he foresaw that we would still be listening to this music today. After listening with his eyes closed in the utmost concentration, he described the very essence of Johann Sebastian Bach’s art as follows: ‘As if eternal harmony were conversing with itself, as might have taken place in God’s bosom shortly before the creation of the world.’ (17 July 1827) The cosmic truths in Bach’s music – Goethe sums it up perfectly.

Goethe disliked the music of younger composers, their excessive indulgence in emotions made him uneasy, he preferred clearly structured, cheerful pieces. Despite his prejudices, however, Goethe remained curious, and he was even friends with Felix Mendelssohn Bartholdy, who was 60 years his junior. The young hothead once came to visit with some special sheet music under his arm: ‘I can’t help you,’ he told his old friend, ‘but you simply must hear this now,’ and placed Beethoven’s Fifth Symphony on the music stand and began to play. These were quite unheard of sounds at the time: music without compromise, pessimistic and somber — almost the opposite of what Goethe liked to listen to. The poet was overwhelmed, struggled to regain his composure, and — once again — found a fitting expression for what he heard: “This is truly grand, absolutely crazy! One might fear the house would collapse.”

Goethe sought knowledge, in whatever field was essentially irrelevant. And so, the ‘deaf’ poet even acquitted himself quite well as a musicologist. In the so-called “minor key debate” (“Moll-Debatte”), he put forward a view that hardly anyone took seriously – but which has been proven true in our time.

At the time, many musicians were convinced that the minor scale was an artificial construct derived from the major scale: they believed that the major third – which forms part of the major triad – had simply been transformed into a minor third, thereby creating the minor mode. This was what the famous composer Jean-Philippe Rameau had claimed in a treatise on music theory in 1722 – although he should have known better: after all, the minor third had long been present in the church modes, the precursors of the major-minor system.

Rameau’s colleagues were still parroting this idea a hundred years later, much to Goethe’s annoyance: for him, this notion was far-fetched. He claimed that the inner order of tones had once been intuitively grasped by humankind, and that tonal systems must have arisen naturally of their own accord through singing, by following inner laws. This is how Goethe puts it in his “Tone Theory” (“Tonlehre” – Theory of Sound), a sketch intended as preparation for a longer scientific text — a work Goethe ultimately never completed. This well-developed sketch still hangs today in Goethe’s death chamber in his Weimar residence.

Goethe’s hypothesis proved to be correct – unlike those of his musical contemporaries. The fact that traditional scales worldwide are closely linked to the conditions of sound production in the larynx was demonstrated a few years ago. In 2009 and 2010, the results of comprehensive research confirming Goethe’s idea were published in the “PLOS ONE” series by Duke University in the USA – without the scientists even having thought of Goethe.

These research findings are comprehensive and highly complex, but they can be summarized in several simple terms: Computer programs fed with vast amounts of collected data revealed close correlations between the conditions for sound production in the larynx and the sonic characteristics of a wide variety of languages around the world. And not only that: the tonal systems of different cultures across the globe also have a close connection to the spectrum of sounds determined by the larynx: tonal systems thus arise – just as Goethe had claimed – from an intuitive familiarity with the laws of sound that are already evident in speech: “As the world of sound reveals itself from and within the human being,” he wrote in his “Tone Theory” sketch – and this is precisely what the research team at Duke University has demonstrated.

(Purves, Dale and Gill, Kamraan Z.: A Biological Rationale for Musical Scales in: “PLOS ONE”, Duke University, Durham, USA 2009 + Purves, Dale: Major and minor music compared to excited and subdued speech, in “Journal of the Acoustical Society of America”, Bd 127, 491-503, 2010)

The researchers from the US were also able to demonstrate that, when people around the world are in a positive frame of mind, they produce more major-key-like sounds in the larynx, and that when speaking in a subdued, sad tone, frequencies typical of the minor key occur more frequently.

Goethe categorically rejected the idea that the minor key had been artificially constructed. He was convinced that tonal systems had arisen intuitively from a sense of harmony — and not from a consciously implemented arrangement. Of course, today we are also familiar with tonal systems that were ‘artificially constructed’ – such as the twelve-tone system created by Arnold Schoenberg around 1900. But these systems are generally recognised as constructs.

Goethe’s relationship to music is particularly fascinating because it is characterised by contradictions. Goethe was somewhat at odds with the subject, and there were some aspects he thoroughly misunderstood. And yet, even in this field, he surprises us with a breadth of vision and clarity that points far into the future and still leaves us today in awe.

Dietlinde Küpper

Dietlinde Küpper: Goethes Verhältnis zur Musik
Nichts kapiert und alles verstanden
Verlag: tredition, 2019
ISBN 978-3-7497-3163-3 (Hardcover)
978-3-7497-3164-0 (e-Book)

LINK:
https://www.goethe-und-musik.de

art-culture.world/cultural-essays/kuepper-goethe-musik

Alfredo Jaar
You and Me and the Others
Tokyo Opera City Art Gallery 2026/1/21 – 3/29

The Burden of Moral Gravity: Alfredo Jaar’s Didactic Politics in
You and Me and the Others

In the aftermath of the 2008 global financial crisis, artistic practice has become increasingly entangled with forms of cultural activism confronting capitalism, political authoritarianism, colonial legacies, gentrification, and the precarious conditions of artistic labour. Protest has not only emerged as a thematic concern, but has also been incorporated into the formal and methodological dimensions of contemporary art practice itself, setting the stage for exhibitions that grapple directly with pressing political and social issues.

While Alfredo Jaar’s exhibition You and Me and the Others at Tokyo Opera City Art Gallery is undeniably ambitious in its political scope, it ultimately feels burdened by the weight of its own moral seriousness. The works are carefully staged and conceptually coherent, yet the exhibition often privileges message over experience, leaving little room for ambiguity, discovery, or emotional complexity. Rather than inviting reflection, it frequently instructs the viewer what to think.

Jaar’s long-standing concern with war, exploitation, and media ethics gives the exhibition an immediate sense of gravity, but this gravity can harden into tropes, clichés, and predictability. The installations are built around stark moral oppositions—victim and witness, violence and responsibility, ignorance and awareness—that risk reducing deeply complex realities into predetermined ethical lessons. In works such as The Sound of Silence, the audience is positioned less as an active participant than as the recipient of a carefully managed revelation.

This didacticism is compounded by an aesthetic strategy of restraint that, while elegant, can feel emotionally distant. Minimalism here functions less as a space for contemplation than as a device for directing response. The result is an exhibition that seems to demand agreement rather than provoke thought.

Perhaps the most frustrating aspect is that the works insist on urgency while offering little beyond recognition. The viewer is made aware of injustice, but the experience can feel rhetorically closed, substituting moral declaration for genuine critical engagement. In this sense, the exhibition risks turning political art into a form of ethical theatre—earnest and well-intentioned, but ultimately unconvincing.

Keith Whittle 

Keith Whittle is a curator and writer based between London and Tokyo, engaging with contemporary art and cultural projects across diverse contexts.

https://keithwhittle.org

art-culture.world/reviews/whittle-alfredo-jaar-tokyo-opera-city-art-gallery

2026年ヴェネツィア・ ビエンナーレ 日本館 アメリカ人荒川ナッシュ医に決定。個人的な意見：小泉明郎の方が良かった。
American Ei Arakawa-Nash has been chosen for the 2026 Venice Biennale Japan Pavilion. Personal opinion: KOIZUMI Meiro would have been better.

https://art-culture.world/reviews/ei-arakawa-nash/

日本館をめぐる非難と不名誉。貧しい女性たちに対する人種差別的かつ植民地主義的な搾取。保守的な日本の家父長制の強化。戸籍制度の強化。差別的な血統思想の強化。
Criticism and disgrace surrounding the Japan Pavilion. Racist and colonial exploitation of poor women. Strengthening of conservative Japanese patriarchy. Strengthening of the family registration system. Reinforcement of discriminatory bloodline ideology.
https://art-culture.world/reviews/venice-biennale-japan-pavilion-gestational-surrogacy/

の続き、関係性。議論のため、記録させていただきます。

米加州の市長、中国の工作員容疑　指示受け記事投稿と訴追、辞任
​共同通信5/12(火)
　【ロサンゼルス共同】米司法省は11日、中国政府の工作員として活動した疑いで、西部カリフォルニア州アルケイディア市長のアイリーン・ワン容疑者が訴追されたと発表した。市長就任前、中国政府の指示を受けて新疆ウイグル自治区でのジェノサイドや強制労働を否定する記事を自身のニュースサイトに投稿するなどしたとしている。

　司法省によると、ワン容疑者は2020～22年、中国政府関係者の指示の下、自身が運営する中国系米国人向けのニュースサイトに親中の内容を投稿するなどした疑いがある。容疑を認め、検察との司法取引に応じた。11日、市長を辞任した。 　米メディアによると、ワン容疑者は約30年前に中国から移住。今年2月に市長に就任した。
https://news.yahoo.co.jp/articles/436ea087c2e8b60d3c8416ab677551baaa583fd8

2026年5月12日【米国の「市長」が「北京の工作員」だった】
カリフォルニア州アーケイディア市のEileen Wang市長が、中国共産党の工作員として活動した罪を司法取引で認めた。最大10年の重罪に問われる。
DOJ公式発表によれば、Wang（58歳）と共犯者のYaoning “Mike” Sun（65歳）は、2020年末から2022年にかけて中国政府当局者の指示を受け、「U.S. News Center」というウェブサイトを運営。親中プロパガンダを継続的に投稿し、閲覧数を当局へ報告していたとされます。
Wangは外国代理人として義務付けられた司法長官への届け出も怠っており、FBIも捜査に関与しています。ロサンゼルス連邦地裁での初公判が予定されています。
「地方政治こそ浸透しやすい」という構造的な脆弱性は、今回の一件だけで語り尽くせるものではありません。アーケイディアの隣にも、同じ構造が静かに育っているかもしれません。

California mayor charged with acting as illegal agent for China
Eileen Wang agreed to plead guilty, the Justice Department said.
By Luke Barr, May 12, 2026
Eileen Wang, the mayor of Arcadia, California, has been charged with acting as an illegal foreign agent for China, the Justice Department announced on Monday.

Wang agreed to plead guilty, the Justice Department said.

Starting in late 2020 Wang and Yaoning “Mike” Sun worked together to operate a website called U.S. News Center that “purported to be a news source for the local Chinese-American community.”

The Justice Department said in a plea agreement that Wang and Sun “received and executed directives from PRC (People’s Republic of China) government officials to post pro-PRC content on the website, and sometimes sought approval from PRC government officials to circulate other pro-PRC content.”

In one instance in November 2021, Wang wanted to circulate an article about the Chinese and Russian ambassador asking for Americans to respect the PRC’s “democratic rights.”

“This is what the Ministry of Foreign Affairs wants to send,” she said.

In her plea agreement she admitted to not notifying the attorney general that she was working for the PRC.

“Individuals elected to public office in the United States should act only for the people of the United States that they represent,” said Assistant Attorney General for National Security John A. Eisenberg. “It is deeply concerning that someone who previously received and executed directives from PRC government officials is now in a position of public trust at all, but particularly so because that relationship with that foreign government had never been disclosed.”
https://abcnews.com/Politics/california-mayor-accused-acting-illegal-agent-china/story
https://edition.cnn.com/2026/05/11/us/eileen-wang-chinese-agent
https://www.dailymail.com/news/article-15809155/Arcadia-California-mayor-Eileen-Wang-secret-spy-China.html

17. July 2025 LOS ANGELES (KABC) — In Arcadia
@ArcadiaCAgov
(pop. 60,000, shares border with Pasadena), a couple’s 21 children — all from surrogate mothers — have been placed in “protective custody” (aka foster care) amid an investigation.

@ArcadiaPD
“stumbled upon” a $4 million mansion at 612 W. Camino Real Avenue, Arcadia, CA 91007 while investigating a child abuse case involving a 2-month-old suffering a traumatic head injury.

After getting a search warrant, detectives seized security cameras from inside the home and made some alarming discoveries.

“We discovered numerous children – 15 children to be specific – ranging in ages from 2 months old to 13 years old,” Arcadia police Lt. Kollin Cieadlo said.

“Many of the children were birthed through surrogacy and then the male and female at the residence took legal guardianship of those kids,” Cieadlo added.

Six other children, investigators say, had been moved to other homes. All 21 of the kids were confirmed to be the children of 65-year-old Guojun Xuan and 38-year-old Silvia Zhang.

They were arrested for felony child endangerment but later released.

Police have also issued an arrest warrant for their nanny, 56-year-old Chunmei Li. Investigators say after looking at surveillance video, she is the main suspect in the child abuse case and is still on the loose.

“The discipline, both verbally and physical, was severe to the point where it supported the beliefs that child abuse was occurring inside the home,” Cieadlo said.

Sources told
@ABC7
Eyewitness News that of the 21 children, 17 are 3 years old or younger. Police say all 21 children are in the custody of Department of Children and Family Services https://dcfs.lacounty.gov (aka CPS).

Where did all those children come from? That is what the
@FBI
is trying to figure out. The Bureau refused to comment on the case, but Arcadia police confirmed that their detectives are working with the
@FBILosAngeles
.

Arcadia’s investigation, though, determined that the children are the product of a surrogacy operation, Mark Surrogacy Investment, LLC, was registered on February 18, 2025 and is owned by Zhang and Xuan.

Public records info for the business, registered at the same Arcadia residence by Guilan Huang, can be found at https://bizprofile.net/ca/arcadia/mark-surrogacy-investment-llc-2.

No charges have been filed.
@LADAOffice
is not commenting on the case.

“It’s horrific, it’s disturbing, it’s damaging emotionally,” said Kayla Elliot, one of the surrogate mothers hired by Zhang and Xuan.

She says they told her they only had one other child. She’s now hoping to get custody of the child that she had for the couple.

“These agencies, we’re supposed to trust them and follow their guidance and come to find out this whole thing was a scam, and the parents own the agency – that was not disclosed at all beforehand,” Elliot said.

“Anything goes. And these clinics, these agencies are not regulated by any governing body,” said Kallie Fell, executive director of the nonprofit
@CBCnetwork
Center for Bioethics and Culture http://cbs-network.org.

Fell is working with Elliot. She says having more than 20 children though surrogates is not illegal, but that it raises serious questions as to why people would do that.

“That to me smells of trafficking, child trafficking,” Fell said.

“What are the intentions of having that many children at home through these assisted reproductive technologies?”
https://x.com/JB_Conley/status/1945539817997308255

https://abc7.com/post/surrogacy-scandal-21-children-surrogate-mothers-taken-arcadia-couple-amid-investigation/17140359/

The Fate of Twenty-one Los Angeles Siblings
Nearly two dozen kids were found at risk of abuse and neglect. Will their parents be held accountable?
By Ava Kofman, May 11, 2026
quote:
Guojun Xuan and Silvia Zhang kept their children in a $3.2-million mansion in Arcadia; videos filmed inside the house showed children being spanked, forced to squat, and hit in the face.
https://www.newyorker.com/news/the-lede/the-fate-of-twenty-one-los-angeles-siblings?

art-culture.world/politics/surrogate-mothers-california-asia

まさに僕が恐れていたことが起こってしまった。クールなサングラスをかけた、可愛い、愛らしい赤ちゃんたち。

女性として、あるいは母親として、反射的かつ本能的に母性愛が蘇るというのは、自立した状態である。

イタリアの日本館をめぐる非難と不名誉。貧しい女性たちに対する人種差別的かつ植民地主義的な搾取。保守的な日本の家父長制の強化。戸籍制度の強化。差別的な血統思想の強化。

Exactly what I feared has come to pass. Cute, adorable babies wearing cool sunglasses.

As a woman, or as a mother, the fact that maternal love is reflexively and instinctively reawakened is a sign of independence.

Criticism and disgrace surrounding the Japan Pavilion in Italy. Racist and colonial exploitation of poor women. Strengthening of conservative Japanese patriarchy. Strengthening of the family registration system. Reinforcement of discriminatory bloodline ideology.

Please welcome …
ようこそ、ここへ

Yunta Arakawa-Nash
荒川ナッシュ弓太（ゆんた）
Soh Arakawa-Nash
荒川ナッシュ相（そう）

We were able to be at their birth on Dec 2, 2024 because we changed our flights. フライトを変更して、ギリギリ出産に立ち会えました！

Our journey began in Summer 2021. We got married in 2023. They were born after egg donation in CA and surrogacy in TX. Our egg donor flew from Japan, and the surrogate lives in the USA. They are two different women. We could somewhat decide the timing of the births. That’s how I managed to do my show in Tokyo. 美術館イベントでも話しましたが、2021年夏にプロセスがスタート、2023年に同性婚。カリフォルニア州での卵子提供、テキサス州での代理出産を経て、生まれました。卵子提供者は日本から渡米、代理出産者はアメリカ在住の別の女性です。出産予定日は、ある程度、国立新美術館の展覧会日程に合わせて調整することができました。

Happy New Queer Dads!
ハッピー・新・クィアパパ

Ei & Forrest
医（47歳）& フォレスト（37歳）

https://www.instagram.com/p/DDW1jEVx8T4/?img_index=1

アメリカ人の医くんへ：妊娠代理出産（gestational surrogacy）を利用して貧しい女性たちを搾取するのではなく、
ー（費用は高額で（総額 一千五百万円 = 10万米ドル以上になることが多い）、代理店手数料、代理母への報酬（2万米ドル～5万5千米ドル程度）、弁護士費用や医療費などが含まれる； つまり、医と夫は赤ちゃんたちのために三千一百万円 = 20万米ドル（！）を支払ったということ）ー 、
その代わりにアフリカの貧困地域への支援プログラム（スポンサーシップ Patenschaft für afrikanische Kinder）を通じて寄付をしてください、が、すればよかった。

To American Ei: Instead of exploiting poor women through gestational surrogacy,
— (The costs are exorbitant — often totaling 15 million Japanese Yen, or over US$100,000 — and include agency fees, compensation for the surrogate mother (typically between US$20,000 and US$55,000), legal fees, and medical expenses; that means, Ei and his husband paid US$200,000 (!) for their babies) —
instead, you should have made a donation through a support program for impoverished regions in Africa (sponsorship for African children / Patenschaft für afrikanische Kinder).

https://www.plan-international.jp
https://www.worldvision.jp/lp/childsponsorship/chosen/fy26/001/index.html
https://www.sos-childrensvillages.org
https://smileforchildren.de/en/patenschaft
など。

フランス、ドイツ、スペイン、スイス、オーストリア、ノルウェー、スウェーデン、デンマーク、トルコ、日本、中国、台湾などでは、妊娠代理出産は禁止されており、違反すれば懲役刑に処される。

医くん、今頃、君は「刑務所にいる」はずだ。2024年10月、イタリアは「妊娠代理出産」を「普遍的犯罪」とする法律を可決し （“gestational surrogacy” = “universal crime”）、代理出産が合法である国であっても、代理出産を求める市民を対象とした。

In countries such as France, Germany, Spain, Switzerland, Austria, Norway, Sweden, Denmark, Turkey, Japan, China, and Taiwan, gestational surrogacy is prohibited, and violators face imprisonment.

Ei, by now, you should be “in prison.” In October 2024, Italy passed a law designating “gestational surrogacy” as a “universal crime,” targeting citizens seeking surrogacy even in countries where surrogacy is legal.

Capisci ?!!

>

極端な言い方をすれば、僕の、我々の税金（国際交流基金）で、犯罪者のための日本館（200個の米国産baby dollsなどの為、一億円が必要でしたっけ？！！）に資金を提供していることになっている。

To put it bluntly, it amounts to using my, our tax money (through the Japan Foundation) to fund a Japan Pavilion (he needed US$630,000?!! for 200, made-in-USA, baby dolls a.o.) for a criminal.

東京 Tokyo、2026年5月9日
亜 真里男 Mario A

参照：
2026年ヴェネツィア・ ビエンナーレ 日本館 アメリカ人荒川ナッシュ医に決定。個人的な意見：小泉明郎の方が良かった。
American Ei Arakawa-Nash has been chosen for the 2026 Venice Biennale Japan Pavilion. Personal opinion: KOIZUMI Meiro would have been better.
https://art-culture.world/reviews/ei-arakawa-nash/

2026年5月12日 UPDATE:

日本館の荒川ナッシュ医の妊娠代理出産を巡り：米司法省は昨日、カリフォルニア州アーカディア市のアイリーン・ワン市長が、中国の違法な外国代理人として活動したとして起訴されたと発表した。
In the context of Surrogate Mothers and Japan Pavilion’s Ei Arakawa-Nash: Eileen Wang, the mayor of Arcadia, California, has been charged with acting as an illegal foreign agent for China, the Justice Department announced yesterday.
https://art-culture.world/politics/surrogate-mothers-california-asia/

参照 more @

https://art-culture.world/politics/surrogate-mothers-california-asia/

荒川ナッシュ・フォレスト Forrest Arakawa-Nash

>

art-culture.world/reviews/venice-biennale-japan-pavilion-gestational-surrogacy

参照 check:
https://art-culture.world/art-world/japan-war-criminal-foujita/

https://art-culture.world/articles/leonard-tsuguharu-foujita-japanese-emperor-worshipping-at-ise-shrine-japanese-imperial-year-2603/

参照 check:
私は東京国立近代美術館小松弥生館長の即時解任を要求します！(2026年4月29日)
I demand the Immediate Dismissal of the MOMAT Director KOMATSU Yayoi!
https://art-culture.world/art-world/momat-director-komatsu-yayoi-小松弥生館長/

日独伊三国同盟ファシズム：横山大観とベニート・ムッソリーニ

Fascism Axis Japan-Germany-Italy: Nihonga Painter YOKOYAMA Taikan and Benito Mussolini

https://art-culture.world/articles/fascism-axis-japan-germany-italy-nihonga-painter-taikan-yokoyama-and-benito-mussolini/

今日はどういう記念日でしょうか。ヨーロッパ戦勝記念日です。

さて、当時に、「天皇のために殺せ！」、にっぽん人はいつまで戦争を続くつもりでしたか。

Link_https://www.youtube.com/watch?v=jnlsX9EiFdw

「天皇のために殺せ！」。天皇は戦争犯罪人として扱われるべきだったと思いますか？そして、他の戦争犯罪人と同じように処刑されるべきだったと思いますか？

>

THE REAL “BANZAI” FROM IMPERIAL JAPAN (in 1943).
出陣学徒壮行会（東京）で行われた、東條英機首相による大迫力の万歳三唱です。
〈東條英機内閣総理大臣〉
諸君のめでたき征途にのぼれるところの第一歩にあたります。
諸君とゝもに聖上の万歳を心の底から三唱いたしたいと思ひます。
天皇陛下、万歳、万歳、万歳。
〈The Prime Minister, Hideki TOJO〉
This is your great first step for departing the war.
I would like to give cheers for His Majesty of the Emperor from the bottom of our hearts with you.
TENNO HEIKA BANZAI! BANZAI! BANZAI!
(Long live His Majesty of the Emperor!)
The song in the background　準国歌「海ゆかば」/ Umi Yukaba
Link＿https://www.youtube.com/watch?v=vuT_RAoVg2w

Link_https://www.youtube.com/watch?v=i7nyeZsKjsA

参照 check:
天皇皇后両陛下 初の肖像画 Portrait Painting of Their Majesties the Emperor and Empress of Japan
https://art-culture.world/jp-society/portrait-painting-of-their-majesties-the-emperor-and-empress-of-japan/

レオナール・嗣治・フジタと言う「戦争犯罪人」は国内のレジスタンスに対して、どういう考えを持ったか、ご存知でしょうか。レオナール・嗣治・フジタとロベール・デスノスの関係はご存知でしょうか。
Médaille de la Résistance française
https://fr.wikipedia.org/wiki/Médaille_de_la_Résistance_française

https://fr.wikipedia.org/wiki/Robert_Desnos

https://ja.wikipedia.org/wiki/ロベール・デスノス

2021年5月8日の認知症予防。「ロベール・デスノス、藤田嗣治、藤田ユキ、藤田君代。レジスタンス 対 戦争犯罪人。」
Dementia Prevention on 8th of May 2021. “Robert Desnos, Tsuguharu Foujita, Youki Foujita, Kimiyo Foujita. Résistance vs War Criminal.”
https://art-culture.world/art-world/robert-desnos-tsuguharu-foujita-youki-foujita-kimiyo-foujita-resistance-vs-war-criminal/

Japanese dissidence in 20th-century Imperial Japan

https://en.wikipedia.org/wiki/Japanese_dissidence_in_20th-century_Imperial_Japan

新作 「Bella Ciao」New Work “Bella Ciao”
https://art-culture.world/articles/new-work-bella-ciao/

退廃芸術のアーティストたちのドイツ記念切手
Deutsche Post Gedenk-Briefmarken zu Künstlerinnen und Künstler der “Entarteten Kunst”
https://art-culture.world/articles/entartete-kunst-退廃芸術-アーティスト-ドイツ記念切手/

高市内閣の支持率は78.1％、日本国憲法第9条が改正され、すべての人（女性・男性）に兵役が義務付けられる。

徴兵通知書に対し、男性の90％以上が回答
ベルリン、2026年5月8日（ロイター） – 国防省は、新たな徴兵制度について、初期段階での成果が良好であると評価した。同省は金曜日、ベルリンで、通知書を受け取った若年男性の90％以上が書簡に応答し、添付の質問票に回答したと発表した。「この数字は非常に良好だ」と広報担当者は述べた。この割合には、督促状を受けてから回答した者も含まれている。最初の4週間の期限内での回答率は86％だった。同省はこれにより、ここ数日間の異なる報道を否定した。
新しい兵役制度は今年初めから施行されている。18歳になったすべての若者は、少なくとも6ヶ月間の志願兵としての服務への意思を確認するための通知書を同省から受け取る。男性は回答が義務付けられているが、女性は任意である。さらに、今後数年間で全男性を対象に身体検査を行い、適性を審査する予定だ。この計画は、2030年代半ばまでに兵力を約46万人に増強するというドイツ連邦軍の目標の中核をなすものである。しかし、新しい兵役法では、志願者が不足する兆候が見られた場合には、義務制が適用されることも規定されている。
国防省の広報担当者は、年初から4月末までに20万6000通以上の案内状が送付されたと説明した。男性とは異なり、任意でアンケートに回答できる女性からの回答率は約3％にとどまっている。同担当者は、これについて明確な拒否姿勢とは見ていないと強調した。回答しないのは彼女たちの正当な権利である。18歳の男性を対象とした調査は、主に防衛上の登録を目的としており、最新の状況を把握するためのものである。
督促を受けてもアンケートに回答しない男性は、罰金の対象となる。回答しないことは行政違反にあたる。広報担当者は、最大250ユーロの罰金が科される予定であると述べた。
回答が得られた者を対象に、すでに身体検査やさらなる適性検査が実施されている。採用もすでにあったという。しかし、広報担当者は具体的な数字については言及せず、まずはより広範なデータが揃うのを待つつもりだと述べた。(了)

にっぽん兵よ、ロシアのファシスト兵を撃ち落とせ。今日、モスクワでウラジーミル・アレクセーエフ将軍が射殺されそうになった。
Japanese soldiers: shoot down the Russian fascist soldiers. Today, General Vladimir Alekseyev was almost shot dead in Moscow.
https://art-culture.world/politics/japanese-soldiers-russia/

2024年ノーベル平和賞に日本被団協 核兵器廃絶訴え
Nobel Peace Prize 2024 awarded to the Japanese Organisation “Nihon Hidankyo”, the Grassroots Movement of Atomic Bomb Survivors (HIBAKUSHA)
https://art-culture.world/articles/nobel-peace-prize-2024/

あなたは再び「天皇のために殺せ！」と言うのか。

命令は命令だ。

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従わなければ、撃ち殺すぞ。

東京、2026年5月8日
亜 真里男

art-culture.world/politics/kill-for-the-tenno

嶋田美子＋ブブ・ド・ラ・マドレーヌがベニス・ビエンナーレで作品群を発表する姿を見られて、なんて素晴らしい瞬間でしょう！アーティストとしてのキャリアにおけるこの輝かしい成功、心からお祝い申し上げます！

最新情報はこちらへ
https://www.instagram.com/shimada_bubu/

artasiapacific on INSTAGRAM
For decades, Yoshiko Shimada—Japan’s unflinching feminist and antiwar artist—has refused the anesthetic of national forgetting, excavating the gendered scars of Japanese imperialism through photography, installation, performance, and rigorous collaborative practice.

On the eve of her inclusion in the 2026 Venice Biennale “In Minor Keys,” Shimada spoke with ArtAsiaPacific about the stakes of representing historical transgressions, her synergy with BuBu de la Madeleine (bubudela1961), and what it means to work against the official score.

Follow the link in bio to read the full interview on our website.

IMAGES (all courtesy the artists and Ota Fine Arts, Tokyo, @otafinearts)
1: YOSHIKO SHIMADA, Invocation of Chu-pi-ren (ocean), 2023, inkjet print, 120 x 180 cm.
2: YOSHIKO SHIMADA and BUBU DE LA MADELEINE’s Portrait, 1998, collage, 24.8 x 32.9 cm (right). Copyright the artists.
3: YOSHIKO SHIMADA and BUBU DE LA MADELEINE’s 1945, 1998, black-and-white photograph on colored copy, handmade cushion with lace trim, 91 x 91 x 3.5 cm. Copyright the artists.
4: Detail of YOSHIKO SHIMADA and BUBU DE LA MADELEINE, Not…, 1998, watercolor on photograph, 43.3 x 35.6cm each, set of three. Copyright the artists.
5: YOSHIKO SHIMADA, Battle against J.A.M.S., 2023, oil on canvas, 130.3 x 162 cm (right). Copyright the artist.

https://www.instagram.com/p/DX8yUpRkX5r/?img_index=1

MAY 05, 2026
Minor Keys and Major Silences: Yoshiko Shimada and the Art of Outrage
Ahead of the 61st Venice Biennale, the pioneering feminist artist discusses why resistance must be unapologetic and outrageous.
ELAINE W. NG

quotes:

(SHIMADA Yoshiko, quote 1)
The atrocities of the Imperial Japanese army are deeply rooted in the imperialism that began with the Meiji restoration (1868). However, in Japanese history textbooks, Meiji and the “modernization” of Japan are depicted as wholly positive—a great achievement.
Yet Japanese people donning Western attire, wearing high heels, and dancing under the banner of “Leave Asia, Join the West” is nothing but a farce—a true travesty. By reenacting it in drag (double drag!), we wanted to emphasize the sheer absurdity of it all.
As for women in the Meiji era, some from the upper class aspired to be “modernized,” but only within an imperial framework. Some founded women’s schools, yet these trained students to become “good wives, wise mothers” for the modern Japanese family system. Meanwhile, lower-class women were sent across Asia and beyond as karayuki (overseas prostitutes). The Japanese empire divided women into “mothers” and “whores,” forcing both into commodified roles that served imperial expansion.
We use drag—especially male drag (women in male disguise)—to highlight the farcical nature of this charade and the violence lurking beneath it. I’m actually not sure if this aligns well with the concept of “minor keys,” but I think minor keys don’t always have to be quiet. They can be loud and subversive.

(quote 2)
It took over 30 years for birth control pills to be legalized in Japan. Authorities—mostly male doctors—insisted that women must patiently explain themselves and be “understood” in order to achieve anything. They argued that Chū-pi-ren’s direct approach “alienated” them and delayed legalization. Well, I disagree. Emergency contraception was only legalized last year, after years of campaigning and “patient explanation” by young female activists. This patriarchal decision-making system must change. We should not have to be “understood” to make decisions about our own bodies. We need more “outrageous” women and more direct action to secure our right to self-determination.

(quote 3)
While I do not condone unilateral condemnation or the oversimplification of complex issues, not everything can be relativized under the appealing banner of “relational dialogue.” I interpret “minor” not only as quiet or conciliatory, but as minoritarian and subversive. Minor tones and poems can be outrageous, dramatic, and forceful.
Faced with unthinkable horrors and naked hatred—whether in Japan’s wartime atrocities or ongoing crises such as in Gaza and Iran—I don’t think we can remain quiet for long. We cannot silently yield to overwhelming evil.

full interview:
https://www.artasiapacific.com/people/minor-keys-and-major-silences-yoshiko-shimada-and-the-art-of-outrage/

コヨ・クー（Koyo Kouoh）は、現代美術界で最も影響力のあるキュレーターの一人でしたが、2025年5月10日に57歳で急逝しました。
彼女は2026年のベニス・ビエンナーレのメイン展覧会（In Minor Keys）をキュレーションする初の黒人女性に任命されたばかりでした。

お勧め記事:
Koyo Kouoh’s Death and the Politics of the Silent Black Subject
As In Minor Keys opens at the Venice Biennale, what will the absence of its first Black female curator mean for its reception?
https://ocula.com/magazine/opinion/koyo-kouoh-death-politics-black-venice-biennale/

コヨ・クーの旦那はスイス人Philippe Mall。

ドイツ語で書かれた専門的な、批評的な、日本の新聞の文化面で読めない記事:

ベニス・ビエンナーレの審査員が意見の対立を受けて辞任
Biennale-Jury in Venedig tritt nach Streit zurück
Niklas Maak 02.05.2026
Es ist ein trauriges Charakteristikum der diesjährigen Kunstbiennale von Venedig, die Ende der kommenden Woche eröffnet, dass im Vorfeld mehr Menschen darüber sprechen, was dort alles nicht stattfinden soll, als darüber, was stattfindet. Es begann mit dem Aufruf von 200 Künstlern und Kuratoren, Israel wegen des Gaza-Kriegs zu boykottieren. Danach sagte Südafrika seine Teilnahme ebenfalls wegen eines Gaza-Streits ab, dann erklärte die Jury, die die Silbernen und die Goldenen Löwen zu vergeben hat, sie werde sowohl Israel als aus das auf Einladung des Biennale-Präsidenten Buttafuoco wieder teilnehmende Russland bei der Preisvergabe nicht berücksichtigen, denn Künstler aus Ländern, deren Regierungschefs vom Internationalen Strafgerichtshof mit Vorwürfen von Verbrechen gegen die Menschlichkeit konfrontiert seien, könnten aus Sicht der Jury keine Preise bekommen.
Damit waren vor allem Israel und Russland gemeint, aber wenn Iran (wegen der blutigen Niederschlagung der Proteste durch das Regime), die Vereinigten Staaten (wegen des eindeutig völkerrechtswidrigen Angriffs auf Iran)  oder Saudi-Arabien (Einsatz von Knochensägen)  noch rechtzeitig angezeigt worden wären, hätte die Jury auch Künstler aus diesen Ländern nicht bedenken dürfen.
Ein Versöhner zwischen Juden und Arabern wird gecancelt
Belu-Simion Fainaru, der Künstler, der als Beitrag Israels gezeigt wird, erklärte, dass niemand aus der Jury mit ihm vorher gesprochen habe, und dass er, obwohl in Israel lebend, vielleicht nicht die Position Netanjahus oder Smotrichs vertrete. Dass er einer der vielen liberalen Menschen in Israel sein könnte, die Aussöhnung mit den Palästinensern erträumen und anerkennen, dass die Siedler im Westjordanland auch nach israelischem Recht Verbrechen begehen; und dass man, wenn der Krieg je enden soll, auf beiden Seiten Menschen wie Fainaru braucht, der seit drei Jahrzehnten jüdische und arabische Künstler zusammenbringt – all das war der Jury egal.
Er kommt aus Israel, er kriegt keinen Preis. Diese Argumentation zeigt, wie heruntergekommen Teile der Kunstszene sind, die einerseits mit unendlichen Wortgirlanden und großer Differenzierungswut das Recht auf individuelle heteronormative Lebensgestaltung verteidigen und jede Form von klischeehafter Verallgemeinerung als faschistisch anprangern – aber dann alle Menschen wegen ihrer Herkunft etwa aus Israel über einen Kamm scheren und so genau die unversöhnlichen Frontstellungen aufbauen, die sie anderswo so bitterlich beklagen.
Jetzt ist die Jury nach Protesten gegen ihren Protest geschlossen zurückgetreten. Man muss ihr keine Träne nachweinen. Eine Publikumsjury soll jetzt zwei Löwen vergeben. Aber vielleicht braucht die Biennale sie auch gar nicht. Goldene Löwen gab es ohnehin nicht immer, erst 1986 wurden sie bei der Kunstbiennale eingeführt, nachdem dort alle Preise für Kunst in Folge der Studentenproteste 1968 abgeschafft worden waren. Der Vorwurf damals: Preise für Kunst seien per se bourgeois und faschistisch.

ブッタフオコ：ベニス・ビエンナーレの会長は誰ですか？
Buttafuoco: Wer ist Venedigs Biennale-Präsident?
By Karen Krüger

Als der Biennale-Präsident Pietrangelo Buttafuoco einmal von einem Reporter gefragt wurde, ob er Muslim sei, antwortete der 2015 zum Islam konvertierte Schriftsteller und Journalist: „Ich bin Sarazene.“ Als er ein anderes Mal gefragt wurde, ob er Faschist sei, antwortete der für seine rechtsgerichtete Prägung bekannte Intellektuelle: „Ich bin etwas anderes.“
Buttafuoco zeigt sich gern als Nonkonformist, der sich nicht um übergeordnete Interessen schert – und hat die 61. Kunstbiennale in ein riesiges ethisches und organisatorisches Chaos gestürzt. Obwohl noch nicht einmal eröffnet, ist sie Schauplatz eines diplomatischen Streits und einer rechten Fehde. Am Donnerstag trat die Jury zurück. Die Eröffnungsfeierlichkeiten wurden abgesagt, die traditionellen Löwen abgeschafft. Die Preise werden am Ende der Schau vom Publikum vergeben.
Mit Buttafuocos Stimme beginnen viele Italiener den Tag. Man hört sie von Montag bis Freitag, wenn er im öffentlich-rechtlichen Radiosender Rai Uno ab 6.50 Uhr durch seine zehnminütige Kultursendung „Lupus in Fabula“ führt. In jeder Episode stellt er ein literarisches Werk vor, das den Hörern Interpretationsansätze für persönliche oder politische Erfahrungen geben soll – „Der Graf von Monte Christo“, „Krieg und Frieden“, „Reise ans Ende der Nacht“. In den vergangenen Tagen hat Buttafuoco vor allem Titel präsentiert, in denen es um Freundschaft, Treue oder den schmerzhaften Wandel persönlicher Beziehungen ging; Goethes „Wahlverwandtschaften“ waren darunter und Andersens „Die Schneekönigin“. Man kam nicht umhin, in der Auswahl einen Bezug zu seiner persönlichen Situation zu sehen. Er hatte zuletzt so gut wie jeden gegen sich aufgebracht – abgesehen von Putin und Italiens Russlandversteher Matteo Salvini natürlich.
Er schreibt Romane, aber ohne Esoterik oder Hobbits
Im März 2024 ernannte Italiens rechtsgerichtete Regierung Buttafuoco zum Leiter der ältesten und größten Kulturausstellung der Welt. Meloni holte den ehemaligen Funktionär der Fronte della Gioventù, der Jugendorganisation der rechtsextremistischen Partei Movimento Sociale Italiano (MSI), der sie auch selbst angehörte, als ideologische Wunderwaffe in die Lagune. Die Biennale ist immer das Herzstück von Italiens angeblich von Linken dominierten Kunstesta­blishments gewesen.
Mit Buttafuoco als Biennale-Direktor und Beatrice Venezi als Musikdirektorin des Opernhauses La Fenice sollte Venedig die Hauptstadt des kulturellen Melonismus werden, von der Impulse für einen kulturellen Rechtsruck ausgehen. Doch Buttafuoco ist kein Rechter, der über Tolkien oder Hobbits oder Sonnenwellen und esoterische Riten redet, wie etwa Italiens Kulturminister. Er hat beachtete Romane geschrieben, war 2006 Finalist beim bedeutenden Literaturpreis Campiello und stand mehreren Theatern als Direktor vor. Und er hat schon immer gern für Überraschungen gesorgt.

Kulturschaffende, die ihn als Intellektuellen und Menschen schätzen, aber seine politischen Überzeugungen nicht teilen, sehen in ihm eine Art rechtsdrehenden Anarchisten, der sich weder der Geschichte noch einer Partei verpflichtet fühlt. „Für mich ist er Italiens Céline“, sagt ein Angehöriger der Verlagswelt, der nicht namentlich zitiert werden möchte: „Buttafuoco ist das Gegenteil eines Technokraten und viel zu lebendig im Kopf, um eine Biennale zu leiten.“
Erste Irritationen gab es bald. Anders als Meloni wohl erwartet hatte, tat Buttafuoco nichts, was nur der Pflege ihres oder seines Gartens der Macht diente. Er nahm Ernennungen vor, die auf Kompetenz und nicht auf Parteizugehörigkeit oder Vetternwirtschaft beruhen. Buttafuoco sei „ein kluger Faschist“, urteilte deshalb „La Stampa“. Genauso wenig hatte Italiens Kulturministerium sich offenbar ausgerechnet, wie ernst der Zweiundsechzigjährige die per Satzung festgelegte Autonomie der Biennale-Stiftung nehmen würde und wie er ihre Rolle als Instrument der Freiheit interpretiert.

Entgegen der offiziellen Linie der Regierung, die seit Beginn des russischen Angriffskrieges an der Seite Selenskyjs steht, und entgegen auch der Haltung der EU lud Buttafuoco Moskau ein, sich wieder in Venedig zu präsentieren. Für Meloni muss die Nachricht wie die Ankündigung eines bevorstehenden Kometeneinschlags gewesen sein. Buttafuoco sollte die Biennale für sie zum Strahlen bringen, aber nicht mit Russland als wieder aufgehende Sonne.
Niemandem ist es gelungen, Buttafuoco zu überzeugen, von der russischen Teilnahme abzusehen. Auch die Ankündigung der EU, Mittel in Höhe von 2 Millionen Euro zu streichen, bewirkte nichts. Weder der Protestbrief, der von 22 Außen- und Kulturministern und der Ukraine unterzeichnet wurde, noch der Widerstand aus Rom brachten ihn dazu, auch nur Millimeter von der Wiedereröffnung des Pavillons abzurücken.
Buttafuoco – so berichten diejenigen, die ihn gesprochen haben – sei vielmehr überzeugt, die von ihm geleitete Institution vor politischem Druck schützen zu müssen. Seine Biennale solle ein Raum für Dialog und Austausch sein, der trotz der Nähe der Pavillons zu den Regierungen über politische Konflikte hinausweisen könne: „Alle Länder, die sich derzeit im Krieg befinden, werden hier in Venedig vertreten sein. Alle.“

Buttafuoco, geboren und aufgewachsen in Catania, studierte Philosophie und arbeitete zunächst als Buchhändler, bevor er anfing, bei rechten Zeitschriften und „Il Secolo d’Italia“, der damaligen Zeitung des rechtsextremen MSI, zu arbeiten. Von deren rechtspopulistischer Rhetorik hat er sich seitdem entfernt.  Der Rechten warf er vor, in Bezug auf Migranten zu demagogisch zu sein. Ihren traditionellen Ideen blieb er aber treu, wobei seine Heimat Sizilien einen zentralen Platz in seinem Denken einnimmt. Seine Konversion zum Islam hat er als eine Geste der Versöhnung mit der Geschichte der Insel als Knotenpunkt zwischen Orient und Okzident erklärt. „Die Identität Siziliens ist islamisch“, schrieb er und bat darum, fortan Giafar al-Siqilli (Giafar der Sizilianer) genannt zu werden. Der Name ist eine Hommage an Giafar al-Kalbi, Emir von Sizilien zwischen 998 und 1019.

Kuckucksuhren, Russland und Orson Welles
In Italien wird das Beharren Buttafuocos von nicht wenigen als kulturpolitischer Akt bejubelt, der die „Doppelmoral“ der EU bei Kriegsverbrechen anprangere. Eine Bitte der F.A.S. um ein Interview lehnte er ab. Weggefährten erzählen, was er antworte, wenn sie vorsichtig fragten, wieso er an der Präsenz Russlands festhalte: Wenn die auf Moskau angewandten Kriterien für alle Teilnehmer gelten würden, bliebe nur der Schweizer Pavillon übrig, und die Biennale „würde zur Kuckucksuhr-Biennale“ werden.
Dass das Unsinn ist, weiß Buttafuoco garantiert genauso, wie ihm bekannt sein dürfte, dass die Kuckucksuhr keine Schweizer Erfindung ist. Dort, wo Kunst ist, muss auch Dialektik sein, lautet einer seiner Glaubenssätze, und das meint er, wenn er sich auf Orson Welles’ Witz in „Der dritte Mann“ bezieht: „In Italien gab es dreißig Jahre lang unter den Borgias Kriege, Terror, Morde und Gemetzel, aber daraus gingen Michelangelo, Leonardo da Vinci und die Renaissance hervor. Was ist in der Schweiz in fünfhundert Jahren ruhigen Lebens und Friedens dabei herausgekommen? Die Kuckucksuhr.“
Italiens Kulturminister Alessandro Giuli, ein Schüler und vormals enger Freund Buttafuocos, hat dessen Haltung scharf kritisiert. Der Einweihung des neuen Zentralpavillons blieb er fern und kündigte an, auch nicht zum Biennale-Auftakt zu kommen. Stattdessen schickte Giuli In­spektoren zur Überprüfung der Bücher der Biennale-Stiftung in die Lagune. Der Rücktritt der Jury scheint in unmittelbaren Zusammenhang mit diesem Besuch zu stehen.
Sollten Unregelmäßigkeiten gefunden werden, könnte die Institution unter Zwangsverwaltung gestellt und Buttafuoco noch vor Beginn der Kunstausstellung entthront werden. Zu Beginn der Woche wurde schon die umstrittene Dirigentin Bea­trice Venezi, ebenfalls eine enge Freundin Buttafuocos, von der Regierung fallen gelassen. Gut ein Monat nach dem verlorenen Referendum scheint es bei der Regierung Meloni ums Überleben zu gehen. Was nicht vorzeigbar oder zu umstritten ist, muss damit rechnen, aussortiert zu werden. Und mit Buttafuoco wird die Biennale immer mehr zu einer Blamage.

各国パビリオンの展示作品に関する英語の説明、、、日本館の説明も含まれています。

Across memory, movement, and material, “home” emerges as something constantly evolving. A reflection on belonging shaped by diaspora, transformation, and cultural continuity.

Through sound, myth, and storytelling, the pavilion reimagines a landscape shaped by loss. A powerful reflection on memory, ecology, and resilience through collective imagination.

A dreamlike landscape where human, animal, and nature merge in constant flux. An immersive reflection on vulnerability, coexistence, and fragile ecosystems.

A powerful, immersive insulation reflects on loss, displacement, and resilience. Art becomes a vessel for preserving cultural memory.

An immersive environment where gestures of care activate the work itself. Blurring art and life, the pavilion explores invisible systems of support.

A provocative installation explores how digital media reshapes desire, perception, and the body. Where technology, sexuality, and science collide in a speculative future.

A transformed pavilion becomes a bunker-like space reflecting rising fears and self-preservation. A powerful meditation on isolation, security, and the limits of openness.

Painting unfolds as a living act: spilling, shifting, and transforming in real time. A space where the sacred and the everyday quietly merge.

A multi sensory “wind scape” transforms the pavilion into a space of sound and movement. An immersive reflection on nature, perception, and forces beyond human control.

A dreamlike installation unfolds through sound, performance, and shifting narratives. An invitation to navigate uncertainty through imagination and transformation.

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ご注意！
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photos+texts: cccs courtesy creative common sense

art-culture.world/art-world/yoshiko-shimada-bubu-de-la-madeleine-venice-biennale

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it’s spring time, fuckin’ time…

メロメロ、溺れ、溺れ、、、

Shunga (春画) is a Japanese term for erotic art. Most shunga are a type of ukiyo-e, usually executed in woodblock print format. While rare, there are extant erotic painted handscrolls which predate ukiyo-e.

春画（しゅんが）とは、特に江戸時代に流行した性風俗（特に異性間・同性間の性交場面）を描いた絵画。浮世絵の一種でもあり、笑い絵や枕絵、枕草紙、秘画、ワ印とも呼ばれる。また、それほど露骨な描写でない絵は危絵（あぶなえ）とも呼ばれた。淫画や淫絵、猥画や猥絵といった呼称も在るが一般的ではない。現在のエロ本に当たる。

more about チェック：
shunga_kabukicho　新宿歌舞伎町春画展
https://www.instagram.com/shunga_kabukicho/

Today’s bonus 今日のおまけ

From:
ノグチ・イサム、ロバート・キャンベル、松下まり子、ヴィルヘルム・フォン・グレーデン& オスカー・ワイルド、アサクサ・キュレーション
NOGUCHI Isamu, Robert Campbell, MATSUSHITA Mariko, Wilhelm van Gloeden & Oscar Wilde, ASAKUSA-Curation
https://art-culture.world/reviews/noguchi-isamu-robert-campbell-matsushita-mariko-wilhelm-van-gloeden-oscar-wilde-asakusa-curation/

from:
にっぽん兵よ、ロシアのファシスト兵を撃ち落とせ。今日、モスクワでウラジーミル・アレクセーエフ将軍が射殺されそうになった。
Japanese soldiers: shoot down the Russian fascist soldiers. Today, General Vladimir Alekseyev was almost shot dead in Moscow.
https://art-culture.world/politics/japanese-soldiers-russia/

https://www.britishmuseum.org/collection/object/A_2012-3053-1

from:
Popular museum-like show “NEO – EDO : Kunichika Toyohara” – a celebration of excellent exhibition directing @ AOYAMA MEGURO
優れたディレクションの実践を讃える人気の美術館的展覧会「ネオ江戸：豊原 国周」@ 青山｜目黒
https://art-culture.world/reviews/neo-edo-kunichika-toyohara-aoyama-meguro/

New Auction World Record For 喜多川歌麿 UTAMARO Kitagawa (1754-1806) 「深川の雪」”Fukagawa in Snow” (ca. 1802-06) @ 7.1 million US$
喜多川歌麿「深川の雪」@ 11億1143万円

https://art-culture.world/art-world/utamaro-kitagawa-fukagawa-in-snow/

New Auction World Record For “The Great Wave” by HOKUSAI @ 2.8 million US$
葛飾北斎の「神奈川沖浪裏」”The Great Wave off Kanagawa” @ 4億3000万円

https://art-culture.world/art-world/hokusai-great-wave/

art-culture.world/reviews/japanese-pleasure

なぜ東京国立近代美術館は村上隆「Ko²ちゃん (プロジェクトKo²) 」を購入しなければならないのか？ それは私、亜 真里男がそう言ってるからだ。(12 November 2025)
Why should the National Museum of Modern Art, Tokyo purchase MURAKAMI Takashi’s “Miss Ko² (Project Ko²)”? Because I, Mario A, say so.
https://art-culture.world/art-world/national-museum-of-modern-art-tokyo-murakami-takashi-miss-ko/

私は東京国立近代美術館小松弥生館長の即時解任を要求します！(29 April 2026)
I demand the Immediate Dismissal of the MOMAT Director KOMATSU Yayoi!
https://art-culture.world/art-world/momat-director-komatsu-yayoi-小松弥生館長/

の続き。

各文に番号を振っておきますので、批判的な読者の皆様が「はい」か「いいえ」かを自分で判断できるようになっております。

1. なぜ（国営・国立ではなく）民営にしないのか？ なぜなら、民営の場合、民間から資金が枯渇すれば、その施設は閉鎖されてしまうことになるからだ。

2. にっぽんは世界で最も豊かな国の一つだ。文化庁に対して「予算がない」と主張する政府官僚たちは嘘をついている。

3. 法律は永遠に続くものではなく、いつでも変更できる。にっぽんは女性参政権を導入し、もはや殺戮を繰り返す侍は必要ない。

4. 例えば、国立劇場、国立国会図書館や国立映画アーカイブ、あるいは国立がん研究センターを民営化してはいけない。

5. 文化は公共財であり、国家によって十分に支援されなければならない。

6. 芸術の自由は、芸術活動、表現、普及を国家の検閲から守る、保障された基本的人権である。しかし、人間の尊厳は芸術の自由よりも優先される。

7. ドイツの様々な国立美術館は、主に連邦政府、州政府、地方自治体からの公的資金によって運営されており、予算の90%以上をこれらの資金で賄っている場合が多い。日本も同様の方式を採用すべきだ。

8. ドイツでは、国立美術館への投資は経済的に有益であると考えられている。調査によると、公的資金1ユーロごとに、経済（観光産業を含む）に約1.70ユーロの付加価値が生み出される。資金の約3分の2は、税金や賦課金を通じて間接的に国に還元される。これはにっぽんにも当てはまるかもしれない。

9. ベルリン国立博物館のすべての施設では、18歳未満の入場者は無料で入場できる。ベルリン国立アジア美術館や民族学博物館では、すべての来場者に対し、恒久的に無料となっている。日本もこれに倣うべきだろう。ベルリンの新国立ギャラリー（ノイエ・ナショナルギャラリー）の通常入場料（1日券）は約8ユーロから15ユーロ。日本の消費者にとって、これは為替レート調整ではなく、日本の物価感覚で言えば800円から1,500円に相当する。

10. 東京国立近代美術館を取り壊すか、用途を変更する。同じ場所、あるいは東京の別の場所に、東京国立近代美術館をゼロから再建し、先見性のあるビジョンに基づいて設計する。同様の事例は世界中に数多く存在している。

11. 1年間は、この東京国立近代美術館ではマンガ関連の展示のみを行うべきだ。そうすることで、これが間違った、大衆迎合的なアプローチであることを人々に理解させることができる。同時に、責任者たちのずさんな運営を暴露する必要がある。過去5人の東京国立近代美術館館長と5人の文化庁長官は、複数の公開シンポジウムで報道陣の前で責任を問われなければならない。

12. 直ちに、緊急に：東京国立近代美術館にて、世界各国（イタリア、ドイツ、スイス、フランス、スペイン、ベルギー、オランダ、英国、韓国など）の国立美術館（米国のような私立美術館は除く！！）の館長を招いた公開シンポジウムを複数回開催すること。

13. ドイツの美術館の料金体系は、地元住民と外国人観光客を区別していない。にっぽんも同様の方式を採用すべきだ。

14. …

東京、2026年5月1日
亜 真里男

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注意！ATTENTION!

All pictures and texts have to be understood in the context of “Creative Commons Attribution　Noncommercial-NoDerivative Works.” ここに載せた画像やテクストは、すべて「好意によりクリエーティブ・コモン・センス」の文脈で、日本美術史の記録の為に発表致します。 Creative Commons Attribution　Noncommercial-NoDerivative Works, photos: cccs courtesy creative common sense
All these texts and pictures are for future archival purposes, in the context of Japanese art history writings.

2026年5月8日のアップデート

1.
太下義之
11h
·
「国立博物館・美術館集収入目標」の件で、公明新聞から取材を受けた内容が記事となっています（5/2付）。
「稼ぐことが目的か」
「実現難しい　押し付け」
「特別展中心主義に課題」
「海外に劣る日本の文化予算」
「社会で担うべき役割議論を」
等が見出しとなっています。
見出しではありませんが、
「ミュージアムの発展を支援する議員連盟を立ち上げるべき」
という意見もちゃんと掲載してくれました。
（コメント欄に、公明党 八千代市議会議員　たかはし 秀行さまが掲載された記事のリンクを貼っておきます）

https://www.facebook.com/photo?fbid=10232408591345396

2.

2026年5月2日

https://www.komei.or.jp/km/yachiyo-takahashi-hideyuki/2026/05/02/国立博物館・美術館は稼ぐことが目的か/
より：

2026/05/02 公明新聞より
　文部科学省は２月、国立の博物館や美術館が達成すべき新たな「中期目標」を発表した。自己収入の数値目標を初めて示し、目標を下回った場合は再編の対象とすることを明記。これを受けて各施設を運営する三つの独立行政法人（国立文化財機構、国立美術館、国立科学博物館）は、３月末までに「中期計画」を公表したが、収支を重視する政府の姿勢に対して疑問や不安の声が上がっている。問題の背景や、国立の博物館や美術館が果たすべき役割は何か。東京芸術大学の太下義之客員教授に聞いた。
＜解説＞

文科省が収入目標を設定

　文科省の中期目標で掲げられた数値目標は、収集・保管や調査研究といった各施設の事業のうち、展示事業に限り設定された。具体的には、展示事業にかかる費用に対して入館料や関連グッズ販売などの自己収入の割合を２０３０年度までに６５％以上、３１～３５年度中に１００％へ引き上げるべきと明記。国費の依存度を下げる方針が打ち出された。

　収入の割合が４割を下回るなど「社会的に求められる役割を十分に果たせていない」と判断した場合は「再編」の対象として展示品の見直しを求めるとも示している。

　このほか、訪日客らの入館料を割高にする「二重価格」の導入などを求めた。

　これを受け、各独法は「中期計画」を策定。いずれも文科省が示した目標に沿う内容となっている【表参照】。

　今回の発端は昨年１１月、財務省の財政制度等審議会が新年度の予算編成に向けた意見を取りまとめた際、国立博物館・美術館について「公費収益に対する入場料収入が不十分」と指摘したことなどがある。

＜インタビュー＞

東京芸術大学　太下義之・客員教授に聞く

実現難しい“押し付け”

　――今回の文科省の方針に対する受け止めは。

　率直に言って強く驚いた。これまでは、同省が独法や各館の館長らとある程度相談しながら「中期目標」を策定し、それを独法が踏襲して「中期計画」とするケースが多かったが、今回は事前のやり取りがなかったようだ。少々乱暴な表現だが、まさに“押し付けられた目標”であり、指標と言ってもいいだろう。

　――目標に掲げられた具体的な数字については。

　非常に高い目標で、実現可能性に乏しいと言わざるを得ない。各館の展示事業費に占める自己収入の平均的な割合は、現在は５０％程度であり、同省が掲げる６５％までは達成可能かもしれない。しかし、１００％の達成は難しい。そもそも自己収入の割合で１００％をめざすということは、「展示事業に対して国は一切支援しない」と言っているに等しい。もはや、国立の施設である必要性を疑問視する声が上がっても不思議ではない。

　収益をとにかく上げることが第一の目標になるなら、各館が今後企画している展覧会をキャンセルし、全てアニメに関する展示を未来永劫行うぐらいのことをすれば、はるかに収益は上がるだろう。しかし、それが国立の博物館や美術館が行うこととして適切かどうかは明白だ。

鑑賞環境の悪化に懸念

　――持続可能な経営を行う上で、自己収入を上げる姿勢は必要との指摘もある。

　収益や入館者数が、国立を含むミュージアム全般の経営上の指標として重要なことは当然だ。展示事業の収入を上げる手法としては、理屈上二つある。有料の入館者数を増やすことと、１人当たりの入館料を上げることだ。ただ、大きく成果を上げられるかは懸念がある。

　入館者数に関して分かりやすい例で言うと、東京国立近代美術館の展示面積は４５００平方メートル程度で、他の先進国の国立美術館と比較しても桁違いに狭い。こうした手狭な施設が今回の目標のような入館者数を達成することは本当に可能なのか。そもそも、多くの人を呼べるコンテンツがあるのかどうか。仮に実現できても、鑑賞環境が劣悪になることは目に見えている。

　単純に入館料を上げれば良いという発想も危険だ。仮に現行の２、３倍に引き上げると、経済的に恵まれない人や若い世代は利用できず、一部の富裕層に限られるといった問題が生じるだろう。

　今回示された入館料の「二重価格」については、手段としてあり得るだろう。しかし、現状のコンテンツ力のまま導入するようだと、外国人入館者の満足度が下がることは間違いない。

「特別展中心主義」に課題

　――海外と比較して、日本の博物館・美術館の経営環境はどうか。

　日本と海外では大きな違いがある。日本の特徴は「特別展中心主義」。多くの人が施設を訪れるのは、常設展ではなく特別展であるケースが多い。これに対して、フランスのルーブル美術館は、ほとんどが常設展示であり、特別展を行うことはあるものの、常設コレクションの特別展示だ。高額な借用費を支払って海外から展示物を集める日本の手法は世界的に主流とは言えず、それが事業収入の面でも根本的な違いが生じる背景の一つになっている。

　――なぜ日本では特別展が主流になっているのか。

　スポンサーとなる新聞やテレビ局、一部企業の存在だ。国立博物館・美術館は予算や人員が限られ、海外とのネットワークも十分構築できていない現状があったため、メディアや企業が中心となって費用を肩代わりして特別展を開く構造になった。ただ、博物館・美術館側には常設に相当する部分の収入のみが支払われるだけなので、実は収入はそれほど多くはない。

　メディアや企業にとっては当初、社会貢献の色合いが強く、双方にとって“ウィンウィン”の関係だった。ところが、１９９４年に開催された「バーンズ・コレクション展」で、約１０７万人という驚異的な入場者数を記録して以降、文化事業として営利的要素が強まったと言われている。結果、国立博物館・美術館というパブリックなスペースで、企業が営利を上げるために独占するかのような展示が常態化してしまっている。

　今回、文科省が示した方針によって図らずも日本の博物館・美術館が直面している実態にも目を向けざるを得ない状況となったが、政府は直視しているのか、甚だ疑問だ。

海外に劣る日本の文化予算

　――海外の施設はどういう環境にあるのか。

　つぶさに各国施設の財務構造を比較しているわけではないが、欧州を中心に明らかなのは、国家予算における文化事業に対する支援が非常に手厚いことだ。例えばフランスの文化省の予算は、６０００億～７０００億円ほどに達しており、日本の数倍だ。経済規模（名目ＧＤＰ）がわが国の約半分に満たない韓国でさえ、日本以上の充実した文化予算を充てている。

　また、海外では施設に対する寄付文化も根付いている。今回発表した独法の目標で、クラウドファンディングの活用が掲げられているが、海外に比べて段違いにコレクション数が少ない日本において、現状のコンテンツ力でうまく機能するのだろうか。

社会で担うべき役割　議論を

　――国立博物館・美術館が担うべき役割とは何か。

　ミュージアムと呼ばれる施設の基本的機能は、文化財の収集・保管・調査・研究を経て、教育や展示を行う中で文化財を後世に継承していくなど多岐にわたる。各分野で大きな課題を抱える中、「展示」だけが焦点化されたところに今回の大きな問題がある。

　その半面、この状況をポジティブに捉えるなら、わが国の国立博物館・美術館が社会の中でどのような役割を担っていくべきかといった前向きな議論へつなげていくことが重要なのではないか。

　展示だけでなく、収集や保管といった施設の“インフラ”に当たる部分の方がミュージアムにとっては生命線だ。しかし、いずれも極めて脆弱な環境にある。施設の職員が怠けているとか能力がないといった理由ではない。単純に予算も人員規模も小さく、とても手が回らないのが実態だ。こうした点から国の文化事業を問い直してほしい。

　その意味で国立博物館・美術館にとって“稼ぐこと”は目的ではないはずだ。政府は文化事業の価値を見直すべきであり、現場の実態を把握した上で政策を立案しなければ将来に禍根を残しかねない。

　政治の取り組みも極めて重要だ。私はかねてから、ミュージアムの発展を支援する議員連盟を立ち上げるべきだと訴えている。長年、文化政策をリードしてきた公明党の皆さんに強く期待したい。

　おおした・よしゆき　１９６２年生まれ。慶応義塾大学経済学部卒。筑波大学大学院人間総合科学研究科芸術専攻博士後期課程修了。博士（芸術学）。三菱ＵＦＪリサーチ＆コンサルティング首席研究員、同志社大学教授、独立行政法人国立美術館理事などを経て現職。

八千代市議会議員　たかはし秀行

3.
2023.07.15
海外とくらべて少ない人数と予算……日本の美術館を取り巻く現実
文化を支える舞台裏で何が起きているか
大墻 敦　映画監督・桜美林大学教授
https://gendai.media/articles/-/112807

注意！ATTENTION!

All pictures and texts have to be understood in the context of “Creative Commons Attribution　Noncommercial-NoDerivative Works.” ここに載せた画像やテクストは、すべて「好意によりクリエーティブ・コモン・センス」の文脈で、日本美術史の記録の為に発表致します。 Creative Commons Attribution　Noncommercial-NoDerivative Works, photos: cccs courtesy creative common sense
All these texts and pictures are for future archival purposes, in the context of Japanese art history writings.

art-culture.world/jp-society/japanese-people-destroyed-their-national-museum-of-modern-art-tokyo

改めて確認しましょう。
森美術館の現館長、片岡真実氏は、キュレーションした「第21回シドニー・ビエンナーレ」(2018年)に印刷版の図録・カタログを必ず発行するよう主張しました。

MOMATは昨日、「コレクションを中心とした特集　記録をひらく 記憶をつむぐ」展のカタログを印刷しないことを発表しました。これはスキャンダラスな事態です！

昨日のXより：
https://x.com/MOMAT_museum/status/2049025299481022617
2025年7月15日～10月26日に開催された「コレクションを中心とした特集　記録をひらく 記憶をつむぐ」展の記録集を公開しました。
記録集のPDFデータはこちらからご確認いただけます。
https://www.momat.go.jp/wp-content/uploads/2026/04/ODWM_book_260424-B.pdf
※記録集の冊子化、販売の予定はありません。

私は東京国立近代美術館小松弥生館長の即時解任を要求します！

PDFへのリンク（その内容はいつでも変更される可能性がある）が、明日にはまた消えてしまうかもしれないことは、誰の目にも明らかです。

東京、令和8年4月29日
亜 真里男

Let’s reconfirm this.

KATAOKA Mami, the current director of the Mori Art Museum, insisted on the publication of a printed catalog for the 21st Sydney Biennale (2018), which she curated.

Yesterday, MOMAT, The National Museum of Modern Art, Tokyo, announced that it would not print a catalog for its special exhibition, “A Collection of Documentation on Opening Documents, Weaving Memories: A Special Exhibition Featuring Works from the Museum Collection.” This is a scandalous situation!

From X：
https://x.com/MOMAT_museum/status/2049025299481022617
2025年7月15日～10月26日に開催された「コレクションを中心とした特集　記録をひらく 記憶をつむぐ」展の記録集を公開しました。
記録集のPDFデータはこちらからご確認いただけます。
https://www.momat.go.jp/wp-content/uploads/2026/04/ODWM_book_260424-B.pdf
※記録集の冊子化、販売の予定はありません。

I demand the immediate dismissal of the MOMAT Director KOMATSU Yayoi!

It’s obvious to everyone that the link to the PDF (whose content could change at any time) might disappear again tomorrow.

Tokyo, Reiwa 8, April 29
Mario A

森下泰輔氏の批評を添付させていただきます：

東京国立近代美術館による戦争画展の公式記録が紙ではなくウェブ図録として公開されたが、残念ながらキュレーターによる論考も大風呂敷を広げたわりに、絵画や芸術の本質論には踏み入れていない。（たとえば1940年代リアリズム論争の域ですらない）
戦争画にまつわる周縁記録をまとめているだけで、80年以上経過したことによる蓄積的分析が皆無で読み物としてはなはだ物足りない。このこと自体が我が国の芸術観美術観そのままの浅薄さと芸術の本質論に対する一般的興味のなさを露呈してるともいえよう。
まず、国近サイドが展示の際パネルで自己規定しているにもかかわらず、今回の論考では「戦争画」「戦争記録画」「作戦記録画」という名詞がばらばらの定義で使用されていて読んでいて混乱してしまう。この混乱が近美側の位置づけの混乱と同義なのだろう。
近美の展示自体も世界基準の美術館というよりも博物館的であって、戦争画は本来「戦争博物館」に安置されるべきものであり近代美術としての文脈からは大きくはずれているので混乱は加速される。

Critic by MORISHITA Taisuke:

The official record of The National Museum of Modern Art, Tokyo’s exhibition on War Paintings has been published not as a printed catalog but as a web catalog; unfortunately, despite the curator’s grand claims, the accompanying essays fail to delve into the essence of painting or art itself. (They do not even reach the level of the 1940s Realism Debate.)
The text merely compiles peripheral records related to War Paintings, offering no cumulative analysis despite the passage of more than 80 years, and is thus extremely unsatisfying as reading material. This fact alone could be said to expose the very superficiality of Japan’s view of art and the general lack of interest in the essence of art.
First, despite The National Museum of Modern Art defining its own framework on exhibition panels, the essays in this publication use the terms “War Paintings,” “War Documentary Paintings,” and “Operational Documentary Paintings” with inconsistent definitions, causing confusion for the reader. This confusion likely mirrors the museum’s own confusion regarding how to position these works.
The MOMAT exhibition itself feels more like being in a “science museum” than in a world-class art museum; since War Paintings should inherently be housed in a “War Museum” and are far removed from the context of Modern Art, this confusion is only exacerbated.

https://www.facebook.com/photo?fbid=27810170628583215

ご参照へ：

なぜ、日本歴史・戦争博物館は存在しないのか？　Why doesn’t a Japanese History / War Museum exist?
https://art-culture.world/cultural-essays/japanese-history-war-museum/

2021年5月8日の認知症予防。「ロベール・デスノス、藤田嗣治、藤田ユキ、藤田君代。レジスタンス 対 戦争犯罪人。」
Dementia Prevention on 8th of May 2021. “Robert Desnos, Tsuguharu Foujita, Youki Foujita, Kimiyo Foujita. Résistance vs War Criminal.”
https://art-culture.world/art-world/robert-desnos-tsuguharu-foujita-youki-foujita-kimiyo-foujita-resistance-vs-war-criminal/

新作 「ロベール・デスノス、藤田嗣治、藤田ユキ、藤田君代。レジスタンス 対 戦争犯罪人。」
New Work “Robert Desnos, Tsuguharu Foujita, Youki Foujita, Kimiyo Foujita. Résistance vs War Criminal.”
https://art-culture.world/art-world/tsuguharu-foujita-youki-foujita-kimiyo-foujita-robert-desnos-resistance-vs-war-criminal/

新作 「レオナール・ツグハル・フジタの行方不明パズルピース 『藤田嗣治 天皇陛下伊勢の神宮に御参拝、皇紀2603年 (1943) 』」
New Work “Léonard Tsuguharu Foujita’s missing puzzle piece ‘The Japanese Emperor worshipping at Ise Shrine, Japanese imperial year 2603 (1943)’”
https://art-culture.world/art-world/leonard-tsuguharu-foujita-japanese-emperor-worshipping-at-ise-shrine-japanese-imperial-year-2603/

新作「日独伊三国同盟ファシズム, Entartete Kunst, Résistance, Partigiani, Holocaust, Bella Ciao, Fascism, Axis Power Japan-Germany-Italy, Fascist Media, War Criminal」
New Work “日独伊三国同盟ファシズム, Entartete Kunst, Résistance, Partigiani, Holocaust, Bella Ciao, Fascism, Axis Power Japan-Germany-Italy, Fascist Media, War Criminal”
https://art-culture.world/articles/new-work-日独伊三国同盟ファシズム-entartete-kunst-résistance-partigiani-holocaust-bella-ciao-fascism-ax/

退廃芸術のアーティストたちのドイツ記念切手 (過去サイト・アーカイブの再投稿、2017年5月13日)
Deutsche Post Gedenk-Briefmarken zu Künstlerinnen und Künstler der “Entarteten Kunst” (repost from the archive, 2017/5/13)
https://art-culture.world/art-world/entartete-kunst-退廃芸術-アーティスト-ドイツ記念切手/

東京国立近代美術館について、半年前の記事より：

「この場をお借りして、国立近代美術館の建物を取り壊してほしいとお願いしたい。I’m serious。
これは、日本のアーティストであり、世界中の数多くの美術館を訪れるアート愛好家としての私の意見です。毎日Xで荒らし、太った体で座布団にオナラをする、傲慢な口臭いにっぽんのサロン知識人として言っているのではありません。
あの古びた空間を見るたびに、胸が締め付けられます。今や世界一の国際都市である東京にしては、情けない建物です。
ぜひとも、風通しの良い、開放的で知性的な建物に建て替えてほしい。」

なぜ東京国立近代美術館は村上隆「Ko²ちゃん (プロジェクトKo²) 」を購入しなければならないのか？ それは私、亜 真里男がそう言ってるからだ。
Why should the National Museum of Modern Art, Tokyo purchase MURAKAMI Takashi’s “Miss Ko² (Project Ko²)”? Because I, Mario A, say so.
https://art-culture.world/art-world/national-museum-of-modern-art-tokyo-murakami-takashi-miss-ko/

さらに PLUS！：

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【徹底解説】国立博物館・美術館は稼がなければならないのか？
美術手帖　12,721 views 9 Apr 2026 #美術 #美術館 #アート
文化庁と文部科学省が策定した、国立博物館・国立美術館が2026年度からの5年間で達成すべき「第6期中期目標」が業界内に衝撃を与えている。高いノルマとミュージアムの「再編」にまで踏み込んだこの中期目標はなぜ生まれたのか？　そして課題はどこにあるのか？　文化政策の専門家・太下義之さんとともに読みときます。
0:00　オープニング
2:17　国立博物館・美術館の現状
17:28　海外の事例に学ぶ
25:10　“稼ぐ美術館”は正しいのか？

一般社団法人全国美術館会議とは

　美術館は、美術作品やそれに関わる資料・情報を集め、保存し、研究し、公開しながら、未来の世代に伝えていくという使命をもっています。また、コレクションの展示や特別展、教育普及活動をはじめとする様々な営みを通じて、地域社会と連携し、市民と交流しながら文化創造の拠点となる役割も担っています。　
　一般社団法人全国美術館会議は、このような美術館の使命の実現を支え、その活動を社会的にしっかり根付かせるため、総会、総会記念フォーラム、講演会、学芸員研修会、研究部会等を毎年開催し、その成果を会員館や広く美術関係者、また、一般の方々と共有しようと考えています。
　日本の美術館がともに考え、ともに行動することをめざして、1952 (昭和27)年に設立された当会議は、2020年4月1日をもって一般社団法人に設立登記し、現在、正会員：417館（国立14館、公立260、私立143館）、個人会員：51名、賛助会員：65団体で構成されています（2026年4月1日現在）。
正会員：417館（国立14館、公立260館、私立143館）
個人会員：51名
賛助会員：65団体
https://www.zenbi.jp/data_list.php?g=4&d=1

The Japanese Council of Art Museums

　The mission of art museums is to collect art objects and art-related information, preserve them, research them, and display them, all while handing on these objects and materials to future generations. Further, art museums bear the responsibility of functioning as a focal point for cultural creation in local society, interacting with the residents through additional activities that include the display of permanent collections, specially organized exhibitions and educational activities.
　The Japanese Council of Art Museums (JCAM) supports the accomplishment of this mission of art museums and seeks to assist art museums in fully basing their activities in a social context. The organization holds an annual meeting, memorial forums at annual meetings, lectures, Curatorial Study Meetings, and Study Group activities every year. The information and reports generated by these various activities are then expected to be shared with member museums, the greater art-related world and the general public.
　JCAM was founded in 1952 with the aim of providing a forum for art museums in Japan to think and act together. Today the organization includes 394 member museums (10 national museums, 251 public museums and 133 private museums) and 24 Individual member, 50 supporting members.
https://www.zenbi.jp/index_en.php

2026年5月1日のアップデート

にっぽんの公立美術館をめぐる「予言された死」の記録：にっぽん人がいかにして東京国立近代美術館を破壊したか
Chronicle of a death foretold regarding a Japanese public art museum: how the Japanese people destroyed their National Museum of Modern Art, Tokyo
https://art-culture.world/jp-society/japanese-people-destroyed-their-national-museum-of-modern-art-tokyo/

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art-culture.world/art-world/momat-director-komatsu-yayoi-小松弥生館長

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国立新美術館と言えば、にっぽんを代表する美術家たちの日展。
日本美術展覧会と言えば、「天の声」、お美しい絵を描く美術先生たち。
日本美術展覧会の先生たちと言えば、毎年、100%、必ず、内閣総理大臣賞 (2人)、文部科学大臣賞 (3人)、東京都知事賞（5人）を受賞する作品を拝見できるのが、わたくしの楽しみの一つで御座います。

1. 令和7年度内閣総理大臣賞を受賞、日本美術展覧会会員岸野圭作先生おめでとう御座います。

2. 令和7年度内閣総理大臣賞を受賞、日本美術展覧会会員大谷喜男先生おめでとう御座います。

3. 令和7年度文部科学大臣賞を受賞、日本美術展覧会会員堤直美先生おめでとう御座います。

4. 令和7年度東京都知事賞を受賞、日本美術展覧会会員大豊世紀先生おめでとう御座います。

5. 令和7年度東京都知事賞を受賞、日本美術展覧会会員・審査員平野行雄先生おめでとう御座います。

ご存知のように、平成26年から令和5年まで日展理事長としてお務めになっておりました奥田小由女先生。左：前横浜美術館館長、国立新美術館館長 (令和元年〜令和8年) 逢坂恵理子氏@令和元年の日展テープカット・オープニングセレモニー

ご興味がある方へ、こちらのおリンクをお勧めいたします。令和2年11月3日の記事：
日本初、夫婦で文化勲章。日展理事長の奥田小由女先生におめでとうございます
For the First Time in Japan, Wife and Husband Received the Order of Culture. Congratulations to Chief Director of NITTEN: Maestra OKUDA Sayume
https://art-culture.world/reviews/nitten-order-of-culture-日展-文化勲章/

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現在、私が大好きなアーティスト、トレイシー・エミンの作品が国立新美術館で拝見できます。平成19年1月に開館した当館は本年度20周年という区切りの年を迎え、以下の展覧会が開催されています：
第41回 全国公募書道展

第103回 春陽展

第112回 光風会展

生誕100年　森英恵 ヴァイタル・タイプ

と
テート美術館 － YBA&BEYOND 世界を変えた90s 英国アート
2026年2月11日 ～ 2026年5月11日
https://www.nact.jp

京都市京セラ美術館
2026年6月3日 ～ 2026年9月6日
https://kyotocity-kyocera.museum/exhibition/20260603-20260906

展覧会とカタログが素晴らしく、アーティストたちのラインアップは半端じゃない。
サラ・エインズリー、フランシス・ベーコン、リチャード・ビリンガム、スタパ・ビスワス、ブラック・オーディオ・フィルム・コレクティヴ、ヘンリー・ボンド、クリスティン・ボーランド、アンジェラ・ブロック、ヘレン・チャドウィック、ディノス・チャップマン、ジェイク・チャップマン、マット・コリショウ、キース・コヴェントリー、マイケル・クレイグ=マーティン、マーティン・クリード、ジェレミー・デラー、キャシー・ド・モンショー、トレイシー・エミン、シール・フロイヤー、マーク・フランシス、アニャ・ガラッチョ、ギルバート＆ジョージ、リアム・ギリック、ダグラス・ゴードン、ルーシー・ガニング、リチャード・ハミルトン、モナ・ハトゥム、ルベイナ・ヒミド、ダミアン・ハースト、ゲイリー・ヒューム、デレク・ジャーマン、サラ・ジョーンズ、アニッシュ・カプーア、ジム・ランビー、マイケル・ランディ、マーク・レッキー、サラ・ルーカス、スティーヴ・マックイーン、リサ・ミルロイ、シーマス・ニコルソン、クリス・オフィリ、ジュリアン・オピー、コーネリア・パーカー、サイモン・パターソン、グレイソン・ペリー、スティーヴン・ピピン、マーク・クイン、ジュリー・ロバーツ、デイヴィッド・ロビリヤード、ジョニー・シャンド・キッド、デイヴィッド・シュリグリー、ジョージナ・スター、ヴォルフガング・ティルマンス、ギャヴィン・ターク、マーク・ウォリンジャー、ジリアン・ウェアリング、レイチェル・ホワイトリード、エリザベス・ライト
※姓アルファベット順

カタログの中で私が最も気に入ったのは、キュレーター、国立新美術館主任研究員の山田由佳子氏によるエッセイでした。ここでは、その冒頭部分を引用させていただきますね。

「テート美術館 ー YBA & BEYOND・世界を変えた90s英国アート」のカタログ、
発行：ソニー・ミュージックエンタテインメント、2026年、ページ162より

山田由佳子　国立新美術館主任研究員
個人的なことと政治的なこと：
サッチャー政権とその後の英国におけるセクシュアリティをめぐる闘いとは？

1980年代後半から2000年代の英国を拠点に制作された作品を再考する本展は、アイデンティティやセクシュアリティに関する新しい視点と語りの可能性を示す企画である。国営企業を積極的に民営化し、国民皆保険制度、教育、社会保障等、かつては先駆的とされた英国の社会福祉にメスを入れた強硬なサッチャー政権（1979年ー90年）のもと、英国では不平等感が増大し、経済格差が拡大、貧困層が増加した。英国初の女性首相であるマーガレット・サッチャーは伝統的な家族観に根差した自身の主張を強化したことで知られる。その思想は「女性自身」（「ウーマンズ・オウン」）誌の1987年のインタビューではっきり示されたのであった。

「あまりにも多くの子どもや人々が「私の問題は、政府が対処すべきだ！」とか「問題を抱えた時は、補助金をもらって対処する！」「私はホームレスだから政府が住まいを用意すべきだ！」と考える時期を私たちは経験してきたと思います。多くの人々は、問題を社会に押し付けていますが、社会とは一体何でしょうか？そんなものは存在していません！個々の男女がいて、家族があるのです。政府は人々を通してしか何もできません。人々は、まず自分に目を向けて自らの面倒を見ることが重要です。」
(Douglas Keay, ‘Margaret Thatcher Interview for Woman’s Own (“no such thing [as society]”), Woman’s Own, 23 September 1987)

サッチャーはここで、異性愛者の核家族を国家の安定の重要な鍵として位置づけている。そして、移民、IRA（アイルランド共和軍）、炭鉱の労働組合、そして同性愛者を「私たち」の法秩序を脅かす内なる敵として見なしたのであった。また、英国にもHIVの感染拡大とその結果発症するエイズの流行が起き、男性の同性愛者へ差別が日増しに増大する中、同政権は1988年には悪名高い法である通称「セクション28」（政府が地方自治体や教育現場に「同性愛を助長すること」を禁止する地方自治法28条）を制定し、これに対しては、各地で抵抗運動が巻き起こった。この「セクション28」はその後10年以上英国社会に影響を及ぼし、2000年になってようやくスコットランドで、その後英国全土で2003年に停止された。つまり、1997年に労働党のトニー・ブレアが政権に就いて数年経ってから見直されるようになったということである。

本稿では、このような政治的混乱が起きた1980年代から90年代にかけて、クィア・アート・ヒストリーの中で最も重要、かつ先駆的な足跡
を残した英国の作家であるフランシス・ベーコン、ギルバート＆ジョージ、デイヴィッド・ロビリヤード、そしてデレク・ジャーマンが、いかにして個人的な経験から社会の偏見に異議を唱え、かつ、自信の欲望やコミュニティに対する力強い表現をしたのかを検討する。

山田由佳子氏の考えさせられる文章は、次のような疑問を投げかけている。知性と良識を備えた日本国民の70％が、極右で保守的な高市早苗総理――いわば日本版のサッチャー――を選んだのだろうか？
はい。日本国民の大多数は、再び軍事力を増強し、より大規模な防衛軍を望んでおり、日本の愛国心は国歌を大声で歌うことや、天皇の前で「天皇陛下万歳」と叫ぶことを求めているのです。元内閣府特命担当大臣 (クールジャパン戦略) 靖国神社に参拝「日本人として当たり前」高市早苗総理は鉄拳を見せている。
高市早苗氏とそのチームは、「YBA & Beyond」展に代表される1990年代の「クール・ブリタニア」コンセプトを模倣していた。
クール・ブリタニア（1990年代）とクール・ジャパン（2000年代～現在）は、いずれもソフトパワーを用いて国家の評判と輸出を促進する政府主導のブランディング戦略であるが、その内容と時期には違いがある。「クール・ブリタニア」はブリットポップ、ファッション、そして文化的センスに焦点を当てていた。
一方、「クール・ジャパン」はアニメ、マンガ、ゲームといったポップカルチャーの輸出を中心に据えつつ、「カワイイ」や伝統文化も同時に推進している。
つまり、国立新美術館で開催中の本展は、英国という国を宣伝するためのプロモーション・アジェンダとして利用されていることがわかる。
そして、株式会社ソニー・ミュージックエンタテインメントは、音楽業界を前面に押し出すことに躍起になっている。

昨年の5月、私は「2026年ヴェネツィア・ ビエンナーレ 日本館 アメリカ人荒川ナッシュ医に決定。個人的な意見：小泉明郎の方が良かった。」の文章の中で次のように説明しました：
「荒川ナッシュ医さんは、アメリカで外国人アーティストとして生き抜き、活動する方法を知っています。
残念ながら、私自身、日本での私生活を変え、多くの涙と悲しみを味わうことになる、数々の恐ろしい経験をしなければなりませんでした。日本のキュレーターやギャラリーオーナーは、こうしたことをすべて無視しています。
いくつか挙げてみます：ゼロからの日本語学習、日本の資産価格バブルの崩壊、高額な家賃を含む不動産業者による差別、外人と呼ばれること ＝ エイズ人 (“Gaijin” = “Aids-jin”)、永住権取得への非人道的に高いハードルによる尊厳の喪失、震災、原子力発電所の事故、新型コロナウイルス感染症のパンデミック、そして日本人妻との二度の離婚、外国人であるがゆえに戸籍を持てないため二級市民扱いされること、夫婦別姓の禁止などです。」

注意深い読者なら、そこから1990年代の面影を読み取ることができるだろう。
「YBA & Beyond」展で熟考している間に、人は自分自身の中に、個人の精神の中で、90年代をどれだけ発見できるでしょうか。

東京、2026年4月25日
亜 真里男

ご参照：
神谷幸江キュレーターの悲惨な差別行動。なぜ彼女は「時代のプリズム：日本で生まれた美術表現 1989-2010」展で亜 真里男の作品を展示しなかったか？
Curator KAMIYA Yukie’s tragic discriminatory actions. Why didn’t she exhibit Mario A’s work in the exhibition “Prism of the Real: Making Art in Japan 1989–2010” ?
https://art-culture.world/reviews/kamiya-yukie-神谷幸江/

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art-culture.world/reviews/tracey-emin-yba

編集中 Still editing, check again later. Thx.

1962 jodie
1967 kidman

If you have been called pretty when young, then you will be called attractively beautiful when getting old. Show your falten, Nicole Kidman. Now, with this face, you are looking creepy, awful.

大好きなジョディ・フォスター @ アート・バーゼル Wolfgang Tillmans “Jodie in my kitchen” 2023
https://art-culture.world/art-world/jodie-foster/

“2024 Exhibition AshuPine” @ Tokyo International Gallery and Instagram Beauty Filter Eroticism (IBFE)
https://art-culture.world/reviews/ashupine/

インスタグラム・ビューティー・フィルター・エロティシズム (IBFE) ： 日本の女性の自己欺瞞
Instagram Beauty Filter Eroticism (IBFE) : Self-deception by Japanese Women
https://art-culture.world/pop-culture/instagram-beauty-filter-eroticism-ibfe/

IBFEの続き (第3) 。ティリー・ノーウッドが大好き。その理由は？私は現代美術のあらゆる新潮流にオープンだから。
Continuation of IBFE (3rd). I love Tilly Norwood. Why? Because I’m open to all new trends in contemporary art.
https://art-culture.world/cultural-essays/tilly-norwood/

art-culture.world/cultural-essays/nicole-kidman

This is an extension of my past articles, which I, as a Japanese artist, published here on ART+CULTURE, see the links. It can be art-re-contextualized also as a body of work, still in progress. This text on this page has to be understood as part of my artistic practice, in this context called “appropriation art”. No commercial interests are involved. Creative Commons Attribution Noncommercial-NoDerivative Works. Photographs have to be understood under the terms of courtesy creative common sense.

日本には、ロシアを称賛する人々が少なくない。
ある者はプーチンの独裁的な権威主義を好むし、またある者は共産主義や日本共産党、ソビエト連邦に共感を抱いている。
2026年において、アメリカを憎むことは何ら珍しいことではない。その理由は明白であり、周知の事実である。

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2025年の現状：アメリカ帝国主義、ロシア帝国主義、中国帝国主義。だから台湾やウクライナを攻撃するのは価値がある。そして日本の左派も右派も知らんぷりし、愚かな態度を取っている。
Imperialism by America, Russia, China in today’s 2025. Invading Ukraine and Taiwan. The Japanese Left-Wing and Right-Wing are turning a blind eye and behaving foolishly.
https://art-culture.world/politics/imperialism-by-america-russia-china/

あまり知られていないことだが、2026年の日本においても、ロシアに対する根強い憎悪がくすぶり続けている。
簡単に言えば：
第二次世界大戦は1945年に終結したものの、ロシア（ソビエト連邦の後継国）と日本は今日に至るまで、最終的な正式な平和条約を締結していない。
ロシアは2014年2月末にウクライナのクリミア半島を攻撃し、現在も占領し続けている。
ロシアによるウクライナ侵攻は2022年2月24日に始まり、現在も続いている。
この事実は日本の左派によってしばしば軽視されており、いわゆるプーチン支持者たちはこれらの軍事侵攻を矮小化しようとしている。
プーチンは2022年2月のウクライナ侵攻に際し、核兵器の使用をほのめかした。
日本の視点から見れば、ロシアを憎むべき理由がまた一つ増えたことになる。

ロシアの歴史教科書の書き換え、すなわちロシアとソビエト連邦の歴史の改竄が、まもなく実現しようとしている。日本の親ロシア派（「プーチン理解派」を含む）は、これを明らかに歓迎しているようだ。なぜなら、公の場で、確固たる根拠に基づいた反対意見は一切見られないからである。

ベルリンと比較すると、日本の政府は今日に至るまで、東京に歴史博物館を建設することに抵抗している。これは恥ずべきことであり、人類に対するスキャンダルであるが、日本人の90％はこれをスキャンダルとして認識していない。

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なぜ、日本歴史・戦争博物館は存在しないのか？
Why doesn’t a Japanese History / War Museum exist?
https://art-culture.world/cultural-essays/japanese-history-war-museum/

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「Victory over Japan Day」 「対日戦勝記念日」 「終戦の日」：どちらが正しい？ 石破首相 千鳥ヶ淵戦没者墓苑で献花 対 高市早苗 元内閣府特命担当大臣 (クールジャパン戦略) 靖国神社に参拝「日本人として当たり前」
Yasukuni Shrine 靖国神社 vs. 対 千鳥ヶ淵戦没者墓苑 Chidorigafuchi National Cemetery
https://art-culture.world/politics/chidorigafuchi-national-cemetery/

ここには、日本の歴史教科書、日本のメディア、保守的な政党が、なぜ自国民を啓蒙しようとはせず、日本人の間に悪意に満ちた、スキャンダラスな「人為的な愚かさ」（無知）を構築しているのかが、改めて示されている。
今日は、ロシアへの憎悪の一側面について記録しておこう。現在進行中の戦争は、人間が本来、邪悪で殺戮的な存在であることを証明している。
日本の長い内戦の歴史を振り返れば、日本人にも邪悪で殺戮的な側面があることが理解できるだろう。「天皇のために殺せ」という言葉は、「子供でも知っている」。

日本の現代美術史を振り返ると、悪意に満ちた行動をとるアーティストが少なからず見受けられる。こうした悪意は、日本人の心理や教育、そして社会環境を反映している。三島由紀夫の行動は極めて悪意に満ちていた。

村上隆がアメリカのギャラリストに対して放った悪意に満ちた言葉「お前、授乳中なんだから、俺のビジネスパートナーにはなれない」は、「アート世界的」に知られている。
https://art-culture.world/reviews/blum/より
村上隆：
「サブカルは嫌いだ。体制を捏造しては批判して、己では何もやらない。」「俺嫌い。そんな日本の業界、なのです。」
Boesky was pregnant in 2006, and Murakami, she recalled, didn’t like the timing of that at all. “You’re lactating, you can’t be my business partner,” she recalled him saying.”

世界は悪質な政治家たちによって支配されている。彼らが口を開くその瞬間から、すでに嘘をついている。なぜなら、彼らはポピュリズムによって（再）選されたいと願っているからだ。二重基準こそが彼らの信条である。
危険な政治的アジェンダ（例：高市首相の軍事力増強や憲法改正への意欲）、宗教的狂信（例：イスラム教；天皇制にもその要素は含まれる）、権力と検閲を求める陰険でファシスト的な欲望（例：ロシア）。これらすべてが、現在の日常を決定づけている。

先週末、ドイツの権威ある新聞『Frankfurter Allgemeine Zeitung』に、ロシアの歴史に関する重要かつ現代史的な記事が掲載されました。この記事を日本でも広く読んでもらえるようにすることが、非常に重要だと考えています。ノーベル平和賞受賞者であるイリーナ・シェルバコワによる以下の言葉は、非常に憂鬱な気分にさせられます。
「ヨーロッパは抽象的な平和主義に頼ってはならない。特に若い世代には、その意識がまだ著しく欠けている。平和主義的な価値観に育った私たちの世代にとっては、こう言うのは難しいことだが、今日において言えるのは、ヨーロッパがより強くなり、自らの力に頼らなければ、それは極めて危険だということだ。」
“Europa darf sich nicht auf abstrakten Pazifismus verlassen. Gerade bei der jungen Generation fehlt dieses Bewusstsein noch zu sehr. Für meine pazifistisch geprägte Generation fällt es schwer, das zu sagen – aber heute gilt: Wenn Europa nicht stärker wird und sich auf eigene Kräfte stützt, ist das äußerst gefährlich.”

https://en.wikipedia.org/wiki/Irina_Scherbakowa

2022年のノーベル平和賞受賞者であるイリーナ・シェルバコワについて、日本語版ウィキペディアにページが存在しないという事実は、日本国民・文化人の知識水準の低さを如実に物語っている。

東京、2026年4月21日
亜 真里男

イリーナ・シェルバコワ：ロシアの歴史は完全に書き換えられている
Irina Scherbakowa: Russlands Geschichte wird komplett umgedeutet

ロシアが自国の歴史を体系的に書き換える一方で、ソ連の犯罪に対する批判的な記憶はすべて犯罪視されている。1989年以来、スターリン主義による弾圧を真摯に検証する運動の象徴となってきた「メモリアル」は、最近、最高裁によって「過激派組織」と認定された。現在、メモリアルと関わりを持つ者、資料を配布する者、あるいは同組織を支援する者は、ロシアにおいて刑事罰の対象となる。メモリアルの中心人物の一人であるイリーナ・シェルバコワは、なぜ現在の記憶に対する攻撃がこれほど過激なものなのかを解説する。彼女の著書『鍵はまだ合う――モスクワの記憶』は、ドロイマー・クナウール社から出版されている。
Während Russland die eigene Geschichte systematisch umschreibt, wird jede kritische Erinnerung an die sowjetischen Verbrechen kriminalisiert. Memorial – seit 1989 das zentrale Symbol für eine ehrliche Aufarbeitung der stalinistischen Repressionen – wurde vor Kurzem vom Obersten Gericht zur „extremistischen Organisation“ erklärt. Wer nun mit Memorial in Verbindung steht, Materialien verbreitet oder die Organisation unterstützt, macht sich in Russland strafbar. Irina Scherbakowa, eine der prägenden Figuren von Memorial, erklärt, warum der aktuelle Angriff auf die Erinnerung so radikal ist. Ihr Buch „Der Schlüssel würde noch passen – Moskauer Erinnerungen“ ist im Verlag Droemer Knaur erschienen.

シェルバコワさん、メモリアルの創設期を振り返って、その最初の段階をどのように過ごされましたか？また、一つのアイデアがどのようにして組織へと発展していったのでしょうか？
Frau Scherbakowa, wenn Sie an die Anfänge von Memorial zurückdenken: Wie haben Sie diese erste Phase erlebt? Und wie wurde aus einer Idee eine Organisation?

それは1987年、そしてとりわけ1988年にかけて続いた長いプロセスでした。当初私は参加していなかった小さな発起グループから、徐々に「メモリアル」が生まれました。そのグループは、歴史家ではない、実に多様な人々で構成されており、彼らは路上で通行人に、弾圧の犠牲者のための記念碑を望むかどうかを尋ねて回っていました。私はその何年も前から、グラーグの生存者たちへのインタビューを行っていました。1988年、ある地下室での集まりに招かれ、その体験について話すことになりました。その後、私は設立大会への招待状を送る役割を引き受けました。当時はすべて手書きで、自分で調べた住所や電話番号を使って送っていました。まったく別の時代でした。
Das war ein langer Prozess, der sich über das Jahr 1987 und vor allem 1988 hinzog. Aus einer kleinen Initiativgruppe, zu der ich zunächst nicht gehörte, entstand nach und nach Memorial. Die Gruppe bestand aus ganz unterschiedlichen Menschen – keine Historiker –, die auf der Straße Passanten fragten, ob sie ein Denkmal für die Opfer der Repressionen wollten. Ich hatte schon Jahre davor Interviews mit Gulag-Überlebenden geführt. 1988 wurde ich eingeladen, in einem Keller-Treffen davon zu erzählen. Später übernahm ich die Aufgabe, die Einladungen zur Gründungskonferenz zu verschicken – alles noch per Hand, mit selbst herausgesuchten Adressen und Telefonnummern. Es war eine völlig andere Zeit.

ロシアにおけるこの「激動の90年代」は、確かに容易な時代ではなかった。
Diese „wilden Neunziger“ in Russland waren sicher nicht leicht.

犯罪や強盗の被害を免れた家族はほとんどいなかった。それでも私にとっては、大きな希望に満ち、精力的に活動した時代であった。検閲の撤廃、体制の崩壊、そして公文書館への自由なアクセスを、自分がこの目で見ることになるとは夢にも思わなかった。1989年以降、国際協力や機密文書へのアクセスといった新たな可能性が開かれた。こうして1992年、私はドイツの歴史家たちと共に、旧ソ連占領地域にあったNKVD収容所について調査を開始した。そこでは約15万人が収容されており、その中にはかつてのブッヘンヴァルトやザクセンハウゼン強制収容所の敷地内も含まれていた。あらゆる困難にもかかわらず、新たな出発への期待と、慎重な楽観主義が漂っていた。
Kaum eine Familie blieb von Kriminalität und Überfällen verschont. Für mich war es dennoch eine Zeit großer Hoffnung und intensiver Arbeit. Ich hätte nie gedacht, die Abschaffung der Zensur, den Zusammenbruch des Systems und freien Zugang zu Archiven noch zu erleben. Nach 1989 eröffneten sich neue Möglichkeiten – internationale Zusammenarbeit und der Zugang zu den geheimen Dokumenten. So begann ich 1992 gemeinsam mit den deutschen Historikern, über die NKWD-Lager in der sowjetischen Besatzungszone zu forschen, in denen rund 150.000 Menschen festgehalten wurden, unter anderem auf dem Gelände der ehemaligen Konzentrationslager Buchenwald und Sachsenhausen. Trotz aller Härten herrschte ein Gefühl von Aufbruch und vorsichtigem Optimismus.

そもそもアーカイブは利用可能だったのでしょうか？
Waren die Archive überhaupt zugänglich?

それは長い道のりでした――何もかもが簡単に利用できたわけではありません。すべてを勝ち取らなければなりませんでした。メモリアルの設立、作業スペース、そしてそもそも活動できる環境そのものです。1991年の8月クーデターが失敗に終わった後、ようやく小さな家を借りることができました。続いて、アーカイブへのアクセスと政治的弾圧の犠牲者の名誉回復を求める法律をめぐる闘争が続いた。不完全ではあったが、それらは初めて、アーカイブの公開と大量テロの犠牲者の認定に向けた基盤を築いた。しかし、文書を渋々しか公開しないアーカイブ側との絶え間ない格闘は続いた。あるアーキビストが私にこう言ったことがあります。「アクセスを拒否したことで罰せられたアーキビストはまだいないが、文書を公開したことで罰せられた者は何人かいる」。抵抗は大きかったが、その一部は克服されました。しかし、今日の状況とは比べものになりません。
Das war ein langer Prozess – nichts war einfach frei zugänglich. Alles musste erkämpft werden: die Gründung von Memorial, Arbeitsräume, überhaupt die Möglichkeit zu arbeiten. Erst nach dem gescheiterten Augustputsch 1991 konnten wir ein kleines Haus anmieten. Es folgte der Kampf um Gesetze – für den Zugang zu Archiven und die Rehabilitierung der Opfer politischer Repressionen. So unvollkommen sie waren, schufen sie erstmals die Grundlage für eine Öffnung und die Anerkennung der Opfer des Massenterrors. Doch es blieb ein ständiges Ringen, auch mit den Archiven selbst, die Dokumente oft nur widerwillig freigaben. Eine Archivarin sagte einmal zu mir: „Noch kein Archivar wurde bestraft, weil er den Zugang verweigert hat – aber einige schon, weil sie Dokumente herausgaben.“ Der Widerstand war groß, doch er wurde zum Teil überwunden. Mit dem, was heute geschieht, ist das allerdings nicht vergleichbar.

野党政治家のウラジーミル・カラ＝ムルザ氏はかつて、ルストラシオン――つまり、政治的に問題のある人物を公職から審査・排除すること――こそが、ロシアが真に自由になるために最も重要なことだと述べた。
Der Oppositionspolitiker Wladimir Kara-Murza sagte einmal, Lustration – also die Überprüfung und Entfernung politisch belasteter Personen aus dem öffentlichen Dienst – sei das Wichtigste, damit Russland wirklich frei werden könne.

率直に申し上げますが、私は歴史家であり、法律家ではありません。それでも私にとっては、ルストラシオンが必要だったことは明らかでした。当時、これについては大きな議論がありました。法律家や人権活動家たちは、司法制度の改革なしにはそれは不可能だと主張しましたが、その改革は今日に至るまで実現していません。多くの人が、法的根拠がなければルストラシオンは恣意的なものになると言いました。私はそうは考えませんでした。行動を起こせる短い機会はありました。しかし、ボリス・エリツィンを含め、政治的な意志が欠けていたのです。1992年のソ連共産党に対する裁判は実を結ばず、誰も責任を問われませんでした。少なくとも、治安機関の職員が再び公職に就くことを防ぐことはできたはずです。私の見解では、それは大きな過ちでした。
Ich sage Ihnen ganz ehrlich: Ich bin Historikerin, keine Juristin. Für mich war dennoch klar, dass Lustrationen notwendig gewesen wären. Damals gab es darüber große Debatten. Juristen und Menschenrechtler argumentierten, ohne Reform des Justizsystems sei das nicht möglich – und diese Reform ist bis heute ausgeblieben. Viele sagten: Ohne rechtliche Grundlage würden Lustrationen zur Willkür führen. Ich habe das anders gesehen. Es gab ein kurzes Zeitfenster, in dem man hätte handeln können. Doch es fehlte an politischem Willen, auch bei Boris Jelzin. Der Prozess gegen die KPdSU 1992 endete ohne Ergebnis, niemand wurde zur Verantwortung gezogen. Man hätte zumindest verhindern können, dass Mitarbeiter der Sicherheitsorgane wieder in den Staatsdienst gelangen. Meiner Ansicht nach war das ein großer Fehler.

それによって、プーチン政権への道も開かれたのでしょうか？
Wurde damit auch der Weg für das Regime von Putin geebnet?

それは確かに一因でしょう。もし「粛清」が行われていれば、ウラジーミル・プーチンは公職での出世など到底叶わなかったでしょうし、彼の側近の多くも同様だったはずです。だからこそ、私がボリス・エリツィンに対して抱く最大の非難の一つは、彼がプーチンを後継者としてふさわしいと説得されてしまったという点です。それがどこへつながったかは、今や明らかです。
Das ist sicher ein Faktor. Mit Lustrationen hätte Wladimir Putin kaum im Staatsdienst Karriere machen können, ebenso wenig wie viele aus seinem Umfeld. Einer meiner größten Vorwürfe richtet sich deshalb gegen Boris Jelzin: dass er sich davon überzeugen ließ, Putin sei ein geeigneter Nachfolger. Wohin das geführt hat, sieht man heute.

メモリアルは、ウクライナへの侵略戦争が始まった2022年2月24日をどのように過ごしたのでしょうか？
Wie hat Memorial den 24. Februar 2022, den Beginn des Angriffskriegs auf die Ukraine, erlebt?

その年はメモリアルにとって極めて困難な年でした。メディアやテレビでの攻撃が激増したのです。2021年10月には、テレビクルーに付き添われた約40人が私たちの事務所に乱入してきました。ホロドモールに関する映画の上映中、彼らはステージに乱入し、「この国から出て行け！」と叫び、観客を罵倒した。警察が到着すると、突然、私たちが容疑者扱いされた。警察官は部屋を封鎖し、私たちを外に出さず、弁護士の立ち入りも許さなかった。私たちは深夜まで拘束され、尋問を受け、家宅捜索を脅かされました。圧力はさらに高まりました。「外国エージェント」というステータス（メモリアル・インターナショナルは2016年からこの指定を受けていました）を理由に、新たな罰金が次々と科せられたのです。秋には、検察総局がメモリアルの解散を申請し、多くの抗議にもかかわらず、それは実行されました。ウクライナに対する戦争が始まってから、その理由が明らかになった。政権は事前に「一掃」を企てていたのだ。私たちの事務所は家宅捜索を受け、機材は押収され、私は亡命した。ノーベル賞授賞式の当日、同僚たちはモスクワの法廷に座っていた。まさにその場所で、私たちから建物も奪われたのだ。この賞は多くの人々にとって評価される瞬間だったが、私たちにとっては極めて悲劇的な瞬間であった。
Das Jahr war für Memorial äußerst schwierig – die Angriffe in Medien und Fernsehen nahmen massiv zu. Schon im Oktober 2021 stürmten etwa 40 Personen, begleitet von einem Fernsehteam, unsere Räume. Während der Vorführung eines Films über den Holodomor drangen sie auf die Bühne, schrien „Raus aus dem Land!“ und beschimpften das Publikum. Als die Polizei eintraf, wurden plötzlich wir zu den Beschuldigten. Die Polizisten riegelten die Räume ab, ließen uns nicht hinaus und unsere Anwälte nicht hinein. Wir saßen bis tief in die Nacht fest, wurden verhört und mit Durchsuchungen bedroht. Der Druck stieg weiter: Es gab immer neue Geldstrafen wegen des „ausländischen Agenten“-Status, den Memorial International seit 2016 hatte. Im Herbst beantragte die Generalstaatsanwaltschaft die Liquidierung von Memorial – trotz vieler Proteste wurde sie vollzogen. Nach Kriegsbeginn gegen die Ukraine wurde klar, warum: Das Regime wollte vorher säubern. Unsere Räume wurden durchsucht, Technik beschlagnahmt, ich ging ins Exil. Am Tag unserer Nobelpreis-Verleihung saßen meine Kollegen im Moskauer Gerichtssaal, genau dort wurde uns auch das Gebäude entzogen. Der Preis war für viele ein Moment der Anerkennung, für uns ein zutiefst tragischer Augenblick.

モスクワのグラーグ博物館は完全にその目的を変更され、メモリアルはまさに過激派組織と宣言された。
Das Gulag-Museum in Moskau wurde komplett umgewidmet, Memorial gerade zur extremistischen Organisation erklärt.

展示はすべて撤去された。今後は「ソビエト国民に対するジェノサイド博物館」と呼ばれることになるという――まったくばかげた企てだ。しかし、ここで指されているのはソ連政権による恐怖政治ではなく、もっぱらナチスの犯罪のみである。そしてそれは、ドンバスでの戦争やウクライナに対するロシアの侵略を英雄視する動きへとつながっている。これは歴史の根本的な転覆であり、単なる歪曲というよりも、記憶に対する侮辱である。
Die gesamte Ausstellung wurde abgebaut. Nun soll es „Museum des Genozids am sowjetischen Volk“ heißen – ein absurdes Unterfangen. Gemeint ist jedoch nicht der Terror des sowjetischen Regimes, sondern ausschließlich die Verbrechen der Nazis – fortgeführt in der Heroisierung des Krieges im Donbass und der russischen Aggression gegen die Ukraine. Das ist eine radikale Umkehrung der Geschichte – weniger Verfälschung als Verhöhnung von Erinnerung.

つまり、記憶に対する直接的な攻撃だ。
Also ein direkter Angriff auf die Erinnerung.

問題はそのシンボルそのもの――つまり、この記憶を完全に禁じることにある。なぜなら、メモリアルは解散後も、多くの人々にとって、過去との向き合い、記憶、そして人権活動の強力な象徴であり続けたからだ。まさにこのシンボルが、今や消え去ろうとしている。下院ではすでに、メモリアルの名を冠するあらゆるものを撤去するよう要求されている。数百の記念碑、1000冊を超える書籍、データベース――35年にわたる活動の実績だ。そしてそれとともに、メモリアルを通じて遺族を見つけられた無数の人々の記憶も消え去ることになる。これはソ連の歴史の核心に関わる問題だ。すなわち、暴力と恐怖に支えられた国家――スターリン時代の大量テロからペレストロイカ時代の抑圧的な体制に至るまで。1956年のハンガリーや1968年のチェコスロバキアにおける東欧の反乱も、残酷に鎮圧された。しかし今日、事態はそれをはるかに超えている。これは単なる「忘却」ではなく、歴史の体系的な書き換えである。博物館や記念碑の意味が再解釈され、カティンの虐殺でさえ再びドイツのせいにされようとしている。これは「メモリアル」の禁止にとどまらない――過去に対する完全な支配、ひいてはプーチン・イデオロギーの中心的な柱が問われているのだ。
Es geht um das Symbol selbst – darum, diese Erinnerung ganz zu verbieten. Denn Memorial blieb auch nach der Liquidierung für viele ein starkes Symbol der Aufarbeitung, der Erinnerung und der Menschenrechtsarbeit. Genau dieses Symbol soll nun verschwinden. In der Duma wird bereits gefordert, alles zu entfernen, was den Namen Memorial trägt: Hunderte Denkmäler, über 1000 Bücher, Datenbanken – 35 Jahre Arbeit. Und damit auch die Erinnerung unzähliger Menschen, die durch Memorial ihre Angehörigen finden konnten. Es geht um den Kern der sowjetischen Geschichte: einen Staat, der auf Gewalt und Terror beruhte – vom stalinistischen Massenterror bis zum repressiven System der Perestroika-Zeit. Auch Aufstände in Osteuropa wie in Ungarn 1956 und der Tschechoslowakei 1968 wurden brutal niedergeschlagen. Heute reicht es jedoch weit darüber hinaus: Es ist kein einfaches Vergessen, sondern ein systematisches Umschreiben der Geschichte. Museen und Denkmäler werden umgedeutet, sogar das Katyn-Massaker wird den Deutschen wieder in die Schuhe geschoben. Es geht um weit mehr als das Verbot von Memorial – es geht um die totale Kontrolle über die Vergangenheit und damit um einen zentralen Pfeiler der Putin-Ideologie.

次世代、例えば学校の子供たちのことを心配していますか？
Machen Sie sich Sorgen um die kommende Generation, etwa um Kinder in den Schulen?

私たちは長年にわたり、ロシア全土の学校で活動し、ヨーロッパ最大規模の生徒向け歴史コンテストを開催してきました。私たちの目的は、子供たちに自分の家族や故郷の歴史を書き留めてもらうことでした。まさにこの活動が、検察総局から「特に危険」だと批判されたのです――なぜなら、私たちは生徒たちに過去に対する異なる見方を築いてもらいたいと考えていたからです。今日、学校は軍事化され、国家愛国主義の精神に染め上げられており、その傾向はブレジネフ時代よりもはるかに強いものです。9月1日から、ウラジーミル・メディンスキーが編集責任者を務める新しい歴史教科書が導入されますが、それらはまるで冷戦時代の産物のように見え、スターリンの死前の状況とほとんど変わりません。
私たちは、あらゆる禁止令にもかかわらず、たとえロシア国外であっても活動を続けるために結束しました。メディアやブロガー、そして亡命中のその他の人々が書き続け、体制に抗い続けることが重要です。そして、「メモリアル」と政治的弾圧というテーマは、これからも存在し続けます。スターリン主義体制の影響は、ソ連の枠をはるかに超えて広がっていました。たとえ今日、かつてのように活動できなくなったとしても、私たちは続けなければなりません――テーマとして、象徴として。そして、この記憶はそう簡単に消し去ることはできない、ということを明確にしておくために。
Viele Jahre haben wir in Schulen in ganz Russland gearbeitet und den größten historischen Schülerwettbewerb Europas durchgeführt. Unser Ziel war es, dass Kinder die Geschichte ihrer eigenen Familien und Heimatorte aufschreiben. Genau diese Arbeit wurde von der Generalstaatsanwaltschaft als besonders gefährlich kritisiert – weil wir wollten, dass die Schüler ein anderes Bild der Vergangenheit entwickeln. Heute wird die Schule militarisiert, mit einem national-patriotischen Geist durchtränkt, viel stärker noch als zu Breschnews Zeiten. Ab dem 1. September werden neue Geschichtsbücher unter der Redaktion von Wladimir Medinsky eingeführt – sie sehen aus wie das Produkt des Kalten Krieges, fast so wie vor Stalins Tod.
Wir haben uns zusammengeschlossen, um trotz aller Verbote weiterzumachen, wenn auch außerhalb Russlands. Es ist wichtig, dass Medien, Blogger und andere Stimmen im Exil weiterhin schreiben und gegen das Regime wirken. Und Memorial und das Thema der politischen Repressionen bleiben. Das stalinistische System reichte weit über die UdSSR hinaus. Auch wenn wir heute nicht mehr so arbeiten können wie früher, müssen wir weitermachen – als Thema, als Symbol. Damit klar bleibt: Diese Erinnerung lässt sich nicht einfach auslöschen.

では、西側諸国には何を期待していますか？
Und was erwarten Sie vom Westen?

西側諸国では、今や多くの人がプーチン政権に対する幻想を捨てていることを願っています。私たちの役割は、この政権が攻撃的であり、真の意味での対話を一切受け入れる意思がないことを明確に伝えることです。この政権と和解し、すべてが以前のように戻るという考えは、幻想に過ぎません。現在、ウクライナこそが、この政権に真に立ち向かっている唯一の勢力であり、支援を必要としています。ヨーロッパは、抽象的な平和主義に頼ってはいけません。特に若い世代には、この認識がまだあまりにも欠けています。平和主義的な価値観を持つ私の世代にとっては、こう言うのは難しいことですが、今日において言えるのは、ヨーロッパがより強くなり、自らの力に頼らなければ、それは極めて危険だということです。
Ich hoffe, dass im Westen inzwischen viele ihre Illusionen über das Putin-Regime verloren haben. Unsere Aufgabe ist es, klarzumachen: Dieses Regime ist aggressiv und zu keiner echten Verständigung bereit. Die Vorstellung, man könne sich mit ihm versöhnen und alles werde wieder wie früher, ist eine Illusion. Die Ukraine ist derzeit die einzige Kraft, die ihm wirklich entgegentritt, und braucht Unterstützung. Europa darf sich nicht auf abstrakten Pazifismus verlassen. Gerade bei der jungen Generation fehlt dieses Bewusstsein noch zu sehr. Für meine pazifistisch geprägte Generation fällt es schwer, das zu sagen – aber heute gilt: Wenn Europa nicht stärker wird und sich auf eigene Kräfte stützt, ist das äußerst gefährlich.

多くの若者は、自分たちを国家の一員とはほとんど思えないと口にする。
Viele junge Menschen sagen, sie könnten sich kaum als Teil des Staates sehen.

ロシアでは、国家は暴力の源であると同時に、抗うことのできない存在と見なされている。人は国家に従属すべきとされる。民主主義ではその逆であり、民主主義は人権を守るべき制度――自由な選挙や表現の自由――によって成り立っている。この秩序が崩れれば、それがどこへつながるかは明らかだ。ドナルド・トランプ政権のように、制度を意図的に弱体化させる動きは他国でも見られる。危険なのは、国家そのものを根本的に敵視し、それを陰謀論と結びつける場合だ。なぜなら、民主主義は機能する制度の上に成り立っているからだ。批判することはあっても、それを破壊してはならない。
In Russland gilt der Staat zugleich als Quelle von Gewalt und als etwas, dem man nichts entgegensetzen kann. Der Mensch soll sich dem Staat unterwerfen. In einer Demokratie ist es umgekehrt – sie lebt von Institutionen, die Menschenrechte verteidigen sollen: freie Wahlen, Meinungsfreiheit. Wenn diese Ordnung kippt, sieht man, wohin das führt. Ansätze davon gibt es auch anderswo, etwa bei Donald Trump, wo Institutionen gezielt geschwächt werden. Gefährlich wird es, wenn der Staat grundsätzlich bekämpft und das mit Verschwörungstheorien verbunden wird. Denn Demokratie beruht auf funktionierenden Institutionen – man kann sie kritisieren, aber man darf sie nicht zerstören.

(End) Link:
https://www.faz.net/aktuell/feuilleton/debatten/irina-scherbakowa-russlands-geschichte-wird-komplett-umgedeutet-accg-200741180.html

2026年5月1日のアップデート：

あの忌々しいロシアのせいで！

ウクライナ、規制変更により日本からの武器供与の可能性に道が開ける
東京、5月1日（ロイター） – ウクライナは、日本の武器輸出規制の緩和が、東京からの武器供与の可能性をめぐる協議への道を開くものだと見ている。「これにより、我々は協議を行うことが可能になる」と、ウクライナのユーリ・ルトヴィノフ駐日大使は金曜日、ロイター通信のインタビューで述べた。「理論的には、これは非常に大きな前進だ」。ルトヴィノフ大使は、武器輸出はデリケートな問題であるため、ウクライナ側は慎重に進めていると付け加えた。大使は、まず東京がウクライナの防空システム開発への資金援助を行うことができると述べた。これにより、供給が逼迫しつつある米国製パトリオットミサイルへの依存度を低減できるという。「我々は生産に必要な産業能力をすべて備えている。しかし、投資が必要だ。資金が必要です」と彼は語った。担当の日本の高市早苗大臣は、これまでウクライナへの武器輸出について公に発言していない。同大臣は11月、ウクライナのウォロディミル・ゼレンスキー大統領に対し、日本はウクライナの側に立ち、公正かつ永続的な平和に向けた取り組みを可能な限り迅速に支援すると伝えていた。

art-culture.world/politics/russia-usa

日本文化論：ポニテ帰国とその他の事件を巡り、日本人が好きな天皇制、日本帝国。（令和3年10月19日）
Japan-Kulturologie: Über Pferdeschwänze und anderen Begebenheiten. Japaner lieben Ihr Kaiserreich und das Tennō-System.
https://art-culture.world/jp-society/japan-kulturologie-ueber-pferdeschwaenze-und-anderen-begebenheiten-ポニテ帰国/

Meine Güte, Schock im Japanischen Kaiserreich: Wo ist Komuros Pferdeschwanz?　（令和3年10月19日）
Wir lieben Pferdeschwänze…　
https://art-culture.world/jp-society/pferdeschwaenze-im-japanischen-kaiserreich/

眞子さま結婚へ中傷を巡り。日本人の国民性論「一億総いじめっ子」か　（令和3年10月22日）
Regarding The Slander of Princess Mako And Her Marriage. Theory on The Japanese Character “Is The Entire Population of Japan Made Up of Bullies?”
https://art-culture.world/jp-society/japanese-character-日本人の国民性/

の続き。

ザ・ジャパニーズ・ゴシップ on parade.
神道コミュニティが騒然。
記録させていただきますね。

Japan’s Princess Mako, who gave up royal life to marry a commoner, spotted with little heir — after fleeing NYC for burbs

By David DeTurris, New York Post
Published April 19, 2026, 12:49 p.m. ET

Japan’s Princess Mako, who gave up royal life to marry a commoner, spotted with little heir — after fleeing NYC for burbs
The Japanese princess who renounced her royal title and wealth to marry her commoner husband has been spotted with a little heir — after fleeing NYC for the suburbs.
Princess Mako Komuro, the first child of Japan’s crown prince and the niece of Emperor Naruhito, sported a Target shopping bag alongside her husband Kei Komuro and their infant, exclusive photos show.
The Komuros spent a pleasant spring day shopping at a local cheese store, bakery and supermarket in the neighborhood of their new home in Fairfield County, Connecticut.
Mako — whose father Crown Prince Fumihito is next in line to the imperial throne — wore a simple black top, blue jeans and a light cream cardigan.
Her international trade lawyer husband wore a green T-shirt and tan pants and cradled their child in a sling.
The couple’s happy young baby was all smiles, playing with a toy while the two hit the town.
Japanese Princess Mako and her husband, Kei Komuro, shopping with their baby in a carrier in Darien, Connecticut.
The pair lived in New York City, but fled to the idyllic suburbs of Fairfield County, CT. Mr Owl for NY Post
The Post also spotted the two coming and going from their modest condo in the Connecticut suburb.
Mako and Kei’s quaint $680,000 Connecticut townhouse is far quieter than the couple’s previous digs in the Manhattan nabe of Hell’s Kitchen.
But the two have consistently bucked the limelight, even when they lived in New York.
The former royal, who is an art historian, was previously reported to be a volunteer at The Metropolitan Museum of Art helping curators in the Asian art collection.
Her husband Kei passed the bar in October 2022 after studying at Fordham Law School and works as an associate at Lowenstein Sandler LLP, where he specializes in global trade and national security.
She and her husband have reportedly lived financially independent from the Japanese royal family.
Mako’s post-royal life has been exceptionally low-key for someone raised as a member of the Japanese royal family.
The former Princess of Akishino moved with her husband to the United States in 2021 following their marriage, which caused a significant stir in Japan.
Japanese society was shocked, not only because the princess’ sweetheart was a commoner, but also because she renounced her royal title to wed him.
The couple have continued to keep things private, even after paparazzi snapped a picture of the two pushing a stroller last year.
The child’s birth was confirmed by the Japanese royal family, who said mother and baby were healthy, but that the ex-princess still planned to keep personal matters quiet.
Their baby – whose name and gender still haven’t been revealed – is not in line for the Japanese throne since Japanese law only allows for royal succession to be passed down from father to son.

https://nypost.com/2026/04/19/world-news/japans-princess-mako-who-gave-up-royal-life-to-marry-commoner-spotted-with-baby-after-fleeing-nyc/

ご興味のある方へ

Heute ist Feiertag. Warum? Der Kaiser hat Geburtstag: 66. Lang lebe Seine Majestät der Kaiser! Hurra! Hurra! Hurra!　（令和8年2月23日）
今日は祝日です。なぜでしょう？天皇陛下の66歳のお誕生日だからです。天皇陛下万歳！万歳！万歳！

https://art-culture.world/jp-society/lang-lebe-seine-majestat-der-kaiser-hurra-hurra-hurra/

art-culture.world/jp-society/shinto-community-in-uproar

Today’s “Top Ten List 2025” marks the introduction of a new selection criterion.
It is based on my personal perception as a Japanese artist and trendsetter. In Japan, I am not seen as a German artist, but as a Japanese one.

本日発表する「トップ10リスト2025」は、新たな選考基準を導入したものです。これは、日本のアーティストでありトレンドセッターでもある私自身の認識に基づいています。日本では、私はドイツのアーティストとしてではなく、日本のアーティストとして見なされています。

The current issue of the art magazine Bijutsu Techo 美術手帖　(BT), April 2026 vol.78 no.1109, titled “Immigration and America: Artists of the Japanese Diaspora, Past and Present,” presents a distorted and questionable definition of Japanese contemporary artists living abroad.

美術雑誌『美術手帖』（BT）の2026年4月号（第78巻第1109号）は、英語のタイトルとして “Immigration and America: Artists of the Japanese Diaspora, Past and Present” （翻訳：「移民とアメリカ：日本のディアスポラ・アーティストたち、過去と現在」）、日本語のタイトルとして「移民とアメリカ：日系アーティストの歴史と現在」と題し、海外在住の日本の現代アーティストたちについて、歪曲され、疑問の余地のある定義を提示しています。

The use of the term “diaspora” suggests a victim mentality/victim syndrome to the reader, referring to people living in “exile”. Bijutsu Techo (BT) supports the dubious claim that people born in Japan can forever be called Japanese artists. This is deliberate, misleading journalism on the part of the art magazine.

「ディアスポラ」という用語の使用は、読者に「亡命」生活を送る人々を指す、被害者意識／被害者症候群を連想させます。美術手帖（BT）は、日本で生まれた人々は永遠に日本人アーティストと呼べるという疑わしい主張を支持しています。これは同誌による意図的で誤解を招くジャーナリズムです。

To overemphasize and legitimize such statements, giving them excessive meaning and authority in this current art magazine like American Ei Arakawa-Nash (born 1977 in Iwaki), trying to stifle critical discussions, is a sycophantic attitude. It can be assumed that the artistic practices in America (vita) of the following artists, KUSAMA Yayoi 草間彌生, HIRAKAWA Noritoshi 平川典俊, KUBOTA Shigeko 久保田成子, NOGUCHI Isamu 野口勇, SASAMOTO Aki 笹本晃, ONO Yoko 小野洋子, SHINOHARA Ushio 篠原有司男, SHINOHARA Noriko 篠原乃り子, a.o., did not fit the “journalistic” concept.
Japanese artists living abroad do not participate in the Japanese Social Contract. They do NOT pay taxes in Japan and do NOT pay social security contributions.
Let me list what those Japanese living abroad, do NOT pay in Tokyo (Japan), unlike me as a German: income tax 所得税, Tokyo metropolitan resident tax 都民税, ward resident tax 区民税, health insurance premiums 健康保険料, long-term care insurance premiums 介護保険料, national pension premiums 国民年金料. (Simplified explanation; there is more)
Each of these artists embraces an anti-diasporic work-life balance/concept. They are strong and determined to live in their newly chosen center of life—the place of their global income—and to pay taxes, health insurance, and pension contributions there.

このような発言を過度に強調し、正当化して、本誌のような現代美術雑誌において（1977年いわき市生まれの）アメリカ人荒川ナッシュ医のように、それらに過剰な意味や権威を与え、批判的な議論を封じ込めようとするのは、おべっか使いのような態度です。
以下のアーティストたち――草間彌生、平川典俊、久保田成子、野口勇、笹本晃、 小野洋子、篠原有司男、篠原乃り子らによるアメリカでのアーティスティック・プラクティス（ヴィータ）は、「ジャーナリスティック」な概念に合致しなかったと推測されます。
海外在住の日本のアーティストは、日本の社会契約 (Japanese Social Contract)に参加していません。彼らは日本で税金を納めておらず、社会保険料も支払っていません。
ドイツ人である私とは異なり、海外在住の日本人たちが東京（日本）で支払っていないものを挙げてみよう：所得税、都民税、区民税、健康保険料、介護保険料、国民年金料。（簡略化した説明；他にもあります）
これらのアーティストたちは皆、アンチ・ダイアスポリック的なワーク・ライフ・バランス／概念を掲げています。彼らは、自ら選んだ新たな生活の拠点――つまり、世界的な収入を得ている場所――に住み、そこで税金、健康保険料、年金保険料を支払うという強い決意を持っています。

With that in mind, I have removed the following artists from the ‘Top 10 list’:
こうしたことを踏まえ、以下のアーティストたちを「トップ10リスト」から除外しました：

IKEMURA Leiko イケムラレイコ
ONO Yoko 小野洋子
SHIOTA Chiharu 塩田千春
SASAMOTO Aki 笹本晃
NIWA Yoshinori 丹羽良徳
KAGA Atsushi 加賀温　
KIMURA Yuki 木村友紀

I consider this paradigm shift in the selection criteria appropriate and in line with the spirit of the times (Zeitgeist). Anyone who disagrees is welcome to express their constructive criticism via social media platforms like Facebook, X, or Instagram. We all thrive on dialogue and discourse.
Finally, for today: I do not want to rule out the possibility that I may adjust the parameters of the selection criteria in the coming years. My cards are on the table.

この選考基準におけるパラダイムシフトは適切であり、時代の精神 (Zeitgeist) にも沿ったものだと考えています。これに異議がある方は、Facebook、X、Instagramなどのソーシャルメディアを通じて、建設的なご意見をぜひお寄せください。私たちは皆、対話と議論を通じて成長するものです。
最後に、本日お伝えしたいこととして：今後数年のうちに、選考基準のパラメータを調整する可能性も排除したくありません。私の考えはすべて明かしています。

Contemporary art is constantly in fluxus. 現代アートはいつもイン・モーション（流動）である。
グローバル・アートの文脈(＝国際活動）を巡って、2025年度のリストを同封させて頂きます。
In the context of the global art scene, here is my list for 2025:

日本の現代アーティスト・トップ 20
Contemporary artists from Japan, Top 20

1. KUSAMA Yayoi 草間彌生
2. MURAKAMI Takashi 村上隆
3. NARA Yoshitomo 奈良美智
4. MOHRI Yuko 毛利悠子
5. KATAYAMA Mari 片山真理
6. SHIMADA Yoshiko and BuBu de la Madeleine 嶋田美子とブブ・ド・ラ・マドレーヌ
7. ISHIKAWA Mao 石川真生
8. KUSANO Emi 草野絵美
9. MIYAJIMA Tatsuo 宮島達男
10. MORI Mariko 森万里子
11. NAKAYA Fujiko 中谷芙二子
12. TAKATA Fuyuhiko 高田冬彦
13. SUGA Kishio 菅木志雄
14. Mr. ミスター
15. KATO Izumi 加藤泉
16. YANAGI Yukinori 柳幸典
17. SUGIMOTO Hiroshi 杉本博司
18. TAKAYAMA Akira 高山明
19. KOIZUMI Meiro 小泉明朗
20. mé 目

As a reference you can compare the new list with the older ones:

日本の現代アーティスト・トップ 40 (2024年)
Contemporary artists from Japan, Top 40 (2024)
https://art-culture.world/art-world/contemporary-artists-from-japan-top-40-2024-日本の現代アーティスト・トップ-40-2024年/

日本の現代アーティスト・トップ 20 (2023年)
Contemporary artists from Japan, Top 20 (2023)
https://art-culture.world/articles/contemporary-artists-from-japan-top-20-2023-日本の現代アーティスト・トップ-20-2023年/

日本の現代アーティスト・トップ 15 (2022年)
Contemporary artists from Japan, Top 15 (2022)
https://art-culture.world/articles/contemporary-artists-from-japan-top-15-2022-日本の現代アーティスト・トップ-15-2022年/

日本の現代アーティスト・トップ 11 (2021年)
Contemporary artists from Japan, Top 11 (2021)
https://art-culture.world/articles/contemporary-artists-from-japan-top-11-2021-日本の現代アーティスト・トップ-11-2021年/

日本の現代アーティスト・トップ 6（2020年）
Contemporary artists from Japan, Top 6 (2020)
https://art-culture.world/articles/contemporary-artists-from-japan-top-6-2020-日本の現代アーティスト・トップ-6-2020年/

日本の現代アーティスト・トップ 10（2019年）
Contemporary artists from Japan, Top 10 (2019)
https://art-culture.world/articles/contemporary-artists-from-japan-top-10-2019/

日本の現代アーティスト・トップ 157（2018年）
Contemporary artists from Japan, Top 157 (2018)
https://art-culture.world/articles/contemporary-artists-from-japan-top-157-2018/

日本の現代アーティスト・トップ 92 (2017年)
Contemporary artists from Japan, Top 92 (2017)
https://art-culture.world/articles/contemporary-artists-from-japan-top-92-2017/

日本の現代アーティスト・トップ 68 (2013年度〜2016年度)
Contemporary artists from Japan, Top 68 (2013 – 2016)
https://art-culture.world/articles/contemporary-artists-from-japan-top-68-2016/

Tokyo, 17.4.2026
Mario A

ご参考に、more about KUSAMA Yayoi:

私 (亜 真里男) と草間彌生、長い芸術の旅、アンプラグド
I (Mario A) and KUSAMA Yayoi, a long artistic journey, unplugged
https://art-culture.world/articles/mario-a-kusama-yayoi-草間彌生-亜真里男/

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art-culture.world/art-world/contemporary-artists-from-japan-top-20-2025-日本の現代アーティスト・トップ-20-2025年

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The American President on Easter:
“Open the Fuckin’ Strait, you crazy bastards, or you’ll be living in Hell. Praise be to Allah.”
“The Iranians are animals. That’s why blowing up their bridges and power stations isn’t a war crime.”
“A whole civilization will ⁠die tonight, never ‌to ‌be brought back ​again.”

Enough is enough. We HATE America.
Non c’è pace.
PACE Tokyo, get out of Japan.
Following the American Art Dealer BLUM Tokyo, the American Art Dealer PACE Tokyo should close, too.

Check my review from 28th of April 2024:
Tokyo Perspective: Chronicle of a Death Foretold regarding a respected American Art Dealer
https://art-culture.world/reviews/blum/

PACE Tokyo, with its safe-bet art dealer program, its attempt to sell off leftover works from the gallery basement in America, lame, mediocre works, and its sparse visitors, una galleria buffa, dead indeed.

https://www.pacegallery.com/journal/leo-villareal-marc-glimcher-pace-tokyo/

Japanese artist NARA Yoshitomo left PACE, with its pretentious s-pace in Tokyo. The other rental rooms and their programs in the same building reflect this disaster.
No one will shed a tear when PACE Tokyo closes.
On the contrary.
Resta in Pace.

Tokyo, 13th of April 2026
Mario A

イースターの日のアメリカ大統領：
「クソッタレの海峡を開けろ、この狂った野郎どもめ。さもないと地獄行きだぞ。アッラーに栄光あれ。」
「イラン人は獣だ。だから奴らの橋や発電所を爆破しても戦争犯罪にはならない。」
「今夜、一つの文明が滅び​​、二度と復活することはないだろう。」

もう限界だ。我々はアメリカが大嫌いだ。
Non c’è pace。
PACE東京、日本から出て行け。
アメリカン・アートディーラー「BLUM Tokyo」に続き、同じくアメリカン・アートディーラー「PACE Tokyo」も閉廊すべきだ。

2024年4月28日の私のレビューをご覧ください：
東京の視点：ある著名なアメリカン・アートディーラーに関する予告された死の記録
https://art-culture.world/reviews/blum/

PACE東京は、セイフ ベット（リスクの低い）なアートディーラーのプログラム、アメリカのギャラリーの地下室に眠る売れ残りの作品の販売、つまらない凡作ばかりを並べ、ほとんど来場者もいなく、ギャラリー・ブッファ、まさに死んだ。

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日本のアーティスト奈良美智は東京の気取った「s・ペース」を持つPACEを去った。同じビル内の他のレンタルスペースとそのプログラムも、この惨状を如実に映し出している。
PACE東京が閉廊しても、誰も涙を流さないだろう。
むしろその逆だ。
Resta in Pace。

東京、2026年4月13日
亜 真里男

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【タワマンは廃墟化する】東京は「富裕層の植民地」／ヒルズ族が壊した「地域コミュニティ」／「200年住宅」は実現できる／新自由主義と不動産証券化の

in case of censorship, as archival documentation:

東京が「富裕層の植民地」に－建築界ノーベル賞・山本理顕氏「ヒルズ型」再開発を批判

– コミュニティー考え設計しているか－隈研吾、安藤忠雄両氏を名指し
– 未来の東京がどうあるべきか、プラン作りを促す異例の同業者批判

Bloomberg ヒルトン　セーラ 2026年2月13日

「建築界のノーベル賞」とされるプリツカー賞を2024年に受賞した建築家の山本理顕氏が東京の再開発を巡り、異例の同業者批判を展開した。近年進む開発は公共性よりも富裕層の利益を優先しているとして、警鐘を鳴らしている。

　　都内では長年、耐震性向上や近代化を目的としたスクラップ・アンド・ビルドが繰り返されてきた。それでも東京は、世界最大級の「メガシティ」でありながら、意外なほど歩行者に優しく、ヒューマンスケール（人間の感覚や行動に適合した空間作り）を保ってきたのも事実だ。狭い路地や緩やかな建築規制が小さな商店やバーの活気を支え、一等地であっても手頃な住宅が点在してきた。
　　だが近年、その風景は一変しつつある。高級ブランド店やオフィス、高級マンションが入ったガラス張りの造形美あふれるビルが次々と建設されている。
　　山本氏は日本外国特派員協会（FCCJ）で１月に講演。東京を「富裕層というか、『新自由主義』信奉者の植民地みたいだ」と英語で表現した。「再開発は、地域の人たちに対して全く役に立たないものを作っている。地域のコミュニティーを壊している」と日本語で付け加えた。

　　都市部への人口集中に対する解決策として、日本では高層住宅のいわゆる「タワーマンション」が急増した。不動産データ・コンサルティング会社の東京カンテイによれば、24年時点で首都圏には812棟のタワマンが存在し、その約4分の1が過去10年間に建設された。オフィス供給も過熱し、東洋経済の推計では24－26年に延べ約54万9000坪（約180万平方メートル）の大規模開発が行われるという。
　　山本氏は「デベロッパーが悪いわけではない」とし、東京にはある程度の再開発が常に必要だと認めた上で、近年の大型プロジェクトの問題として、富裕層でなければ購入できないような居住区を構えた高層ビルに言及。具体例として、六本木から麻布一帯に広がる森ビルの「ヒルズ」シリーズを挙げた。

　　洗練された商業区画や手入れの行き届いた緑地を特徴とするこうした施設は店舗を含め、著名建築家が設計を手掛ける例が多い。
　　山本氏は「最近の建築家に対して本当に怒っている」と語り、「みんな森ビルとか、そういうところにばかり向いてしまっている。なぜかというと、仕事をくれるから」だと続けた。さらに隈研吾氏や安藤忠雄氏を名指しし、「彼らは本当にコミュニティーのことを考えて設計しているのか」と問いかけた。
　　森ビルの広報担当者はコメントを控えた。両建築家の代理人にもコメントを求めたが、回答は得られていない。
　　山本氏は、世代や社会的障壁を超えて人々を結びつける独創的な建築で知られる。代表作の一つである広島市西消防署は、ガラスのルーバーを用いた透明な外観が特徴で、地域住民が消防士の訓練を日常的に見守ることが可能だ。ベネズエラのカラカスでは、地域共同体が暮らしを維持・改善できるような街の再生に取り組んでいる。
　　日本の建築家が国内の同業者を批判するのはまれで、山本氏の発言は異例だ。ただし、ザハ・ハディド氏による新国立競技場案に対しては集団的な反対運動が展開され、最終的に白紙となった同案に替わり、隈氏が率いるチームの案が採用された。
　　一方、市民の間では不満が表面化している。24年の明治神宮外苑（がいえん）の再開発を巡っては樹木の伐採に抗議の声が上がり、東京都知事選の争点にもなった。再開発事業者を代表する三井不動産は都の要請で計画を微修正し、着工に至っている。
　　山本氏は、鉄道会社や東京都が主導する渋谷駅の長期的な再開発計画も批判。通勤・通学者の動線改善や商業機能の強化を目的とする同計画について、鉄道会社の優先事項に偏りすぎていると指摘する。
　　また、築地市場の再開発にも異議を唱え、「東京にとって心臓のような、最も重要なコミュニティーのための場所を壊してしまった」と述べた。総事業費9000億円に上る築地再開発では、歴史ある卸売市場が最近開発された豊洲へ移転した。山本氏は、場内市場の解体は伝統的な活気を消し去り、近隣の銀座の食文化との結びつきを断絶させたと主張している。
　　現在、跡地では11社からなる企業連合が、高層ビル群と広大な芝生に囲まれた大規模イベント会場の建設を計画している。この事業予定者に森ビルは含まれていない。
　　山本氏は都内で進行中の再開発プロジェクトについて、「第二の『何とかヒルズ』、森ビルができていくようなことになっている」と指摘。「未来の東京はどうあるべきかというようなプランを作って、それを実現するためにどうしたらいいかっていうことは、専門家がやらなくてはいけない」と訴えた。

原題：Tokyo Becoming Colony for the Rich, Top Architect Warns（抜粋）

https://www.bloomberg.com/jp/news/articles/2026-02-13/T9UZRUT96OSK00

2026/4/17 update:

September 2025
Robert Longo Fails to Meet the Moment in a Pace Gallery Mega-Show
https://www.artnews.com/art-news/reviews/robert-longo-pace-gallery-review-1234752550/

Robert Longo employs a structured, collaborative studio model similar to film production, utilizing numerous assistants—often younger artists—to produce his massive charcoal drawings. Long-time illustrator Diane Shea is specifically noted for her work on figure details, while a large team aids in the overall creation process.

Key details regarding Longo’s studio staff:
“Common Ground” Exhibition: A 2017 exhibition at Anna Nova Gallery highlighted former and current studio assistants, including Paolo Arao, Jason Bartell, Brock Enright, Julio Cesar Gonzalez, and Viktor Longo. Work Process: Longo acts as a director, using assistants to work on drawings after he sets the initial composition, which he describes as learning from historical studio practices of artists like Rubens and Rembrandt. Key Assistant: Diane Shea has worked with Longo for many years, filling in details on figures after Longo projects and outlines the initial composition. Other Assisting Staff: Other individuals listed as part of the studio network include Sarah Brenneman, Alexandra Baye, Corey Bond, Edwin Bethea, Kipton Hinsdale, and Kelsey Henderson. Longo has used assistants early in his career to handle the labor-intensive work required for his large-scale, detailed charcoal drawings.

#PaceToyko

# pace TOY ko 🤣　ペースの子供の「オモチャ」

American Samuraiですって? 米国侍って? ふざけんな！
FUCK THE GEISHA!!
一日早く閉廊してください！！！

art-culture.world/art-world/pace-tokyo

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The continuation of “The Slow Death of the New York Art Scene” ニューヨーク・アートシーンの緩慢な死 (1)
https://art-culture.world/articles/slow-death-of-the-new-york-art-scene-1/

The Slow Death of the New York Art Scene (2)
ニューヨーク・アートシーンの緩慢な死 (2)
https://art-culture.world/art-world/slow-death-of-the-new-york-art-scene-2/

For about 7 years there has been a growing feeling that it is not important for artists to exhibit in New York.
To put it bluntly: New York is out.

The music plays somewhere else.
With the establishment of international art fairs in Basel, London, Hong Kong, Paris, Seoul and Tokyo, the gravitational pull of contemporary art has shifted away from New York, away from American artists, towards Europe and Asia.
The USA also cannot offer a Venice Biennale, documenta Kassel or Gwangju Biennale. Berlin plays a more important role for artists than New York.
The article by Josh Kline about “New York Real Estate and the Ruin of American Art” is symptomatic of the plight of the New York art scene.
God bless America.

Tokyo, 2026/4/11
Mario A

New York Real Estate and the Ruin of American Art
Josh Kline

October (2026) (195): 91–109.
https://doi.org/10.1162/OCTO.a.539

Abstract
Part of October’s “Art Communities at Risk” series, Josh Kline’s essay examines key structural problems in the American art industry through the lens of class, tracing their origins back to the staggering prices and rents for commercial and residential real estate in New York City today. Kline’s text draws on personal observations and experience accumulated over the last twenty-five years while working as an institutional curator and as an emerging and mid-career artist, as well as on extensive background conversations with peers and colleagues.

Article
The first step towards a cure is admitting you have a problem. Contemporary art in twenty-first-century America is sick with problems. These are not problems raised by artworks as subjects of concern, but structural malignancies in the United States that are present in art’s curation, its institutions, and its patronage; in the commercial entities that sell it and the schools that produce the people who participate in its world. The result is a tidal wave of art whose primary function as decorative speculative financial instruments eclipses any possibility of inquiry, experimentation, or real meaning. These problems share a root cause: New York City real estate and its currently impossible prices and rents, which smother art in a choking, conservative atmosphere. American art is suffering a polycrisis that combines a lack of belief in and support for its artists born after 1975, the structural de-centering of artists in the art industry, and the subsequent stagnation and possible breakdown of formal innovation in art. In other words, meaningful art, relevant for society and our time, may not be sustainable under the current conditions here.

another quote:

Galleries
Rirkrit Tirivanija’s recent survey at MoMA PS1, curated by Ruba Katrib and Yasmil Raymond, presented documentation of one of his early solo shows in 1991 at Randy Alexander Gallery in SoHo. When it opened, the only object in the gallery was a pair of binoculars on the windowsill. The binoculars allowed visitors to occasionally catch a glimpse of a young Tirivanija at work as an art handler at the gallery across the street. Occasionally he’d send voice recordings to the gallery. Can you imagine a single art dealer in Manhattan allowing a young artist to mount a solo exhibition like that today?
Let’s talk about the costs of doing business for NYC galleries: the astronomical cost of rent in Manhattan’s major gallery neighborhoods—Chelsea, the Upper East Side, Tribeca, and the Lower East Side—and the cost of paying the wages and, in some cases, health insurance of employees who must pay residential rents in downtown Manhattan and Brooklyn’s gentrifying neighborhoods. According to Zillow, the median rent for a one-bedroom apartment in New York is currently around $3,500, although in many of the aforementioned neighborhoods the rent is significantly higher. Gallery employees must be able to afford the expensive bars, restaurants, nightlife, recreational drugs, clothes, and personal maintenance required to network and advance careers in the field. All of these costs/co-pays also involve New York real estate. The expensive commercial rent that the restaurants, bars, clothing stores, and salons are paying ultimately factor into the salary requirements of gallery employees as well. These ancillary businesses must also pay their own employees enough for them to afford living in New York. The next time you’re in a gallery in the city, count the employees and do the math.
The 1990s and early 2000s were a golden age of large-scale sculpture, installation, and video projection. Chelsea’s blue-chip and mega galleries—carved out of former garages and warehouses—are relics from this slightly less unaffordable era. Founded by baby boomers when real estate was more accessible, the most powerful American galleries won a generational lottery. America’s art world, like its government, is a gerontocracy captured by boomers. And as in all other areas of American life, the art world’s boomers have worked hard to pull the ladders up behind them, leaving the generations that follow with less. Many of these galleries own their buildings in Manhattan, allowing them to operate from a comparatively safe position. They can also usually count on sales of works by their established, blue-chip artists and secondary-market deals. This gives them the potential ability to take risks that younger galleries cannot. Unfortunately for artists born after 1980, their rosters are already full, their exhibition slots filled by older artists. The largest galleries bide their time and skim off the cream of the crop, harvesting a successful younger artist or two from emerging galleries each year. Those fortunate few are artists whose careers are usually developed at great financial risk by young galleries that are unable to fully capitalize on their success. As their most financially successful artists leave for boomer galleries, Gen X or millennial galleries are left without any possibility of growing or competing with their elders.
Other gallery expenses that contribute to today’s conservative and risk-averse programming include shipping and crating costs, art storage (real estate again), the cost of build-outs and material for building walls, etc., all of which have exploded since March 2020. The cost of shipping artwork is often three or four times the price in 2019. The cost of off-site art storage in and near New York City has also ballooned, making it less attractive for galleries, collectors, and even major museums to support sculpture. The art-storage company UOVO, founded by real-estate developers who are also art collectors, charges $11 per square foot for climate-controlled storage in New York with generator backups that can last two weeks in the event of catastrophe. In 2024, the director of a major New York art museum told me that the museum was no longer collecting sculpture because they’d run out of room in their storage facilities. While the costs of exhibition-specific temporary architecture in galleries are often lower than in museums,7 they are still substantial. Exhibitions of paintings, which are easier to sell and require minimal or no reconfiguration of the gallery’s architecture, are the inevitable result. The number of gallery exhibitions in New York focused on sculpture and video has plummeted since 2020.

Full text:
https://direct.mit.edu/octo/article/doi/10.1162/OCTO.a.539/135707/New-York-Real-Estate-and-the-Ruin-of-American-Art

For Japanese readers, the following text may be help to get an overview of the problematic situation in New York’s art scene.

ニューヨークの不動産環境と現代アートの衰退という現実
Tomoki Sakuta｜Arts & Considerations
2026年4月11日 09:45
ジョシュ・クラインの論考と、その反響から考える
キュレーターの天野太郎さんから面白い論考を紹介していただきました。ジョシュ・クラインの “New York Real Estate and the Ruin of American Art” です。掲載は学術誌 October 195号（Winter 2026）で、https://direct.mit.edu/octo/article/doi/10.1162/OCTO.a.539/135707/New-York-Real-Estate-and-the-Ruin-of-American-Art から読むことができます。この論考は、同誌の連載シリーズ “Art Communities at Risk” の一篇でもあります。

私と同じ1979年生まれのジョシュ・クラインは、テクノロジー、労働、気候危機、政治といった現代社会の条件を、映像、彫刻、写真、デザインを横断しながら扱ってきた作家です。ホイットニー美術館でも３年前、大規模な個展が開かれています。つまりこの論考は、美術界を外から観察する書き手が書いたものではなく、ニューヨークのアートシーンの真ん中にいる中堅作家が、自分の足場そのものについて書いた文章でもあります。

読んでいて印象的だったのは、クラインが問題を単なる「家賃高騰」や「若手の生活苦」として書いていないことでした。彼が論じているのは、不動産価格、生活費、教育費、市場、制度、発表機会、ネットワークが連動しながら、どのようなアーティストが残り、どのような作品形式が生き延び、誰が可視化されるのかを選別してしまっている、という構造です。

full text:
https://note.com/arts_consider/n/nd35bb7dfc6f2

New York Is No Longer a City for Artists

Three years after sculptor Josh Kline finished a mid-career retrospective at the Whitney Museum, he closed the door to his studio. If even a successful artist recognized by the art world cannot survive in New York, what does this city mean for those just starting out?

There is an essay by Kline in the Winter 2026 issue of the art magazine *October* that turned New York upside down. The title of the essay is unequivocal: “New York Real Estate and the Fall of American Art.” He diagnoses that New York’s real estate is structurally destroying American art.

The numbers speak first. Studio rents in Brooklyn have risen 300 percent compared to the early 2000s. But the wages for the jobs artists take to make ends meet (studio assistants, art handlers) remain the same. Sculptors who lost their spaces have started painting. Video artists have picked up canvases too. Because if you don’t make things that sell, you can’t survive. The questions galleries ask themselves have changed too. From “What does this work say?” to “Will this work sell?”

This is not a matter of taste but of structure. All those revolutions—conceptual art, minimalism, performance art—that were born in New York in the 1960s and 70s had one condition: cheap rent. In an era when artists could maintain an apartment and studio by serving two or three days a week, there was no reason to work with the market in mind. Experimentation was free, and failure was not fatal. New York now is the opposite. Real estate prices determine the form of art. Sculpture requires space, space requires money, and money requires sales. Within that cycle, experimentation is steadily losing its place.

Class quietly filters people out too. Those whose families subsidize their rent can endure low-wage gallery internships to become curators. Artists who have apartments provided by their families don’t end up on the street even if their shows don’t sell, so they can continue risky work. Artists without that support end up making the paintings the market wants, caught between student loan notices and next month’s rent. Kline asks: In American art history, artists from poor backgrounds like Jackson Pollock, Andy Warhol, Nan Goldin, and Felix Gonzalez-Torres were able to leave major legacies because the New York of that era allowed them to. Today’s New York does not.

Galleries and museums are not free from this pressure either. Art fair booth rental fees reach hundreds of thousands of dollars, and shipping costs have more than tripled since the pandemic. The result is predictable. Sculpture and video installation exhibitions are shrinking, and programs are being reoriented toward paintings that are easy to transport and sell. One gallerist told Kline that when she asked what sells well at art fairs these days, the response was a single word: “whimsy” (cute and whimsical things).

But Kline does not end his essay in despair. Escape routes have always opened outside the center. The American indie rock, hardcore, and riot grrrl scenes of the 1980s and 90s grew not in New York but in Olympia, Providence, and Chapel Hill. Right now, Philadelphia is full of vacant factories where studio rents are a quarter of New York’s. Artist collectives in Yogyakarta, Indonesia, are building new art ecosystems based on their own communities, without market support or government funding. The experiments of ruangrupa, witnessed by the world at Documenta 15 in 2022, proved that possibility.

If New York has abandoned art, artists can abandon New York too. Kline’s words come close to a declaration. New York no longer deserves to receive the ambitions of young artists. Leave the city that sends bills while selling dreams, and build a new art world yourself in a place that is cheaper, more spacious, and freer. That possibility will be not between the high-rises of Manhattan, but somewhere the rent hasn’t risen yet.

뉴욕은 더 이상 예술가의 도시가 아니다

조각가 조쉬 클라인이 휘트니 미술관에서 중간 경력 회고전을 마치고 3년 뒤, 스튜디오 문을 닫았습니다. 미술계가 인정한 성공한 예술가조차 뉴욕에서 버틸 수 없다면, 이제 막 시작한 예술가에게 이 도시는 무엇을 의미할까요.

클라인이 미술지 『옥토버』 2026년 겨울호에 기고해 온 뉴욕을 ‘발칵’ 뒤집어놓은 글이 있습니다. 에세이의 제목은 단호합니다. “뉴욕 부동산과 미국 예술의 몰락.” 그는 뉴욕의 부동산이 미국 예술을 구조적으로 파괴하고 있다고 진단합니다.

숫자가 먼저 말합니다. 브루클린의 스튜디오 임대료는 2000년대 초 대비 300퍼센트 올랐습니다. 그러나 예술가들이 생계를 위해 맡는 일들(스튜디오 어시스턴트, 아트 핸들러)의 임금은 그대로입니다. 공간을 잃은 조각가들은 그림을 그리기 시작했습니다. 비디오 작가들도 캔버스를 집어 들었습니다. 팔릴 수 있는 것을 만들지 않으면 살아남을 수 없기 때문입니다. 갤러리가 스스로에게 던지는 질문도 달라졌습니다. “이 작품이 무엇을 말하는가”에서 “이 작품이 팔리는가”로.

이것은 취향의 문제가 아니라 구조의 문제입니다. 1960~70년대 뉴욕에서 탄생한 개념미술, 미니멀리즘, 퍼포먼스 아트 등 그 모든 혁명의 조건은 단 하나였습니다. 싼 임대료. 예술가가 주 2~3일 서빙으로 아파트와 스튜디오를 유지할 수 있었던 시대, 시장을 의식하며 작업할 이유가 없었습니다. 실험은 공짜였고, 실패는 치명적이지 않았습니다. 지금 뉴욕은 그 반대입니다. 부동산 가격이 예술의 형식을 결정합니다. 조각은 공간이 필요하고, 공간은 돈이 필요하고, 돈은 판매가 필요합니다. 그 순환 안에서 실험은 점점 설 자리를 잃어갑니다.

계급도 조용히 걸러집니다. 가족이 월세를 보조해주는 사람이 저임금 갤러리 인턴직을 버티며 큐레이터가 됩니다. 집안에서 아파트를 마련해준 예술가는 전시가 팔리지 않아도 거리로 나앉지 않으니, 위험한 작업을 이어갈 수 있습니다. 그렇지 않은 예술가는 학자금 대출 고지서와 다음 달 임대료 사이에서 시장이 원하는 그림을 만들게 됩니다. 클라인은 묻습니다. 미국 미술사에서 잭슨 폴록, 앤디 워홀, 낸 골딘, 펠릭스 곤잘레스-토레스처럼 가난한 배경을 가진 예술가들이 굵직한 족적을 남길 수 있었던 것은, 그 시대의 뉴욕이 그들을 허용했기 때문이라고. 지금의 뉴욕은 허용하지 않습니다.

갤러리도, 미술관도 이 압력에서 자유롭지 않습니다. 아트 페어 부스 대여비는 수십만 달러에 달하고, 팬데믹 이후 운송비는 세 배 이상 뛰었습니다. 결과는 예측 가능합니다. 조각과 영상 설치 전시는 줄어들고, 운반하기 쉽고 팔기 쉬운 회화 중심으로 프로그램이 재편됩니다. 한 갤러리스트는 클라인에게 말했습니다. 요즘 아트 페어에서 잘 팔리는 것이 무엇이냐고 물었더니 돌아온 답은 한 단어였다고. “whimsy”(아기자기하고 유쾌한 것들)

그러나 클라인은 절망으로 글을 끝내지 않습니다. 탈출구는 언제나 중심 바깥에서 열렸습니다. 1980~90년대 미국 인디 록, 하드코어, 라이엇 걸 씬은 뉴욕이 아니라 올림피아, 프로비던스, 채플 힐에서 자랐습니다. 지금 필라델피아에는 작업실 임대료가 뉴욕의 4분의 1 수준인 빈 공장들이 즐비합니다. 인도네시아 요그야카르타의 예술가 콜렉티브들은 시장도, 정부 지원도 없이 서로의 공동체를 기반으로 새로운 예술 생태계를 만들어가고 있습니다. 2022년 도큐멘타 15에서 세계가 목격한 루앙루파의 실험이 그 가능성을 증명했습니다.

뉴욕이 예술을 버렸다면, 예술가도 뉴욕을 버릴 수 있습니다. 클라인의 말은 선언에 가깝습니다. 뉴욕은 더 이상 젊은 예술가의 야망을 받을 자격이 없다고. 꿈을 팔면서 청구서를 보내는 도시를 떠나, 더 싸고 더 넓고 더 자유로운 곳에서 새로운 예술 세계를 직접 만들어야 한다고. 그 가능성은 맨해튼의 고층 빌딩 사이가 아니라, 아직 임대료가 오르지 않은 어딘가에 있을 것입니다.

https://x.com/Poison_Tree/status/2043590037472993321

Check also:

Curatorial Fiasco by Francesco Bonami. Prince, Murakami, Stingel, Cattelan, Fischer @ Dead Gago Art Basel ’25
キュレーター フランチェスコ・ボナミの大失敗。 プリンス、村上、スティンゲル、カテラン、フィッシャー @ 死んだ ガゴ・アート・バーゼル ’25
https://art-culture.world/articles/bonami-fiasco-gagosian/

Trump: “Kiss my Ass” means: Boycott American Art! Blum and Pace Galleries: leave Japan!
トランプ：「俺のケツにキスしな！」= アメリカン・アートをボイコット！ BlumやPace ギャラリーは日本から出て行け！
https://art-culture.world/articles/boycott-american-art/

Me and Mr. Robinson, God bless you please, coo coo ca-choo, hey, hey, hey
https://art-culture.world/articles/walter-robinson/

とても悪い人、アートアドバイザー リーザ・シッフ氏：「私はフェイク、毎日 詐欺師でした。」
A very bad person, art advisor Lisa Schiff: “I was a fake, a fraud every day.”
https://art-culture.world/articles/art-advisor-lisa-schiff/

「テイラー・スウィフトなんて大嫌い！」米国が未開の国であることは明らかです。
“I HATE TAYLOR SWIFT!” shows clearly, the USA is an uncivilised country.
https://art-culture.world/articles/taylor-swift-テイラー・スウィフト/

Damien Hirst sells Jeff Koons “Balloon Monkey”
ダミアン・ハーストがジェフ・クーンズの 「バルーン・モンキー 」を販売
https://art-culture.world/articles/hirst-koons/

Tokyo Perspective: Chronicle of a Death Foretold regarding a respected American Art Dealer
奈良美智や村上隆を巡って：「FUCK YOU」や「お前、授乳中なんだから、俺のビジネスパートナーにはなれない」
https://art-culture.world/articles/blum/

Will ‘ARTnews’ and ‘Art in America’ disappear as print journals?
https://art-culture.world/articles/artnews-and-art-in-america-disappear-as-print-journals/

スイスの「ハウザー＆ワース」が香港に新スペースオープン：「マーク・ブラッドフォード個展」、東京にギャラリー進出も間近？
Hauser & Wirth opens with Mark Bradford in Hong Kong, could be Tokyo next?
https://art-culture.world/articles/hauser-wirth-ハウザー-ワース-香港/

アメリカはいかにして信用を失ったか How the US lost its credibility
https://art-culture.world/articles/how-the-us-lost-its-credibility/

ダメ、ソシオパス男たち、自分のナラティブ、イメージを高める、ボイス vs トランプ
Bad men, sociopaths Beuys and Trump, cultivating their narratives
https://art-culture.world/articles/beuys-trump/

Art world darling, cool Kenny Schachter @ Art Basel
アート界の寵児、クール ケニー・シャクター ＠ アート・バーゼル
https://art-culture.world/articles/kenny-schachter/

Extremely boring, pretentious, outdated works by “American Artist” Cady Noland @ GAGOSIAN GALLERY Park & 75, New York City, “AMERICA”
キャディ・ノーランド
https://art-culture.world/articles/cady-noland/

#USABS U.S. ARTY BULL SHIT. NFTデジタル・アーティスト ビープル：「美術史の流れを変えたい」や「悪役である」というメリット
#USABS。NFT Digital Artist Beeple: “I want to change the course of art history” and the merit of “being the bad guy”
https://art-culture.world/articles/nft-beeple-digital-artist-ビープル/

New York’s Arty American Bullshit Spreads Around The World: KAWS.
KAWS。ニューヨークのアメリカン美術ウンコを世界へ。
https://art-culture.world/articles/new-york-arty-bullshit-kaws/

五木田智央のニューヨークのアートディーラー、メアリー・ブーンは刑務所に30ヶ月間
GOKITA Tomoo’s New York Art Dealer Mary Boone sentenced to 30 Months in Prison
https://art-culture.world/articles/gokita-tomoos-new-york-art-dealer-mary-boone-sentenced-to-30-months-in-prison/

“Bribed” journalism at Wall Street Journal: Gagosian pushing up Grotjahn for U.S. Art Flippers, 6 days before the exhibition
https://art-culture.world/articles/gagosian-grotjahn-for-u-s-art-flippers/

ジョアン・ミッチェルのアート・ディーラーが突然変更に：「このアート界はとても野蛮になった」/ (＋ ポンピドゥー・センター・メッス画像)
In the context of recent changes by Joan Mitchell’s art dealers: : “This art world has become so uncivilized” // (+ pics from the Centre Pompidou-Metz)
https://art-culture.world/articles/joan-mitchells-art-dealers-problem-this-art-world-has-become-so-uncivilized/

Hedge fund titan Israel Englander pays 1 billion US$ to ex-wife and photographer Caryl, who left him for art dealer Dominique Lévy
New York’s High Society + its Art Scene: Prestige, Sex, Collectors and Money…
https://art-culture.world/articles/dominique-levy/

Prominent Collector and Dealer Adam Lindemann Arrested // New York Art World
https://art-culture.world/articles/adam-lindemann-arrested/

美術評論家：次の絶滅危惧種？ Art critics: Next endangered species?
https://art-culture.world/articles/art-critic/

The Year 2021. Still Symptomatic For New York’s Art Scene: Taking Drugs.
2021年。麻薬とニューヨークのアートシーン
https://art-culture.world/articles/new-yorks-art-scene/

art-culture.world/art-world/slow-death-of-the-new-york-art-scene-3

Yesterday, as I was walking through Madison Square Park on my way home, I came across a new piece of public art—an unexpected encounter that made me stop in my tracks. It turned out to be a work by Larry Bell (b. 1939, USA), an artist I’ve quietly admired for years.

Amongst the three white glass cubes installed nearby, it was this particular sculpture that captivated me with surprising intensity.

Cantaloupe but Honeydew (2025)

Both “Cantaloupe” and “Honeydew” are names for melons—perfectly ordinary words, almost playful.
Yet in Bell’s hands, this expression becomes a subtle paradox, a gentle twist in perception.

A work that I initially found minimalist suddenly seemed organic, even humorous, as if the title itself had changed the mood, the temperature of the piece.

Curious about how to translate the title into Japanese, I asked AI for advice.
There were several possible interpretations:

– “カンタロープであってハニーデュー”
– “カンタロープなのにハニーデュー”

Even when spoken aloud, the artistry of this phrase seems to become even more apparent, more expanding.

What impressed me most, however, was a line in the introductory text:
“Larry Bell is not making works of glass, ‘it’s the lights that hits that glass‘”.

And suddenly it all made sense.
The sculpture wasn’t just standing there in the square—it directed the morning light, refracted it, colored it, and let it glide across its surfaces like a silent performance. The title, too, seemed like a refracted ray of light: familiar, yet transformed.

In a city where art often competes with noise, scale, and speed, this work offered something rare—
a moment of silence, a shift in perception, a reminder that even the most minimalist forms can radiate unexpected, beautiful warmth.

#LarryBell #ラリーベル #NewYorkArtScene #PublicArt

昨日たまたまマディソン・スクエア パークを通りかかったら新しいパブリックアートに出会いました。以前から好きなアーティスト Larry Bell (ラリー・ベル 1939年アメリカ生まれ)の作品でした。⁡
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同アーティストの⁡白いキューブ3点の作品もあったのですが、特にこちらの作品に惹かれました。⁡
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⁡作品タイトル⁡

Cantaloupe but Honeydew (2025年)⁡

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⁡カンタロープ も ハニーデュー もメロンの名前です。⁡

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⁡ミニマルアートかと思っていた作品が、急に有機的になりました。⁡
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⁡日本語にどう訳すべきかとAI に聞きました。⁡
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⁡意訳すると色々な訳し方があるんですね。⁡
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⁡カンタロープであってハニーデュー⁡
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⁡聞いただけでアート度が増しますね⁡
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⁡冒頭の作品の説明に、ラリー・ベルはガラスの作品を作っているのではなくて、光の作品を作っているのですと書かれてありました。⁡
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⁡なるほどと思いました。⁡

文・写真：中井里美
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⁡#larrybell #ラリーベル #ニューヨークアートシーン #newyorkartscene

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art-culture.world/reviews/nakai-larry-bell

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東京国立近代美術館でゲルハルト・リヒターの個展を開催されたが、私が撮影したゲルハルトの作品を投稿します。日本の鑑賞者は、MOMATで何が足りないのか、どんな作品が追加されたのかを、ここで比較することができます。観賞や楽しんでくださいませ。
個人的なことですが、私について、美術批評家 名古屋覚の言葉を引用させてください。「日本で最も優れた油彩を制作する画家の一人、いや唯一の一人」（2016年）。
手段、先輩の絵のどこをチェックしているのか、見る人は気づくだろうね。

Because of MOMAT’s Gerhard Richter solo show, I up-loaded pictures I’ve taken of Gerhard’s works. The Japanese visitors may hereby compare what’s missing or what works had been added @ MOMAT. Enjoy and contemplate!
On a personal note, may I hereby quote art critic Satoru Nagoya in 2016: “Mario A, one of the most brilliantly gifted–or perhaps I should say, the single most brilliantly gifted––oil painting artist in Japan”.
Means, the viewer will notice where I’m checking my buddy’s paintings.

See also:
New polyrhythm 2022’s works by Gerhard Richter of close consonances, embodied by psychopathic spectrum atonality
ゲルハルト・リヒターの新作群 @ バイエラー財団、スイス
https://art-culture.world/articles/gerhard-richter-new-works-ゲルハルト・リヒター/

English:
Gerhard Richter @ The National Museum of Modern Art, Tokyo
June 7 – October 2, 2022
https://richter.exhibit.jp/en/

日本語：
ゲルハルト・リヒター展　@ 東京国立近代美術館
2022年6月7日〜10月2日
https://richter.exhibit.jp

MOMAT exhibition design for Richter

“18. Oktober 1977” 1988, Öl auf Leinwand

Der Zyklus 18. Oktober 1977 besteht aus 15 Gemälden, die Gerhard Richter zwischen März und November 1988 malte. Sie sind das Ergebnis seiner intensiven Beschäftigung mit der linksradikalen terroristischen Vereinigung Rote-Armee-Fraktion (RAF).

(The Museum of Modern Art, New York, The Sidney and Harriet Janis Collection, erworben mit Erlösen aus dem Verkauf einer Schenkung von Philip Johnson und eines Erwerbs durch den Lillie P. Bliss Bequest sowie mit Mitteln aus dem Enid A. Haupt Fund, dem Nina and Gordon Bunshaft Bequest Fund und einer Schenkung von Emily Rauh Pulitzer, 1995)

Ursprünglich hatte Richter 18 Gemälde ausgeführt, drei dieser Arbeiten wurden aber noch vor der Präsentation in Krefeld (1989) ausgesondert und übermalt. Dazu zählen ein Bildnis des toten Holger Meins, der am 9. November 1974 an den Folgen eines Hungerstreiks verstorben war, das zum Abstrakten Bild [WVZ: 686-9] wurde und eine zweite Version der Erhängten [WVZ: 668], die zum Bild Decke [WVZ: 680-3] wurde. Beide Bilder zeigen in ihrer jetzigen Form noch Spuren der darunterliegenden Motive. Zudem gab es laut Dietmar Elger eine dritte Variante von Erschossener [WVZ: 669/1-2], die wohl übermalt wurde, derzeit aber nicht eindeutig zu identifizieren ist.

END of Zyklus “18. Oktober 1977” 1988

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SOTHEBY’S. Expert Voices: Emma Baker on Richter’s Abstraktes Bild

Headlining Sotheby’s London Modern & Contemporary Evening Auction on 1 March 2023, Gerhard Richter’s Abstraktes Bild, 1986, spans four meters across and is one of the first large-scale paintings from the series ever.

Reminiscent of a landscape, or the strata of a Monet waterlily painting, the horizontal swathes of paint migrate across Abstraktes Bild in wave like-motion across the breadth of the canvas. Texture, colour and structure are here deployed with spectacular force, with the gliding scrape of the squeegee revealing the kaleidoscopic architectural structure of the artist’s underpainting.

It is a masterpiece created during the critical year of 1986, which saw the artist’s first large-scale touring retrospective and was also the year in which Richter first took up the squeegee as his principal compositional tool. He has only ever produced 24 Abstraktes Bild of this magnitude (with a width greater than 380 cm), of which half of these reside in museum collections across the globe.

art-culture.world/art-world/gerhard-richter-works-by-mario-a

Pierre Bonnard “Femme assoupie sur un lit” ou “L’Indolente” 1899, huile sur toile, 96,4 x 105,2 cm @ musée Bonnard, Le Cannet

ART+CULTUREの読者は、私が次のようなアーティストたちのヴィータを丹念に調査し、研究し、興味を持って追いかけていることに直感的に気づいているだろう：レオナール・フジタとフィンセント・ファン・ゴッホ。
3人目の画家は、こちらにまだ書いていないジェイムズ・マクニール・ホイッスラー。
今日はその4人目を初めて紹介させていただきます：ピエール・ボナール。
この4人の画家たちには、「ジャポニスム」というジャンルとの接触や影響の共通点があります。当然のことながら、日本から来たレオナール・フジタは、この文脈ではあまり重要な役割を果たしていません。それにもかかわらず、南フランス、パリ、ランス、南米、ニューヨーク暮らしの中、どういう風に「イマージュ・ジャポネズリ」を描いたか、知りたかったからです。

私はジャポニスムが大好きです。日本語に翻訳すると「日本趣味」。ベルリン大学時代から、欧米における日本趣味の歴史や影響を国立図書館で調べ、今でもジャポニスム関係の本を集めています。ジャポニスムの「ズレ」「違和感」「妄想」「異国趣味」に強く惹かれます。自分のアーティスト活動の中には、「néo japonisme」（1996-2019）や「新日本画」（2008〜 ）というシリーズがありますが、これらはジャポニスムの流れに位置する作品です。日本美術史家・山下裕二氏の評論や、日本現代アーティストが自身の作品をジャポニスム、又は、ネオ・ジャポニスムと評するケースをしばしば見かけまが、それは間違った使い方です。定義上、ジャポニスムという専門用語は、「外国人が感じる日本趣味」であり、日本人が感じる日本趣味ではありません。
世界の絵画史では、クロード・モネ《ラ・ジャポネーズ》（1875-76）、ジェームズ・マクニール・ホイッスラー《La Princesse du Pay de la Porcelaine》（1863-1864）、ジョルジュ・ ロシュグロス《Portrait de Sarah Bernhardt》（1900） 、ジェームズ・ティソ「La Japonaise au bain」（1864年）などが、代表的な作品です。はたして、《Gogh, Kiyoshiro & Me （Summertime Blues – Tokyo 2020）》(2016)は、ジャポニスムの歴史に名を残すことができるでしょうか。
2012年のアートフェア東京での個展にて、美術評論家・名古屋覚氏から、「あなたは日本で一番良い油絵画家です。そして、作品にイタリアのルーツを感じる」と言われました。さらに、2016年に「日本で最も優れた油彩を制作する画家の一人、いや唯一の一人」という名古屋さんの評論の中を読んだ時、将来への強いプレッシャーを感じました。キャンバスと格闘しながら、新しいジャポニスム（＝和洋折衷）を生み出し、課題を解釈・解決し、いかに規則を曲げられるかに真剣に取り組む毎日です。

レオナール・フジタ、フィンセント・ファン・ゴッホ、ジェイムズ・マクニール・ホイッスラー、ピエール・ボナール。彼らの絵画を用いて、顔料素材、混ぜ方、色調の使い方、筆の勢い、色彩感覚が結構面白く、さまざまな、日本式なダメ語義を使わさせていただくと、「洋画」の制作秘密が鑑賞できます。
しかし、自己分析をすると、上に説明した通り、4人の素材、 色彩、形態、賦彩、マチエール、モチーフ、想像力などが、私の描き方にほとんど影響なく、むしろ、心理学的形態論の方が、魂の兄弟として相応しい世界観です。
1841年に塗料用の絞り可能な金属チューブが開発されてから、モネ・セザンヌ・ゴッホなどが西洋式な「近代美術」の流れ、ボナールに影響を与えました。彼が、ジャポニスム、写真、反アカデミズムのフュージョンでナビ派の仲間たちと組んで、大騒ぎになったと言っても過言ではないです。
彼らがパリを激怒させたのは、当時に美学界で消化されたばかりの印象派が始めた、極端に主観的な絵画を継承していたからです。
自然現象をイメージするのではなく、自分が見た自然現象を再現することが目的でした。ナビ派は、視線をイメージに従属させて、芸術は最も忠実な現象学であるという思想でした。
「創始者」か、又は「さらなる進化」か、見方によって、彼らの姿勢が、折衷主義を通じて、「モダニズム」（又は、さまざまなモダニズムの張り合う）を象徴化しました。

子供の頃から、直感的で鋭い目を持っている、私。他の人と比べて、傲慢にならない程度に、細部までよく見え、視野が広く、状況を素早く予測することができる、申し訳ありませんが、なんとなく、この歳で、と語れます。初めてボナールの絵を観た時、写真構造の馴染みがあって、モチーフの中、鏡に映る姿が隠れた要素として含まれていることにすぐ気づきました。そして、ここは「ヘン」。初期ごろ、ジャポニスムを作品に描き込んだから、このような「ズレ」や「異国趣味」のおかげで、ボナールの全体像を好きになりました。
ボナールの思索的な画像のまなざし。50mmのカメラレンズを絵画的な色調に巧みに変化させる。破壊的なピクトリアリスム。居心地の良いリビング・、ベッド・、バス・ルームでのありふれた日常的な状況。
私生活からソーシャル・コメンタリーへの解放信号。ボナールの使命感、認知的勤勉さは、荒地、メランコリー。奥さんに騙されたので、人生のトラジコメディーを示しています。
悲劇的な存在の概念、鏡を見ながら、泣くか、喜ぶか。
現代版：インスタる、インスタ・フィルター自画像、可愛い女と呼ばれたい。
複音の陰影で、現実の寓意を用いて、ボナール画に反射している人間の条件ではないでしょうか。
（顔に）描くことは魂の独り言です。
亜 真里男

以下の写真はすべて by 亜 真里男

Pierre Bonnard “Femme endormie” 1928, huile sur toile @ musée Bonnard, Le Cannet

左：Peter Nansen 「Marie」1898年 (version français, deuxième édition) Dessins de Pierre Bonnard
右：Pierre Bonnard et Paul Verlaine 「Parallèlement」 1900年 Ouvrage illustré par Pierre Bonnard

Pierre Bonnard “Femme assoupie sur un lit” ou “L’Indolente” 1899, huile sur toile, 96,4 x 105,2 cm @ musée Bonnard, Le Cannet

Pierre Bonnard “Vu du Cannet” 1927, huile sur toile @ musée Bonnard, Le Cannet

Pierre Bonnard “Nu de profil” vers 1917, huile sur toile @ musée Bonnard, Le Cannet

Pierre Bonnard “Paysage, soleil couchant (Le Cannet)” vers 1923, huile sur toile @ musée Bonnard, Le Cannet

Pierre Bonnard “Femme debout dans un intérieur” dit “La Valise” s.d. huile sur toile @ musée Bonnard, Le Cannet

Pierre Bonnard “La Salle à manger au Cannet” 1932, huile sur toile @ musée Bonnard, Le Cannet

Pierre Bonnard “La route rose” 1934, huile sur toile, 59 x 61 cm, Musée de L’Annonciade, St. Tropez

レオナール・フジタのCagnes sur Merの景色を比較：

藤田嗣治・Léonard Foujitaの作品との出会い
Encountering the works by Léonard Tsuguharu Foujita
https://art-culture.world/articles/foujita-tsuguharu-leonard-tsuguharu-foujita-kimiyo-藤田嗣治/

カーニュ＝シュル＝メール Cagnes-sur-Mer, photo taken from Château-Musée Grimaldi

藤田嗣治 Léonard Foujita “Cagnes-sur-Mer” 1918 (Kunstmuseum Luzern)

藤田嗣治 Léonard Foujita “Lettre au marchand Georges Chéron” 1918

藤田嗣治 Léonard Foujita “Lettre au marchand Georges Chéron” 1918

Pierre Bonnard “La ferme au toit rouge” vers 1923, huile sur toile, 46 x 58 cm, Musée de L’Annonciade, St. Tropez

Pierre Bonnard “Nu devant la cheminée” 1919, huile sur toile, 77.5 x 59.5 cm, Musée de L’Annonciade, St. Tropez

Pierre Bonnard “Nu dans le bain” 1936, huile sur toile, Paris

Pierre Bonnard “Femme à sa toilette” vers 1934, huile sur toile, Paris

Pierre Bonnard “Ambroise Vollard au chat” vers 1924, huile sur toile, Paris

Pierre Bonnard “Le Jardin” vers 1936, huile sur toile, Paris

Pierre Bonnard “Coin de table à manger au Cannet” vers 1932, huile sur toile, Paris

Pierre Bonnard “Nu de dos à la toilette” 1934, huile sur toile, Paris

Pierre Bonnard “Le corsage rouge” 1925, huile sur toile, Paris

Pierre Bonnard “Femmes au jardin” 1890/1891, Dekorative Banneaux, Leimfarbe über Kohle, Bleistift und weisse Kreide auf Papier, auf Leinwand aufgezogen, Zürich

Pierre Bonnard “La famille au jardin (Grand-Lemps)” 1901, huile sur toile, Zürich

Pierre Bonnard “Signac et ses amis en barque” 1924, huile sur toile, Zürich

Pierre Bonnard “L’abat-jour orangé” 1908, Ölfarben auf Leinwand, Winterthur

Pierre Bonnard “Jeune fille nue la cheminée” oder “Nu devant la cheminée” 1919, Ölfarben auf Leinwand, Winterthur

Pierre Bonnard “La tasse bleue” um 1907, Ölfarben auf Leinwand, Winterthur

Pierre Bonnard “Nature morte avec fruits” um 1925, Ölfarben auf Leinwand, Winterthur

Pierre Bonnard “Le moulin à café” 1930, Ölfarben auf Leinwand, Winterthur

Pierre Bonnard “Prunes et raisins” um 1907-1908, Ölfarben auf Leinwand, Winterthur

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UPDATE、おまけ bonus:

PIERRE BONNARD
Designed by India Mahdavi
National Gallery of Victoria in Melbourne
June-October 2023
https://www.ngv.vic.gov.au/exhibition/bonnard/

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https://www.christies.com/en/lot/lot-6579700

art-culture.world/art-world/pierre-bonnard

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Still editing 編集中！

NOCH Japanisch!!

We’ll soon have war on our doorstep. Xi warned Trump not to interfere regarding Taiwan. During his talks with Trump in Beijing, Xi warned that if the issue of Taiwan is mishandled, Sino-U.S. relations could be put in “great jeopardy.” He also said safeguarding peace and stability across the Taiwan Strait is “the biggest common denominator” between the two countries, according to the Chinese Foreign Ministry.
The Chinese leader also said “Taiwan independence” and cross-strait peace are “as irreconcilable as fire and water,” the ministry said.
Liang Wen-chieh, deputy head of Taiwan’s Mainland Affairs Council, said at a separate news conference that the broad consensus on the island is to maintain the status quo and China’s attempt to undermine it is “the greatest risk” to the Taiwan Strait at present.
“If all parties truly value peace and stability in the Taiwan Strait, then China should first restrain its military intimidation toward Taiwan,” he said. China regularly sends its military vessels and warplanes near the island. The Communist-led mainland views the democratic territory as a renegade province to be brought under its control by force if necessary.
In Europe, there is understanding for Germany’s reluctance to become a military power. For decades, arms manufacturers were ostracized, and strategic thinking was not a German strength. But in the fifth year of this ‘Period of Transformation’, greater sovereignty is needed – including in communication with neighbors who rightly question what role they should play alongside Germany.
If Russia is still threatening with nuclear weapons in 2026, then it’s only logical that Germany will rearm and possess nuclear bombs itself. That’s not just my opinion, but that of the majority of the German population.
The majority of the Japanese population elected a far-right prime minister who will soon have the “Peace Constitution” rewritten. Last month, Japan began exporting Japanese military weapons to the world. Here, too, it’s only a matter of time before Japan possesses nuclear weapons.
The “moral silence” has now come to an end. The so-called ‘Period of Transformation’ that began five years ago with Russia’s military invasion in Ukraine, has brought the evil in humanity back to the surface.
These three dangerous imperialists — Putin, Xi, and Trump — don’t radiate love, but hate and anger.

日独伊三国同盟：1945年5月8日、欧米全土が祝賀ムードに包まれていたにもかかわらず、にっぽん人は「天皇のために殺せ！」と叫び続けた
Tripartite Pact between Japan, Germany, and Italy: On May 8, 1945, while the entire Western world was enveloped in a celebratory mood, the Japanese continued to shout, “Kill for the TENNO!”
https://art-culture.world/politics/kill-for-the-tenno/

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Lang lebe Seine Majestät der Kaiser! Hurra! Hurra! Hurra!

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【リプレイ】天皇誕生日「一般参賀」　両陛下や皇族方が出席　 ──皇室ニュースライブ［2026年2月23日］（日テレNEWS LIVE）
#天皇誕生日 #天皇皇后両陛下 #日テレ​​

art-culture.world/jp-society/war-bunker-shelter

ウェイン・ティーボー Girl with pink hat, 1973, oil on canvas, 91.4 x 74.9 cm

We are actually living in a new era of Post-postmodernism in which an eclectic, highly diversified spectrum of artistic practices in different continents emerged. The manoeuvres by these art workers in the global contemporary art scene manifest their repulsive attitude towards Postmodernism, ergo exhibition visitors are being mentally and intellectually challenged more and more.
Complicatedly expressed art critical theory implies a possible aversion of a large part of the audience to anything contemporary, also because art history is being re-written every ten years.
In this context, we might understand why paintings by Wayne Thiebaud remain so popular.
A quite sensual experience, easy to comprehend exhibition runs until next month at the Fondation Beyeler, close to Basel, Switzerland.
The late art critic Satoru Nagoya wrote about me “Mario A, one of the most brilliantly gifted – or perhaps I should say, the single most brilliantly gifted –oil painting artist in Japan”, means, Thiebaud’s oil works had been inspected, analysed with my critical painterly eye during this exhibition. As until today neither Japan nor Europe realised a comprehensive overview of Wayne Thiebaud’s 70 years imaginative universe, I finally got this thankful opportunity through the initiative and excellent curatorial practice by Ulf Küster.
Interestingly, Thiebaud’s paintings from the early period, do transport a universal character, especially amongst children. However, implying his Walt Disney roots,

ウェイン・ティーボー Mickey Mouse, 1988, oil on board, 26 × 26 cm

I’m questioning this ‘California thing’, where warm temperatures and sunshine dominate the urban, in some cases even an artificially cool, lifestyle. A White middle-class American Experience from the 60’s (and probably the early 70’s), if you like to hear. Commentaries on war or social movements we search in vain.

Pies, pies, pies. In seemingly endless rows and the most sugary colours. Multi-level, multi-layered, in whole and in parts. Large and within reach. But this sweet overkill does not cause a feeling of fullness. For the confiseries do not conceal that they are the work of a painter. Wayne Thiebaud has put them on canvas, working the impasto oil paint like cream and icing.

In this context let’s read a conversation between Willem de Kooning and Thiebaud from 1958:
“Why are you painting anyway?” That was a question which stopped me. I just said, “Well, I love doing it.” He said, that’s not enough. He said, you have to find something you really know something about and that you are really interested in, and just do that. Don’t spend so much time looking at what you think will make you successful.”

Thiebaud:
I said to myself, well, I’ve never been to art school. I know a little bit about art history. What has my life been? I grew up a Mormon boy in America. I worked in restaurants and helped cook hamburgers, washed dishes, was a busboy. What is that world? Is there anything in that world? So I said, I’m going to just start as directly as I can. And I took the canvas and made some ovals, thinking about Cézanne—the cube, the cone and the sphere—and put some triangles over them and thought, well, that maybe could represent a pie on a plate. I had seen them laid out in restaurants and I was always kind of interested in the way in which they formed these nice patterns. I said, alright, I’ll go ahead with this and I’ll make them into pies. I was really enjoying myself… and as I finished, I looked at it, and said, my god I just painted a bunch of pies. That’s going to be the end of me as a serious painter.”

Source:
https://www.theartnewspaper.com/2023/02/07/thats-not-enough-willem-de-koonings-advice-to-a-young-wayne-thiebaud

ウェイン・ティーボー Pie Rows, 1961, oil on canvas, 55.9 x 71.1 cm

As an irony of fate, it turned out that he achieved his first commercial success with these American Kitsch motifs. The flashy eye candy.
I clearly notice how he pushed himself as a young painter by experimenting with brushstrokes, colour, composition, light and shadow.
In the seemingly innocuous pictures of cake slices and wedding cakes, there is clearly more than just a desire for bright, creamy hues. Sweet frosting and poisonous impasto made for an interaction between the visual and the visceral.
Painted pieces of cake and peppermint candies in rows and groups. This created a kind of pattern in which the individual motif becomes part of a larger whole.
Apparently, the American curatorial practice brought this kind of matrix, his cylindrical cakes and cones of ice cream close to Warhol’s monotonous cans of soup.

In an evolutionary process Thiebaud has repeatedly tackled the same subjects.
Colours and abstract compositions, everything graphic and serial, means, his cake displays are always also diagrammatic confectionery landscapes, from which instead of buttercream, fat oil paint oozes. He painted mainly everyday things like cakes, slot machines or lipsticks, which had to be bright and pinky colourful.

ウェイン・ティーボー Three Cones, 1964, oil on cardboard, 33 x 37.5 cm

ウェイン・ティーボー Bakery Case, 1996, oil on canvas, 167.9 x 187.9 cm

ウェイン・ティーボー Jolly Cones, 2002, oil on wood, 28 x 21.5 cm

ウェイン・ティーボー Four Pinball Machines, 1962, oil on canvas, 172.7 x 182.8 cm

ウェイン・ティーボー Jackpot, 2005, oil on canvas, 122.6 × 91.4cm

ウェイン・ティーボー Stuffed Toys, 2004, oil on board, 61 x 56 cm

Problematic painting, executed in 2004

Then his wife Betty, his emancipated daughter Twinka and friends. People and objects from his close environment.

ウェイン・ティーボー Girl with Ice Cream Cone, 1963, oil on canvas, 122.2 x 92.1 cm

ウェイン・ティーボー Betty Jean Thiebaud and Book, 1965–1969, oil on canvas, 91.4 x 76.2 cm

ウェイン・ティーボー Two Kneeling Figures, 1966, oil on canvas, 152.4 x 182.9 cm

ウェイン・ティーボー Woman in Tub, 1965, oil on canvas, 90.8 x 152.4 cm

ウェイン・ティーボー Eating Figures (Quick Snack), 1963, oil on canvas, 181.6 x 120.7 cm

ウェイン・ティーボー Student, 1968, oil on canvas, 152.7 x 122.2 cm

ウェイン・ティーボー Three Prone Figures, 1961, oil on canvas, 35.6 x 45.7 cm. Published in the Beyeler catalogue, unfortunately not exhibited. It would have been one of Thiebaud’s earliest works shown, next to “Pie Rows” from the same year 1961.

I discover that he kept exploring the formal possibilities of painting. What kinds of varying light can you have in one painting? Direct glaring light, then fugitive light, then green glow. In retrospective, I can call him a Pop Art pioneer who was initially misunderstood and even rejected by many galleries.
As a painter I consider Thiebaud’s delta paintings as one of his better works, in which the painterly process, the execution, offers multiple facets of oil painting (except “Ponds and Streams” from 2001, painted in acrylic).
Thiebaud began to literally zoom-in into the Sacramento River delta. The photographic eye slowly shifts its perspectives, tries to establish new subtle, high viewpoints which purposely cut off the horizon. Silvery water in unexpected hues assembled by tiny trees and farmhouses. Obviously, he forcibly rearranges rivers, channels, fields into abstract, autark, discordant painting patterns, to provoke and challenge the viewer’s perception.
With this kind of works, I can acknowledge his efforts in having developed towards true oil painting practice.

ウェイン・ティーボー Flood Waters, 2006/2013, oil on canvas, 121.9 x 152.4 cm

ウェイン・ティーボー Ponds and Streams, 2001, acrylic on canvas, 182.9 x 152.4 cm

ウェイン・ティーボー River Pool, 1997, oil on canvas, 91.4 x 90.8 cm

ウェイン・ティーボー Flatland River, 1997, oil on canvas, 96.5 × 147.3 cm

Taken @ ART BASEL 2022, already posted here on ART+CULTURE:

Regarding his vertiginous San Francisco cityscapes, I prefer resisting the help of lineal and strict contours. Thiebaud uses the drawing board of an architect and deprives us any natural sense of the spacial aura, the philosophising painter’s raison d’être. Even if Perspective Dissonance stimulates an atonal, interesting composition with “wrong shades & lines”, it does not mean to consider his painterly ductus, even if it seems original at first sight, as excellent or provocatively fascinating. Once you understand his trick, the wanted effect becomes boring.
In this series, I noticed that he switched into easy-to-make acrylic painting. Which, of course, in the end, doesn’t really matter for the normal audience.

ウェイン・ティーボー City Views, 2004, oil on canvas, 
left panel: 182.2 x 121.9 cm, center panel: 182.6 x 136.8 cm, 
right panel: 182.2 x 121.9 cm

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ウェイン・ティーボー Diagonal Freeway, 1993, acrylic on canvas, 91.4 x 152.4 cm

ウェイン・ティーボー Civic Center, 1986, oil on canvas, 121.9 x 91.4 cm

Same picture, taken at ART BASEL 2022, posted already here on ART+CULTURE with these informations. Because the lighting of the fair booth, the colours appear differently.

Wayne Thiebaud “Civic Center” @ Acquavella booth. Signed and dated 1986 twice.
This work had been auctioned and sold @ Sotheby’s New York “Contemporary Curated”, 06 March 2020. The estimate in 2020 was 2.500.000 – 3.500.000 USD.
Provenance:
Campbell-Thiebaud Gallery, San Francisco
Acquired from the above by the present owner in 1994

ウェイン・ティーボー Wide Downstreet 1994, oil on canvas, 137.2 x 121.9 cm

ウェイン・ティーボー Canyon Mountains, 2011-12, oil on canvas, 167.96 cm × 137.48 cm

ウェイン・ティーボー Folsom Rocks, 1971, oil on canvas, 41 × 51.1 cm

ウェイン・ティーボー Yosemite Ridge, 1975, oil on canvas, 182.9 x 91.4 cm

ウェイン・ティーボー Rock Island Split, 2019, oil on canvas, 91.4 × 91.4 cm

ウェイン・ティーボー Boston Cream Pies, 1964

ウェイン・ティーボー Untitled, 1975, graphite on paper, 38.1 x 25.1 cm

ウェイン・ティーボー Untitled (Page of sketches with cityscapes), 1990’s

On this occasion may I introduce you to the daughter of Wayne Thiebaud, Twinka Thiebaud, and Henry Miller.
Twinka, actually a writer, became a renown model for many artists, including her father. Last year, the Crocker Art Museum curated a retrospective about her practice, showing 100 works by 33 artists.
One famous example of her modelling is her picture in 1974, taken together with Imogen Cunningham (1883-1976). See the attached pic. Eventually this first adult full-frontal nude photograph published in the Life magazine catapulted her into a celebrity status. More infos via Wikipedia.
Twinka became the last partner of Henry Miller and worked as his cook and caretaker until his death in June 1980.
Before Twinka, Miller’s Japanese wife, musician TOKUDA Hoki (Hiroko) ホキ徳田, divorced him after 10 years of marriage, 3 years before his death.
Several years ago I met vivid Tokuda-san in the bar KAZAHANA, talking about Henry Miller and the Henry Miller Museum of Art in Ōmachi City in Nagano, Japan, which closed in 2001.

Concerning Henry Miller and his last wife TOKUDA Hoki you may find more informations via the internet.
Link_https://www.youtube.com/watch?v=94KcXO25m4M
ホキ徳田 　生い立ちからヘンリー・ミラーとの出会い（ピアノ弾き語り、元スリー・バブルス歌手、ヘンリー・ミラー・元夫人）

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Things of colour vs. people of colour. Cultural memories. In this context I’m missing an important social conscience in Wayne Thiebaud’s Gesamtkunstwerk.
Said that, together with the visitors at the Fondation Beyeler, I experienced a joyful time, interacting and speaking to several people on the spot.
By writing this text, my critical eye as an oil painter returned to the serious “modus existencia”; may I hereby apologise to the readers, who understandably want to enjoy a nicely painted work.
Thiebaud is largely unknown in Japan, but has long been popular in the United States. An important part of his body of work can be associated to the “embodiment of the pop”. Astonishingly, his most famous pupil was Bruce Nauman, who for a time also worked as his assistant.
The painterly practice always shows small inconsistencies, which can be analysed as witty, humorous, amateurish or mischievous.
When depicting the figurative moment, he chose a combination of static pose, front-facing orientation, bright colours, the impasto, traces of energetic brushwork in a wholly neutral setting, which consequently allow almost no interference as to the sitter’s personality or a possible narrative. The painting’s “entertaining” presence is also due to the relation between flatness and spatiality within the composition.
Curator Ulf Küster, in direct cooperation with Acquavella Galleries, New York (founded in 1921), succeeded in getting 65 works to his museum. I can imagine the many difficulties and bureaucratic hurdles in assembling the necessary representative works. Küster’s tremendous curatorial practice should be applauded.
Mario A

WAYNE THIEBAUD
Fondation Beyeler, Riehen, Switzerland
https://www.fondationbeyeler.ch/en/exhibitions/wayne-thiebaud

ここに載せた写真は、すべて「好意によりクリエーティブ・コモン・センス」の文脈で、日本美術史の記録の為に発表致します。
Creative Commons Attribution　Noncommercial-NoDerivative Works
photos: cccs courtesy creative common sense

Expansion of the Fondation Beyeler Museum is in full swing, see the actual pics.

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Sam Keller on the expansion of Fondation Beyeler and Basel as city for art and architecture

In case of interest, you may check several other Fondation Beyeler exhibitions:

スーザン・フィリップスの、繊細な地震計の感覚：内外のスペースを”巡聴”
Delicate, Seismic Sensitivities by Susan Philipsz: Listening Around Inner & Outer Spaces
https://art-culture.world/articles/susan-philipsz-スーザン・フィリップス/

レイチェル・ホワイトリード 「Wardrobe」2019年 と バルテュス「Passage du Commerce-Saint-André」1952-1954年 @ バイエラー財団 2020年1月まで
Rachel Whiteread “Wardrobe” 2019 & Balthus “Passage du Commerce-Saint-André” 1952-1954 @ Fondation Beyeler, until Jan. 2020
https://art-culture.world/articles/rachel-whiteread-balthus-fondation-beyeler-バルテュス-バイエラー財団/

Rudolf Stingel ルドルフ・スティンゲル
https://art-culture.world/articles/rudolf-stingel/

モンドリアン ノ ピュア・デザイン mondrian’s pure design
https://art-culture.world/articles/mondrian/

New polyrhythm 2022’s works by Gerhard Richter of close consonances, embodied by psychopathic spectrum atonality
ゲルハルト・リヒターの新作群 @ バイエラー財団、スイス
https://art-culture.world/articles/gerhard-richter-new-works-ゲルハルト・リヒター/

roni horn～hydrosphère féminin ロニ・ホーン
https://art-culture.world/articles/roni-horn〜hydrosphere-feminin/

女性の力強さ @ バイエラー財団：ベルト・モリゾ、メアリー・カサット、パウラ・モデルソン＝ベッカー、ロッテ・ラーゼルシュタイン、フリーダ・カーロ、アリス・ニール、マレーネ・デュマ、シンディ・シャーマン、エリザベス・ペイトン
The Strength Of Women @ Fondation Beyeler: Berthe Morisot, Mary Cassatt, Paula Modersohn-Becker, Lotte Laserstein, Frida Kahlo, Alice Neel, Marlene Dumas, Cindy Sherman, Elizabeth Peyton
https://art-culture.world/articles/berthe-morisot-mary-cassatt-paula-modersohn-becker-lotte-laserstein-frida-kahlo-alice-neel-marlene-dumas-cindy-sherman-elizabeth-peyton/

Similar topics regarding Wayne Thiebaud, see:

ピクチャリング・アメリカ @ ドイツ・グッゲンハイム・ベルリン：トリステス＋退屈 (2/2) (ロバート・ベクトル)
picturing america @ Deutsche Guggenheim Berlin: Tristesse + Boredom (2/2) (Robert Bechtle)
https://art-culture.world/articles/picturing-america-ピクチャリング・アメリカ-グッゲンハイム/

B like Baldessari, The Painter 概念とペインティング
https://art-culture.world/articles/baldessari-the-painter/

ロバート・ライマン Robert Ryman R.I.P.
https://art-culture.world/articles/robert-ryman-r-i-p/

チャック・クロース、安らかに眠れ Chuck Close, Requiescat In Pace
https://art-culture.world/articles/chuck-close/

art-culture.world/reviews/wayne-thiebaud-beyeler-fondation

IMPERIAL HOTEL, KYOTO / Official Website
English
https://www.imperialhotel.co.jp/en/kyoto
Japanese
https://www.imperialhotel.co.jp/kyoto

more @
https://www.imperialhotel.co.jp/kyoto/stay/experience
https://www.imperialhotel.co.jp/en/kyoto/stay/experience?stt_lang=en

art-culture.world/articles/state-of-the-art-elegant-kyoto-hotel